El guitarrista miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll y ganador de varios premios Grammy, Carlos Santana, ha anunciado que su álbum «Sentient», ya está disponible. Ha sido lanzado con el sello discográfico de Candid Records.

El nuevo disco se compone de 11 temas, tres de ellos inéditos, recopilados por el virtuoso guitarrista, remasterizados y secuenciados de forma que permiten el surgimiento de una historia nueva. Santana se mostró sorprendido, encantado y receptivo. «Siempre me impulsa la pasión, la emoción y el instinto», afirma. «Cuando escuché por primera vez estos temas dando vueltas por la casa, pensé: ‘¿Por qué no los ponemos todos juntos?’».

En las canciones hay colaboraciones con Michael Jackson, Smokey Robinson, Miles Davis, Paolo Rustichelli, Darryl “DMC” McDaniels y Cindy Blackman Santana , pero sin importar el ambiente o el género, ya sea pop o jazz de alta intensidad, todo forma parte de un hilo conductor. Según palabras de Santana: "Desde Stravinsky hasta James Brown, todo es la misma canción, lo que significa que está conectada al cordón umbilical de la humanidad y el planeta Tierra".

Los temas inéditos incluyen una versión instrumental en vivo de la balada de Michael Jackson, «Stranger in Moscow», grabada en 2007 con la banda del productor y baterista Narada Michael Walden. Es una interpretación magistral demoledora: la guitarra de Santana es a ratos conmovedora y poética, deslumbrante y deslumbrante, y siempre de una imaginación deslumbrante.

Y «Please Don’t Take Your Love», una pieza celestial de seducción funky y conmovedora que une a Santana con el incomparable Smokey Robinson. En la versión original, incluida en el álbum de Robinson de 2009, Time Flies When You’re Having Fun, Santana contrastó el vibrante vibrato de Robinson con un solo desgarrador y conmovedor. La versión alternativa de «Sentient» no es menos emotiva, pero, como señala Santana, presume de una interpretación de guitarra inédita.

Con el lanzamiento del álbum hoy, los fans podrán escuchar «Coherence» por primera vez. Es un adelanto del próximo álbum de Cindy Blackman Santana.

“Get On”, una obra maestra de jazz-groove del aclamado álbum Mystic Man de 1996 del reconocido compositor Paolo Rustichelli, que presenta la extraordinaria colaboración de Santana con el icónico Miles Davis, fue el número 2 más agregado en Smooth Jazz Radio.

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Santana fue pionero en fusionar ritmos latinos con el género rock en la banda homónima que fundó en 1966 y, desde entonces, su figura y su música han obtenido todos los reconocimientos posibles, figurando, entre otros, en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia, elaborada por la revista Rolling Stones.

El guitarrista presentó el video de una nueva versión grabada del clásico "Oye cómo va" para la organización benéfica Playing for Change.

Playing for Change es una entidad benéfica que produce este tipo de material para recaudar fondos para la construcción de instituciones educativas y sanitarias en todo el mundo.

En esta versión participa Rubén Rada, junto a sus hijos Matías y Julieta. La intervención del artista uruguayo y su familia se suma a la de otra veintena de colegas de todo el mundo, entre los que aparecen Becky G y la destacada baterista Cindy Blackman, esposa del guitarrista mexicano-estadounidense.

En la reinterpretación de Santana del tema compuesto por Tito Puente al que convirtió en un clásico de su propio repertorio, Rada padre toca los tambores y canta desde la rambla montevideana, con sus hijos acompañando en coros.

Además, otra de las novedades de este 2022 es que el guitarrista protagonizará un documental de larga duración basado en su carrera y que contará con temas inéditos.

"La intención es tocar el corazón de las personas e inspirarlas a reconectar con su propia luz para que puedan atraer bendiciones y milagros", destacó Santana.

El documental, producido por Sony Music e Imagine Documentaries, repasará la trayectoria de Santana (Jalisco, México, 1947) desde sus inicios como músico callejero con 14 años hasta alcanzar el reconocimiento mundial con 10 premios Grammy y 3 Grammy Latinos.

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Guitarrista y compositor mexicano, con más de 50 años de trayectoria.

