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Esta semana exhibimos obras de Martín Pelenur:

Cuadro en el estudio:

Título:  #3 ( Serie Grillas )
Técnica: Acrílico sobre tela
Medidas: 100 x 100 cm
Año: 2024-2026

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Martín Pelenur es artista visual y productor cultural. En 2013, fundó La Pecera, un espacio autogestionado en La Barra, Punta del Este, dedicado al desarrollo de las artes visuales en Uruguay. Desde la década del 2000, mantiene una sostenida trayectoria con numerosas exhibiciones individuales y colectivas, tanto en Uruguay como en el extranjero. Obtuvo el Premio Petrona (2024), Premio Nacional de Pintura Bartolomé Macció (2012) y Premio Paul Cézanne (2011), entre otros. Su obra ha sido respaldada por becas internacionales, como la del Goethe Institute en Berlín (2010).

Ha participado en residencias artísticas como la Kates-Ferri Projects Residency (2022) y la NARS Foundation Residency (2021), ambas en Nueva York. Entre sus muestras más recientes se destacan “Bleeding Grids” en la Galería Arroniz (CDMX, 2024) y “Línea Merín” en el Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry (MACA) en Punta del Este (2022). Su práctica artística aborda la pintura como un medio de pensamiento, enfocándose en el trabajo procesual y seriado, a través de ejercicios, sistemas y procedimientos cíclicos. Pelenur entiende el acto de pintar como un experimento perpetuo que le permite explorar nuevas formas y conceptos.

Sobre su obra:

Su producción actual continúa una investigación sobre el acto de pintar, utilizando la estructura de la grilla como punto de partida. Esta funciona como una cartografía y, al mismo tiempo, como una forma de organizar el espacio y el tiempo. 

Recientemente, el artista retomó piezas iniciadas en 2022. Lo que comenzó como estructuras simples y ordenadas evolucionó hacia una nueva etapa donde aparecen una superposición de capas, transparencias y desplazamientos de la pincelada.  Más que transmitir un mensaje, su propuesta busca cuestionar las convenciones sobre la pintura,  situándose en el límite de lo que el artista define como la delgada línea entre el bien y el mal.

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El Festival Internacional de Cine uruguayo, José Ignacio International Film Festival (JIIFF) instaló por cuarto año consecutivo su sede flotante en el Festival de Cannes y convoca para impulsar coproducciones.

El socio fundador y productor audiovisual, Martín Cuinat, resalta la importancia de la presencia del yate Alhambra, anclado frente al corazón del Festival de Cannes, que volvió a montar su propia embajada flotante.

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La murga La Mojigata presentará el espectáculo "Los inadaptados con relaciones" el próximo 22 de julio en el Auditorio Nacional del Sodre, una propuesta que celebra sus 27 años de trayectoria colectiva. El nombre de la obra surge de la fusión entre su clásico cuplé de 2002, "Los inadaptados de siempre", y su propuesta de carnaval 2026, "Murga con relaciones".

Esta puesta en escena profundiza en la identidad de un grupo que se define como una "familia" o un "clan" que, aunque respeta los reglamentos, se siente por fuera de los circuitos tradicionales del carnaval, encontrando en eso su verdadero sentido de pertenencia.

El evento contará con una destacada lista de invitados que han sido fundamentales en el génesis y desarrollo de la murga, incluyendo a figuras como Pinocho Routín, Pitufo Lombardo, Alejandro Balbis, Nico Ibarburu, El Alemán, Emiliano y el Zurdo y Mario Carrero. No se trata simplemente de un festejo de aniversario, sino de un show integral y dinámico diseñado específicamente para la sala del Sodre.

Este recorrido también funciona como un ejercicio de memoria y revisionismo para un colectivo que nació de la "inconsciencia juvenil" durante la crisis de 2001-2002 y que encontró en la murga un refugio que les "salvó la cabeza". El proceso de preparación ha implicado reescribir y actualizar textos antiguos para asegurar su vigencia, así como ensayar con componentes de años anteriores que forman parte de su "familia ampliada".

Con más de 30 personas en escena, la función promete ser un encuentro cargado de emoción. Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Tickantel.

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Medio camino entre el verano pegajoso y la madrugada insomne, Medias Negras aparece como el trabajo más íntimo y cinematográfico de Charlie Cromo. La compositora nacida en Madrid y criada en El Pinar recorre el universo de un EP donde conviven clarinetes, distorsión, humor incómodo y canciones que hablan del amor cuando “ya no quedan grandes discursos”.

Entre referencias al “blues psicodélico centennial” y el “zombie punk”, Charlie cuenta cómo estas canciones nacieron en un mismo impulso creativo, atravesadas por imágenes, vulnerabilidad y una sensibilidad generacional que oscila entre el juego y la melancolía. “Me gusta que dentro de lo gracioso haya algo doloroso también”, dice sobre un disco que transforma desencuentros, ansiedad y memoria en escenas sonoras cargadas de misterio.

