Foto: Página Oficial del Centro Cultural de Música

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FOTO: Radiomundo | La Escena Vocal

El Festival Internacional "La Escena Vocal" celebra su 10° edición. Del 4 al 8 de agosto la Sala Verdi se convierte en el punto de encuentro de artistas nacionales e internacionales que se presentarán ante público montevideano.

En este 2023, el programa lo integran grandes voces y pianistas de Argentina, España, Estados Unidos, México, Sudáfrica y Uruguay. Entradas en venta, a través de Tickantel.

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Foto: Joshua Bell / Centro Cultural de Música. María Julia Caamaño / En Perspectiva

Llegarán a Montevideo el próximo lunes. Son super-estrellas a nivel mundial. Como los goleadores más famosos del fútbol europeo. Como las grandes bandas del rock. Tienen sus agendas definidas con años de aniticipación. Su público los ovaciona de pie.

Este lunes en la sala mayor del auditorio del Sodre se presentará Joshua Bell, uno de los mejores violinistas del circuito internacional, que ha recibido decenas de galardones, entre ellos el Grammy. Y lo hará junto a The Academy of St Martin in The Fields, una orquesta basada en Londres con más de seis décadas de historia, especialmente destacada como conjunto de cámara pero que maneja una integración flexible según el reportorio que interpreta.

Será un gran acontecimiento cultural. Y dejando a un lado la agenda política, económica y social, profundizamos en la jerarquía de este concierto notable que tendremos la semana que viene entre nosotros… y también felicitamos a quien lo hace posible, el Centro Cultural de Música, una institución sin fines de lucro que en este 2022 celebra sus 80 años.

Conversamos En Perspectiva con María Julia Caamaño, docente, periodista y gestora cultural, directora del Centro Cultural de Música. Nos acompañó además, Fernando Medina, librero, conductor de Oír con los Ojos y aficionado a la música clásica.

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Foto: Teatro Solís. Santiago Mazzarovich/adhocFotos

El Centro Cultural de Música celebra sus ochenta años con una temporada de ocho conciertos. Rosario aprovechó para conversar con la presidenta de la institución, Maria Julia Caamaño.

María Julia Caamaño ha sido siempre música: desde el canto, pero también desde la docencia, el periodismo y la gestión cultural. Estudió en la Manhattan School of Music de Nueva York, de donde egresó con un máster de Música con especialización en canto; además egresó del Instituto de Profesores “Artigas” en Cultura Musical y del Conservatorio “Vicente Pablo”, en piano.

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Será el año número 78 de actividad para el Centro Cultural de Música, que año a año trae a Montevideo a los más sobresalientes intérpretes y agrupaciones del mundo de la música clásica. En 2020, la legendaria pianista argentina Martha Argerich, que tocará en julio, en el Auditorio Nacional del Sodre el Concierto para piano en sol de Maurice Ravel; el Mesías de Handel, en octubre, también en el Auditorio, por Concerto Köln y el Coro de la Radio de Berlín y la presencia de la superestrella del violín Joshua Bell, en noviembre en el Teatros Solís, para tocar un favorito del público como el Concierto en re mayor op. 35 de Piotr Illich Tchaikovsky, aparecen como algunas de las propuestas más destacadas.

Detalles de la Temporada 2020 del Centro Cultural de Música

Foto: Martha Argerich. Centro Cultural de Música.

Oír con los ojos
T03P34
Emisión: 06.12.2019

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La cita es a las 20 hs. y el programa del concierto incluye obras de Benjamin Britten y Gustav Mahler. Oír con los ojos anticipó este evento con comentarios, música y la palabra de la presidenta del Centro Cultural de Música, María Julia Caamaño.

Detalles del concierto: Aquí.
Notas de programa por Guilherme de Alencar Pinto: Aquí.

Sobre Gustav Mahler
por Fernando Medina, conductor de Oír con los ojos

Nació en Bohemia, Austria, en 1860. Su padre, Bernard, un tabernero y un boticario era, al parecer, un hombre muy violento, que sin embargo sabía qué cosa era el arte y no solo no se opuso a que el pequeño Gustav aprendiera música sino que lo ayudó lo mejor que pudo en su formación. A los biógrafos de Mahler les gusta señalar que la violencia de su casa y la música azarosa de la calle (era muy común que cuando su padre estaba muy mal o muy violento Mahler escapara a la calle); la música de las bandas militares o de las procesiones fúnebres, formaron una huella indeleble en el corazón y en la memoria de Gustav Mahler.