Se lo recuerda desde el escenario del festival de Woodstock. Treinta años después vendió  millones de copias de “Supernatural”, un disco que le dio el récord de nueve Grammys para un solo proyecto, incluyendo Álbum del Año y Tema del Año. En el camino se destacan también otros temas como “Black Magic Woman” o “Europa” y un disco impresionante “Abraxas”.

Es considerado como uno de los mejores guitarristas de música pop-rock de la historia, ha sido aclamado por su forma de traspasar los géneros musicales y las fronteras generacionales, culturales y geográficas. .

Ahora a sus 74 años lanzó “Blessings and miracles”. Con la participación como invitados de íconos como Chick Corea y Steve Winwood, rockeros como Kirk Hammett de Metallica y Corey Glover de Living Colour, y celebraciones con Rob Thomas, Chris Stapleton, G-Eazy, American Authors y Ally Brooke, entre otros.

Creado durante el período de dos años, sirviendo como productor y colaborando con creadores de discos y escritores como Diane Warren, Narada Michael Walden, Chris Stapleton, Peter Stengaard y Gregg Wattenberg.

Una selección de 15 pistas que cuenta con “Move” entre los avances, canción en la que vuelve a colaborar Rob Thomas, vocalista de Matchbox 20, tras el éxito de "Smooth".

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Libby Fabro/Santana.com. Ampliar (+)

Por Eduardo Rivero ///

Carlos Alberto Martins, un gran comunicador radial radicado en España desde hace décadas, coordinó la edición a fines de los años 60 de una serie de discos llamada Subterráneo dedicados a bandas alternativas, entonces desconocidas por aquí. En esos vinilos, editados por Sondor, pudimos escuchar por primera vez a nombres como Fleetwood Mac, Spirit, Blood, Sweat & Tears, Chicago y un grupo llamado simplemente Santana.

Allí aparecía un rarísimo y casi inquietante instrumental de Santana llamado Jingo, donde sobre una percusión netamente latina, asomaba una increíble guitarra, aguda y con un fraseo caliente y bien personal. Así algunos tuvimos un adelanto de lo que luego revelaría el notable filme Woodstock: el electrizante instrumental Soul Sacrifice a cargo de la banda de Carlos Santana, grupo que se haría célebre en todo el mundo a través de esa película y del álbum triple con su banda de sonido.

Santana demostró que el rock y las congas propias de la música tropical podían convivir perfectamente y que, por lo tanto, desde una mirada bien uruguaya, el candombe con tamboriles o tumbadoras ya no era “berreta” como muchos creíamos. En realidad tal cosa ya había sido demostrada aún antes por Eduardo Mateo y su banda El Kinto, que supo unir rock y congas cuando nadie sabía nada de un masivo festival llamado Woodstock. Santana fue una auténtica revolución, como también lo fue El Kinto.

¿Quien era el tal Santana? Era un mexicano nacido en Autlán, México, el 20 de julio de 1947, que formó su banda en 1967 y empezó a recorrer los escenarios de la costa oeste norteamericana, entonces en plena movida de fantásticas bandas como The Doors, Grateful Dead, Jefferson Airplane y Country Joe & The Fish. Su sorprendente rock latino comenzó a hacerse un lugar de privilegio en esa escena claiforniana y entonces Carlos dejó su nada rentable trabajo de lavacopas en un bar para camioneros llamado Tick Tock’s Drive-In.

Entre mayo y junio de 1969, Santana comenzó a grabar su primer disco, acompañado por la misma banda que se haría inmortal en Woodstock: primera guitarra a su cargo, percusión a cargo del nicaragüense José Chepito Areas y Mike Carabello, el bajo de David Brown, teclados y voz de Gregg Rollie y la batería del entonces adolescente y fantástico Mike Shrieve. Ese primer disco explotó en ventas tras el fenómeno de Woodstock. Tenía una tapa inolvidable: una bailarina negra que se convertía a través de un sorprendente efecto visual en la cabeza de un león.

Y entre sus tracks estaban los furiosos instrumentales Jingo, Savor, Waiting, Treat y, por supuesto, Soul Sacrifice. También estupendos temas cantados en general por Gregg Rollie como Shades of Time, y especialmente Evil Ways que fue un gran éxito como disco simple, llegando al top ten.