Grabado junto a su banda y producido nuevamente con Paul Higgs, Medias Negras confirma una búsqueda artística cada vez más propia: canciones que parecen pequeñas películas nocturnas, donde un gato negro, unas cortinas rojas o una frase escuchada al pasar pueden convertirse en el centro emocional de todo un mundo.

El disco tendrá su presentación oficial el 11 de setiembre en El Chamuyo, pero ya lo podemos escuchar en todas las plataformas.

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La maestra Cristina García Banegas y el pianista Juan José Zeballos anticipa un concierto singular dedicado al universo de Erik Satie, a realizarse el próximo domingo 17 de mayo a las 17:00 horas en la Iglesia Evangélica Alemana.

La propuesta, concebida como un homenaje a los 160 años del nacimiento del compositor francés y al centenario de su fallecimiento, invita al público a sumergirse en una experiencia sonora íntima y poco convencional, donde el piano y el órgano dialogan en torno a la obra de uno de los artistas más originales y visionarios de la modernidad musical.

Durante la conversación, ambos intérpretes reflexionan sobre la figura de Satie como un creador adelantado a su tiempo: un espíritu rebelde, precursor del minimalismo y de la música ambiental, cuya estética evitó deliberadamente el virtuosismo y la grandilocuencia para construir, con pocos elementos, una atmósfera profundamente hipnótica.

El concierto presentará arreglos originales para órgano y piano, concebidos especialmente para este proyecto, explorando nuevas tímbricas y perspectivas sobre piezas emblemáticas de Satie.

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Esta semana exhibimos obras de Gustavo Talento:

Cuadro en el estudio:

Título:  Mi casa en el cabo polonio
Técnica: mixta, composición abstracta a partir de marca en placa de melamínico; madera, cartón, chapas, malla, alambre y resina
Medidas: 68 x 60 cm
Año: 2026

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Gustavo Talento nació en 1968. Los ambientes playeros dejaron una fuerte marca en él, en especial Punta Piedras y Lagomar; lugares distantes y diferentes donde respiraba libertad y felicidad. Allí encontraba no solo los materiales para crear, sino también a sus referentes familiares, constructores y creativos que, desde la nada, transformaban elementos en formas e imágenes.

Posteriormente, abrió puertas en mundos laborales vinculados a la administración y las finanzas. No obstante, su interés por componer formas y el hábito de recoger objetos abandonados se mantuvo presente. Hacia el 2012, comenzó a sentir que lograba una armonía estética merecedora de ser mostrada fuera de su casa y, en 2022, decidió dedicarse por entero a la creación.

Desde el inicio, la madera ha sido el medio recurrente en sus obras. Utiliza piezas de orígenes diversos, abandonadas e impregnadas de historias desconocidas. Al reciclarlas, les otorga una nueva vida y las integra en formas nuevas.

Sus obras son expresiones mayoritariamente abstractas que buscan generar recorridos visuales entre volúmenes, colores y texturas. Desde 2012, ha participado en diversas muestras colectivas y fue distinguido con el primer premio en el concurso por los 100 años del Sindicato Médico del Uruguay por su obra “1920”.

Actualmente, su taller se encuentra en el Bosque de Portezuelo, Punta del Este; un entorno rodeado de naturaleza que inspira y alimenta su proceso creativo.

Sobre su obra:

Construye con objetos de madera en desuso, piezas que encuentra y selecciona por su presencia, textura y potencial expresivo. De origen generalmente desconocido, en sus formas y desgaste hay algo que le emociona e invita a la transformación. En su taller, esas maderas comienzan un nuevo recorrido; las interviene con cortes particularmente imperfectos y aplicaciones de color que no buscan cubrir, sino dialogar con lo que ya traen impreso.

Sobre su proceso creativo, la imperfección es parte del lenguaje, y el color, una herramienta para revelar lo oculto o resaltar lo propio de cada fragmento. A estas intervenciones se suman el collage con papeles y cartones, que aportan capas, ritmos y texturas adicionales, y en ocasiones el uso de alambres, que conectan, tensan o irrumpen en el espacio, ampliando el universo matérico y expresivo de cada obra.

Para él crear con maderas es reencontrarse con el juego, con la intuición y con la posibilidad de dar nueva vida a lo descartado. Es un acto de atención y presencia, donde lo olvidado se convierte en forma y expresión. Cada obra propone un recorrido visual entre planos, volúmenes y texturas, generando una experiencia abstracta pero cercana.

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Con una puesta de gran despliegue visual y técnico, el Ballet Nacional del Sodre abrió su temporada 2026 con El Corsario, uno de los grandes clásicos del repertorio romántico, en versión coreográfica de Ann-Marie Holmes.