Se convirtió en un gran director de orquesta. El mejor del mundo, en su día, llegando a ser director de la Ópera de Viena y de la naciente Filarmónica de Nueva York, por ejemplo. Pero su gran ambición era, claro, componer. Fuera de sus viajes y sus estadías prolongadas por trabajo, en Praga, en Hamburgo, en Nueva York, tuvo tres casas, que fueron auténticamente sus casas, en Steinbach y en Maiernigg, en Austria, y en Toblach, en el límite entre Austria e Italia. En cada una de esas tres estancias se mandó construir unas casetas mínimas, bien apartadas; alguna, como la Toblach, donde compuso la novena, con vista a un lago. ¿Para qué? Para componer. Para estar solo y componer. En esas casetas tenía siempre unos pocos libros -de Kant y de Schopenhauer, de Goethe y de Dostoievsky-; unas pocas partituras -de Bach, casi todas- y un piano. Su capacidad y su tenacidad para el trabajo eran notables. Durante el año dirigía los teatros más importantes del mundo, soportando siempre una enorme presión artística y social -Mahler, se sabe, era judío; esto le trajo muchísimas dificultades a lo largo de su vida, en Austria sobre todo- y durante el verano componía sus inmensas sinfonías y canciones.

Empujado por el pesimismo de Schopenhauer, primero y por la poesía china después, Mahler llevó la sinfonía a su último extremo, a los límites mismos de la armonía tradicional y a los abismos del sonido y de la emoción a los que ningún otro músico se había asomado, anticipando o provocando mucho de lo que sucedería en materia musical a lo largo del siglo XX.

Las tres primeras sinfonías de Mahler están hechas con canciones, con voces, con literatura. La cuarta es el paraíso de las tres primeras y es el puente hacia las tres que siguen. La quinta, la sexta, que es la tragedia sin resurrección y la séptima, extraña y fugitiva música nocturna, son puramente instrumentales y presentan la madurez del compositor. La octava quiere ser una afirmación espiritual como nunca se había escuchado. Ocho solistas, un coro inmenso, una orquesta monumental, el final del Fausto de Goethe. Quiere ser la salvación a través del conocimiento y el ascenso a los cielos. Pero serviría sobre todo de puente, una vez más, hacia lo que venía. Las últimas tres obras que son, ahora sí, la despedida nada saben de afirmaciones, de certezas, de felicidad.

Mahler vuelve, como Schopenhauer, la mirada hacia Oriente. La Canción de la Tierra, sinfonía sin numerar para tenor, contralto y orquesta, está toda hecha de poesía china, de Li Bai, de vino melodioso, de nieves del tiempo. Es un un canto bebible de indescriptible belleza que se apaga muy lentamente, como si se resistiera a la despedida. Pero el adiós era inminente. En 1907 le detectaron a Mahler una afección cardíaca incurable. Los médicos le dijeron sin miramientos que le quedaba muy poco tiempo de vida. Murió en Viena en mayo de 1911. Tenía 50 años. En esos últimos años pudo terminar la novena, acaso su obra maestra, pero nunca la pudo escuchar. En principio, porque Beethoven y Bruckner murieron después de componer su novena sinfonía, Mahler no había querido superar ese número y por esa razón no había numerado La canción de la Tierra, que también es una sinfonía. Sin embargo, dejó esbozados los cinco movimientos de una décima. Murió poco después de concluir el Adagio inicial.

En cuanto a la quinta sinfonía, la obra que se va a escuchar en el Auditorio Nacional del Sodre interpretada por Simon Rattle y la London Symphony Orchestra, data de 1904 (aunque Mahler la revisó muchas veces hasta poco antes de morir) y se la puede comparar con la Comedia dantesca. Consta de tres grandes partes en cinco movimientos. Primero la Trauermarsch, la marcha fúnebre y el Stürmisch bewegt, el movimiento “agitado y tormentoso”, que son el Infierno de la sinfonía, lento y oscuro y luego trepidante, doloroso y que presenta algo todavía peor hacia el final: un falso final feliz, un asomo de luz en lo alto que descorazonadoramente se desploma enterrando toda ilusión, cuando de un modo fantasmal la música vuelve al llamado de la marcha fúnebre. La segunda parte está compuesta por uno de los scherzos más extensos y audaces que se pueden escuchar. Es una enorme arquitectura de valses y ländlers, hecha con pasajes camerísticos elegantes y con potentes complejos orquestales, entre alegre y devastadora y que sirve de puente hacia la parte final, luminosa, el paraíso de esta música.

El famoso Adagietto (utilizado como banda sonora por Luchino Visconti en su película de 1971 Muerte en Venecia) que Mahler escribió a manera de carta de amor para su mujer, Alma Mahler y el Rondo-Finale se siguen sin interrupción y representan (acaso, pues lo caricaturesco, lo irónico no dejan de asomar) la última afirmación espiritual plena de Mahler, que ya no compondría más finales "feel good" para sus sinfonías. Compuso, sí, la celestial y goethiana conclusión de la octava (1907), pero por la trascendencia de su mensaje y por su ambigüedad compositiva se trata de una música de otra categoría. Este Mahler del final de la quinta es todavía el Mahler de lo pedestre, lo kitsch, lo alegre, lo esperanzador, que no se volvería a escuchar.

Foto: Centro Cultural de Música. Ranald Mackechnie para la London Symphony Orchestra

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EN PERSPECTIVA
Jueves 31.03.2016, hora 10.25

Documento relacionado
Calendario de actividades de la temporada 2016 del Centro Cultural de Música

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Foto: Orquesta Sinfónica del Estado de Siberia. Crédito: Centro Cultural de Música/ccmusica.org.uy

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