Con la misma banda Santana grabaría los dos clásicos álbumes siguientes, Abraxas de 1970 y Santana III en 1971. Abraxas fue una cima de popularidad para la banda con su notable versión del clásico de Fleetwood Mac Black Magic Woman, el delicioso tema salsero de Tito Puente Oye como va y el archidifundido instrumental de corte casi bolerístico Samba Pa Ti. Santana III también fue un señalado éxito con temas como los instrumentales Batuka y Jungle Strut y temas cantados como No One to Depend On, Guajira y la rockera Everybody’s Everything.

Tras esos tres álbumes, la banda cambiaría muchas veces de integración y ya nada sería igual. Santana editaría discos importantes como Caravanserai, Amigos, Moonflowers, Inner Secrets y el exitosísimo Supernatural de 1999, pero aquel rock latino crudo y seductor de los comienzos nunca volvería… hasta ahora.

En 2013, la noticia de que la formación original de Santana volvería a unirse hizo para la oreja a más de un fanático. Solo faltarían el bajista David Brown y el percusionista José Chepito Areas, pero el núcleo principal, formado por la punzante guitarra de Santana, la energética batería de Mike Shrieve, las congas de Mike Carabello y el glorioso sonido del órgano Hammond B3 y la voz de Gregg Rollie nos devolverían al mejor Santana.

Portada del disco Santana IV

El disco resultante de esta reunión se ha editado en abril de este 2016 y, como no podría ser de otra forma, se llama Santana IV y es dinamita pura. Dejando de lado el exceso de misticismo, ciertos delirantes coqueteos con el jazz de vanguardia y la “música de supermercado”, Carlos Santana vuelve a tocar la guitarra como al principio y acompañado por casi los mismos músicos con los que se presentó en Woodstock. Se han sumado el guitarrista Neal Schon, el percusionista Karl Perazzo y el bajista Benny Rietveld.

Santana IV es -de nuevo- puro vértigo latino, puro ritmo caliente y se escucha con deleite de punta a punta. Hasta vuelve a mostrar en su tapa la imagen dual de la bailarina negra que se transforma en cabeza de león. Nadie esperaba un regreso tan fascinante. Carlos ha declarado: “Fue mágico. No tuvimos que forzar la vibra, esta llegó de inmediato y en forma intensa”.

Es genial escuchar de nuevo a Gregg Rollie cantando exactamente igual que en los tiempos de Abraxas temas como Shake It, Blues Magic, Choo Choo o Leave Me Alone, y el delicioso Anywhere You Go, que tiene un ritmo cha cha cha totalmente Oye como Va. Los instrumentales son tremendos: Yambú, una energética improvisación colectiva llamada Fillmore East, Hechizo que tiene un planteo rítmico idéntico al de Soul Sacrifice y el toque romántico del nuevo Samba Pa Ti llamado Sueños.

Como si todo eso no bastara, hay dos temas en los que canta como invitado -y como los dioses- el legendario Ronald Isley, del grupo vocal Isley Brothers (los que grabaron la versión original de Twist and Shout). Arropado por sus viejos compinches, Santana vuelve a ser Santana y quienes seguimos su carrera desde Woodstock -o antes aún- estamos locos de la vida. Santana IV se recomienda desde todo punto de vista: es música por lo alto, y es el mejor Santana piloteando un auténtico milagro musical.

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Video: santanaofficial

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Foto: Carlos Santana tocando en House of Blues Las Vegas, Mandalay Bay Resort & Casino, 30 de enero de 2016. Crédito: Libby Fabro/Santana.com

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Urquiza esq. Abbey Road versión audio, octava entrega: El lugar es Marindia; la época, la década de 1970. En las temporadas de verano, Eduardo Rivero era el disc jockey del club del balneario y así lo recuerda en esta columna.

Por Eduardo Rivero ///

Me crié en un barrio con almacenero gallego y placita de deportes a una cuadra. Con el mismo amor y orgullo con que otros recuerdan su prestigioso colegio, yo evoco mi escuela y sus varelianas túnica y moña. Vale decir: Soy hijo de la clase media uruguaya. Mi viejo fue un odontólogo que eligió ejercer en el Cerrito de la Victoria en vez de optar por los barrios que hicieron ricos a sus colegas. Y tuvo, como buen pequeño burgués de los años 50 y 60, el uruguayísimo sueño de la casita en el balneario.