La producción, presentada en el Auditorio Nacional Adela Reta, apuesta por el espectáculo total: mares embravecidos, palacios orientales y un universo de piratas sirven de marco para una historia atravesada por la aventura, la pasión y el virtuosismo técnico. La escenografía y el vestuario, confeccionados íntegramente en los talleres del Sodre, acompañan una propuesta ambiciosa que reúne a más de un centenar de artistas y técnicos en escena.

La obra cuenta además con la participación en vivo de la Orquesta Sinfónica Nacional del Sodre, un elemento que potencia el carácter épico y cinematográfico de esta versión.

Bajo la dirección artística de María Noel Riccetto, el elenco despliega una interpretación de gran energía física y precisión académica, con especial lucimiento de los primeros bailarines de la compañía.

Las funciones van hasta el 24 de mayo, a las 20:00 horas, en la sala principal del Auditorio Adela Reta.

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En tiempos donde cualquier teoría encuentra comunidad, algoritmos y confirmación instantánea, el terraplanismo funciona menos como una extravagancia y más como un síntoma. Santiago Sanguinetti toma ese síntoma y lo transforma en Terraplanistas, un musical político que mezcla humor, absurdo y crítica social en la sala Campodónico de Teatro El Galpón.

En la charla con Santiago Sanguinetti, autor y director y y Pierino Zorzini uno de los protagonistas de la obra, aparece una idea central: el espectáculo no busca ridiculizar a quienes creen en teorías conspirativas, sino entender qué vacíos sociales, afectivos y políticos hacen posible esos discursos.

“La intención no es burlarnos de alguien que cree esto, sino intentar entender las razones sociales, económicas y políticas que llevan a buscar pertenencia en grupos así”, dice Sanguinetti.

En escena, terraplanistas y científicos quedan expuestos desde sus contradicciones, sus egos y sus fragilidades, en una obra donde nadie tiene completamente la razón y donde el humor funciona como vehículo para hablar de polarización, soledad y fanatismo contemporáneo.

Con música en vivo, actuaciones físicas intensas y una estructura que combina comedia, musical y sátira política, Terraplanistas se convirtió además en una de las sorpresas de la temporada teatral. “Las obras se terminan de hacer con el público”, afirma Zorzini, que destaca la energía colectiva que se genera función a función.

Funciones loa sábados a las 21:00 y los domingos 19:30 horas. Entradas por RedTickets y en boletería del teatro.

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“Quiero vivir en estado de poesía”. Con esa frase como punto de partida, Lucas Cary presentó El Mundo, el primer adelanto de su próximo disco y una canción que abre una nueva etapa en su carrera.

Conversamos con el músico y compositor uruguayo sobre las búsquedas personales detrás del tema, el desafío de seguir creando en tiempos de incertidumbre y la necesidad de encontrar una voz propia dentro de la música.

A dos años de Cuando estabas cerca, Lucas repasa el crecimiento artístico que atravesó entre shows, colaboraciones y escenarios compartidos con artistas como Chico César o El Plan de la Mariposa. También reflexiona sobre la humildad en la música, las relaciones y el impacto que tienen esos encuentros en su forma de escribir canciones. “Lo importante que son los vínculos humanos”, resume al recordar esas experiencias.

Lucas también se detiene en las presiones de las redes sociales, el algoritmo y las dificultades de sostener una carrera artística independiente. “Quiero seguir haciendo música real, humana”, dice. Y quizás ahí esté el corazón de El Mundo: una canción sobre avanzar, incluso cuando todavía no están claras todas las respuestas.

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En el marco del Mes de la Memoria y a 50 años del golpe de Estado en Argentina, la directora y dramaturga Marianella Morena presenta Irrumpe Zelmar, una intervención performática que recorrerá distintos puntos de Montevideo entre el 15 y el 19 de mayo.

La obra toma como eje la figura de Zelmar Michelini, asesinado en Buenos Aires en 1976, y propone un Acercamiento contemporáneo a su pensamiento, su Dimensión humana y su legado político. Lejos del homenaje solemne o museístico, Morena busca “poner la memoria en pulso con la ciudadanía actual”, irrumpiendo en la vida cotidiana de la ciudad con actuaciones sorpresivas al mediodía, en pleno movimiento urbano.

Con las actuaciones de María Mendive y Mané Pérez, la participación musical en vivo de Martín Buscaglia y un coro de diez jóvenes actrices, "Irrumpe Zelmar" construye una experiencia colectiva donde la voz de Zelmar “vuelve” a través de otros cuerpos y generaciones.

La propuesta combina fragmentos de discursos, correspondencia personal, especialmente cartas a su hija Eli, textos intervenidos por la propia Morena y referencias musicales como Los Orientales de Los Olimareños.

El resultado es una conversación escénica entre tiempos distintos, atravesada por ideas de solidaridad, pacifismo, derechos humanos y la necesidad de sostener la capacidad de soñar políticamente.

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