En ancas de su sueño, pude ser niño, adolescente y joven en Marindia, un precioso y modesto balneario de la Costa de Oro a 40 kilómetros de Montevideo, que se abre como un balcón al mar desde la altura de una meseta cubierta de pinos. No hay circunstancia más afortunada en mi vida que el haber crecido allí, en ese sitio de calles aún hoy de tosca, con chalets de frentes revestidos en piedra laja, ventanas con rejas de hierro en rombos y sus nombres pueriles que me siguen llenando de ternura: “Mi refugio”, “Tú y yo”, “El escondite” o siglas hechas a partir del nombre de los hijos de los propietarios, como “Jor-Car” o “Ali-Mar”.

Un balneario sin lujos, sin infraestructura de servicios, sin turistas extranjeros, donde conocí a los cuatro o cinco años a los amigos que aún hoy siguen siendo mis amigos más queridos y donde ocurrieron todos mis debuts posibles: allí canté en público por primera vez, allí di mi primer beso, allí… sí, también. Sobre todo, en Marindia descubrí mi conexión inmensa e imperecedera con la música. Hasta hoy, el incomparable Rubber Soul de The Beatles es Marindia en el verano del 66.

Debo decir que la Marindia de mi niñez y mi adolescencia llega, claro, desde el recuerdo de calientes veranos con playa e interminables partidos de volley bajo un sol calcinante, y asimismo de noches calurosas con mágicas caminatas ya entrada la madrugada bajo la bóveda de estrellas más asombrosa del planeta. Pero por alguna misteriosa razón, la Marindia que mi memoria prefiere es aquella deliciosa y recubierta por una cierta pátina de melancolía de fines de temporada, cuando el sol oblicuo de marzo o abril obligaba al primer pulóver, las casas iban quedando vacías e incluso abundaban los días de lluvia que me invitaban a leer, junto a la melodía incomparable de las gotas pegando contra el ventanal del living, los libros de la colección Robin Hood: Sandokán de Emilio Salgari, Las aventuras de Tom Sawyer de Mark Twain o 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne.

Esos recuerdos se proyectan en mi cabeza como una película. Y como buena película, tiene una banda sonora inolvidable: los discos que cuando adolescente me encargué de seleccionar para los bailes en el Club de Pesca, mi primer trabajo –por más fuera honorario– y el mejor de todos los que he tenido. Porque nada se compara a elegir música para una pista animada y llena de amigos.

Los tocadiscos y al amplificador estaban en un entrepiso de madera, así podía observar la pista desde lo alto. La veía poblarse, agitarse como un mar enfurecido, disfrutar, y nada de lo que vino después –trabajar junto a músicos célebres, hablar en la radio, cantar en el Solís, escribir en prestigiosos medios, enseñar o publicar libros– se compara a aquello que en realidad arrancaba de tardecita, mientras los últimos bañistas iban abandonando la playa, a poquitos pasos del club, y yo subía a aquel entrepiso, encendía el equipo y ponía música.

Invariablemente, todas las tardes arrancaba la selección con la misma canción: What the World Needs Now is Love escrita por el gran Burt Bacharach y cantada por Jackie DeShannon. En febrero de 1970, cuando se inauguró el Club de Pesca de Marindia mi inglés no era muy bueno, pero años después comprendí la belleza de la letra de esa balada hermosísima:

What the world needs now is love, sweet love
it’s the only thing that there’s just too little of
What the world needs now is love, sweet love
no not just for some but for everyone

(Lo que el mundo necesita es amor, dulce amor
es la única cosa de la que siempre hay escasez
lo que el mundo necesita es amor
y no para apenas algunos sino para todos…)

Entonces tenía 17 y todo estaba por vivir, todas las carreteras estaban por recorrerse y en aquellas tardecitas, la emoción al escuchar aquella melodía era la propia del adolescente descolocado e hípersensible que jamás volveré a ser.

Por las noches y bajo aquel entrepiso, mis amigos bailaron, como auténticos himnos del verano del 70, Venus de la banda holandesa Shocking Blue, Evil Ways del primer disco de Carlos Santana, Proud Mary de Creedence Clearwater Revival o Aquarius/Let the Sunshine In del maravilloso grupo vocal The Fifth Dimension y uno de los primeros hits de heavy rock que ya tenía un par de años pero que nos volvía locos: Born to be Wild de la banda canadiense Steppenwolf y que formó parte de la banda sonora de Busco mi destino. Y cuando llegaban las lentas –porque en esa era todavía existían las lentas en las pistas– bailaban en una baldosa baladas como Honey de Bobby Goldsboro o Make it With You de Bread.

Yo era ya “el loco de los discos”, el pibe que se guardaba la plata que me dejaba el viejo para pasar de lunes a viernes solo en Marindia y que comía pan y fiambre con tal de poder ahorrar para –al menos– un long play por semana. El loco que se iba a Montevideo a comprar de contrabando el simple inédito de Venus en un kiosko de la calle Juan María Pérez que traía discos de Buenos Aires, inconseguibles aquí, y los vendía a precio de ópera.

Si existiese una máquina del tiempo y se pudiese regresar al pasado elegiría volver a aquellos bailes y especialmente a aquellos atardeceres. Elegiría volver a sentir el alma desconcertada y a estrenar de entonces, cuando encendía el equipo de audio allá en lo alto del entrepiso, mientras los bañistas tardíos iban saliendo de la playa, empapados y felices, y al pasar junto al Club de Pesca escuchaban por gentileza de este loco por la música una letra que asegura que el amor, el dulce amor, es lo único de lo que siempre hay escasez en este mundo.

***

Emitido en En Perspectiva, programa del lunes 22.02.2016, hora 10.20. Publicado originalmente en Urquiza esq. Abbey Road, el blog musical de Eduardo Rivero en EnPerspectiva.net, el 6.1.2016.

Ediciones anteriores
Archivo del blog Urquiza esq. Abbey Road versión audio

Foto en Home: Eduardo Rivero. Crédito: Pablo Izmirlian/EnPerspectiva.net.

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Me crié en un barrio con almacenero gallego y placita de deportes a una cuadra. Con el mismo amor y orgullo con que otros recuerdan su prestigioso colegio, yo evoco mi escuela y sus varelianas túnica y moña. Vale decir: Soy hijo de la clase media uruguaya. Mi viejo fue un odontólogo que eligió ejercer en el Cerrito de la Victoria en vez de optar por los barrios que hicieron ricos a sus colegas. Y tuvo, como buen pequeño burgués de los años 50 y 60, el uruguayísimo sueño de la casita en el balneario.

En ancas de su sueño, pude ser niño, adolescente y joven en Marindia, un precioso y modesto balneario de la Costa de Oro a 40 kilómetros de Montevideo, que se abre como un balcón al mar desde la altura de una meseta cubierta de pinos. No hay circunstancia más afortunada en mi vida que el haber crecido allí, en ese sitio de calles aún hoy de tosca, con chalets de frentes revestidos en piedra laja, ventanas con rejas de hierro en rombos y sus nombres pueriles que me siguen llenando de ternura: “Mi refugio”, “Tú y yo”, “El escondite” o siglas hechas a partir del nombre de los hijos de los propietarios, como “Jor-Car” o “Ali-Mar”.

Un balneario sin lujos, sin infraestructura de servicios, sin turistas extranjeros, donde conocí a los cuatro o cinco años a los amigos que aún hoy siguen siendo mis amigos más queridos y donde ocurrieron todos mis debuts posibles: allí canté en público por primera vez, allí di mi primer beso, allí… sí, también. Sobre todo, en Marindia descubrí mi conexión inmensa e imperecedera con la música. Hasta hoy, el incomparable Rubber Soul de The Beatles es Marindia en el verano del 66.

Debo decir que la Marindia de mi niñez y mi adolescencia llega, claro, desde el recuerdo de calientes veranos con playa e interminables partidos de volley bajo un sol calcinante, y asimismo de noches calurosas con mágicas caminatas ya entrada la madrugada bajo la bóveda de estrellas más asombrosa del planeta. Pero por alguna misteriosa razón, la Marindia que mi memoria prefiere es aquella deliciosa y recubierta por una cierta pátina de melancolía de fines de temporada, cuando el sol oblicuo de marzo o abril obligaba al primer pulóver, las casas iban quedando vacías e incluso abundaban los días de lluvia que me invitaban a leer, junto a la melodía incomparable de las gotas pegando contra el ventanal del living, los libros de la colección Robin Hood: Sandokán de Emilio Salgari, Las aventuras de Tom Sawyer de Mark Twain o 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne.

Esos recuerdos se proyectan en mi cabeza como una película. Y como buena película, tiene una banda sonora inolvidable: los discos que cuando adolescente me encargué de seleccionar para los bailes en el Club de Pesca, mi primer trabajo –por más fuera honorario– y el mejor de todos los que he tenido. Porque nada se compara a elegir música para una pista animada y llena de amigos.

Los tocadiscos y al amplificador estaban en un entrepiso de madera, así podía observar la pista desde lo alto. La veía poblarse, agitarse como un mar enfurecido, disfrutar, y nada de lo que vino después –trabajar junto a músicos célebres, hablar en la radio, cantar en el Solís, escribir en prestigiosos medios, enseñar o publicar libros– se compara a aquello que en realidad arrancaba de tardecita, mientras los últimos bañistas iban abandonando la playa, a poquitos pasos del club, y yo subía a aquel entrepiso, encendía el equipo y ponía música.

Invariablemente, todas las tardes arrancaba la selección con la misma canción: What the World Needs Now is Love escrita por el gran Burt Bacharach y cantada por Jackie DeShannon. En febrero de 1970, cuando se inauguró el Club de Pesca de Marindia mi inglés no era muy bueno, pero años después comprendí la belleza de la letra de esa balada hermosísima:

What the world needs now is love, sweet love
it’s the only thing that there’s just too little of
What the world needs now is love, sweet love
no not just for some but for everyone

(Lo que el mundo necesita es amor, dulce amor
es la única cosa de la que siempre hay escasez
lo que el mundo necesita es amor
y no para apenas algunos sino para todos…)

Entonces tenía 17 y todo estaba por vivir, todas las carreteras estaban por recorrerse y en aquellas tardecitas, la emoción al escuchar aquella melodía era la propia del adolescente descolocado e hípersensible que jamás volveré a ser.

Video: #JackieDeShannon

Por las noches y bajo aquel entrepiso, mis amigos bailaron, como auténticos himnos del verano del 70, Venus de la banda holandesa Shocking Blue, Evil Ways del primer disco de Carlos Santana, Proud Mary de Creedence Clearwater Revival o Aquarius/Let the Sunshine In del maravilloso grupo vocal The Fifth Dimension y uno de los primeros hits de heavy rock que ya tenía un par de años pero que nos volvía locos: Born to be Wild de la banda canadiense Steppenwolf y que formó parte de la banda sonora de Busco mi destino. Y cuando llegaban las lentas –porque en esa era todavía existían las lentas en las pistas– bailaban en una baldosa baladas como Honey de Bobby Goldsboro o Make it With You de Bread.

Yo era ya “el loco de los discos”, el pibe que se guardaba la plata que me dejaba el viejo para pasar de lunes a viernes solo en Marindia y que comía pan y fiambre con tal de poder ahorrar para –al menos– un long play por semana. El loco que se iba a Montevideo a comprar de contrabando el simple inédito de Venus en un kiosko de la calle Juan María Pérez que traía discos de Buenos Aires, inconseguibles aquí, y los vendía a precio de ópera.

Si existiese una máquina del tiempo y se pudiese regresar al pasado elegiría volver a aquellos bailes y especialmente a aquellos atardeceres. Elegiría volver a sentir el alma desconcertada y a estrenar de entonces, cuando encendía el equipo de audio allá en lo alto del entrepiso, mientras los bañistas tardíos iban saliendo de la playa, empapados y felices, y al pasar junto al Club de Pesca escuchaban por gentileza de este loco por la música una letra que asegura que el amor, el dulce amor, es lo único de lo que siempre hay escasez en este mundo.

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Urquiza esq. Abbey Road es el blog musical de Eduardo Rivero en EnPerspectiva.net. Actualiza los miércoles.

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