En este programa: Tomamos Un mate con la cantante Eli-U Pena, que desde 2004 ha digitalizado y difundido la obra de su padre, Gustavo "El Príncipe" Pena. En la columna de Cempre (Compromiso Empresarial para el Reciclaje) Federico Baráibar habló del impacto que generó que China cierre sus fronteras a recibir residuos con destino a reciclaje.

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Imaginando Buenas – Gustavo Pena, Príncipe, sitio web oficial

La Canoa
T02P19
Emisión: 29.04.2019

La Canoa es un programa periodístico cultural creado por el equipo de Música de la Tierra que se propone hablar de identidad, paisajes, desarrollo sostenible, cultura, arte, gastronomía, turismo y patrimonio.

Conducen: Diego Barnabé y Pablo "Pinocho" Routin. Lunes a viernes de 14 a 16 hs en Radiomundo 1170 AM y en todo el mundo a través de radiomundo.uy y en la app Radiomundo para dispositivos móviles.

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La Canoa: Archivo de programas anteriores

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Dirige Ferradás, con guitarras, pianos y la voz principal, Santiago Peralta en guitarras, Nico Román en bajo y Ariel Iglesias en batería.

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Aparecen los testimonios de: Rada, Dino, Mateo, Jaime Roos, Federico García Vigil, los hermanos Fattoruso, Urbano Moraes, Chichito Cabral, Juan Des Crescenzio, Daniel "Lobito" Lagarde, Diane Denoir y Manolo Guardia.

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Por Eduardo Rivero ///

Pedro Restuccia lleva un apellido identificado con la música, sí, pero también con el teatro y el deporte. Su abuelo fue don Miguel Restuccia, auténtico prócer del Club Nacional de Football, de quien fue presidente entre 1968 y 1979 -el presidente que más años ejerció ese cargo en forma continua en la historia del club-, un período en el cual Nacional logró ganar su primera Copa Libertadores y su primera Intercontinental; también durante su presidencia el club fue campeón uruguayo en 1969, 1970, 1971 y 1972.

Dos hijos de don Miguel Restuccia se han destacado en el campo del arte: Alberto como actor y autor de teatro y Luis como técnico de grabaciones.

Alberto Restuccia nació en 1942 y es autor de más de 100 piezas de teatro, además de destacado intérprete y fundador del grupo independiente Teatro Uno. Dos piezas suyas de carácter unipersonal han quedado en la historia teatral uruguaya: Esto es cultura, animal estrenada en 1979 y que ha tenido numerosas reposiciones y Esto es locura, anormal, estrenada en 1987. Alberto ha sido también conductor radial, y entre otros fue responsable junto a su hermano Luis del recordado y excelente Eco Contemporáneo entre 1972 y 1973.

Luis Restuccia, nacido en 1954 es uno de los más talentosos y prolíficos técnicos de grabación uruguayos, responsable, entre muchos otros, del sonido de discos de la talla de Sur, 7 y 3, La Margarita y Concierto Aniversario de Jaime Roos, Ciudad de la Plata de Fernando Cabrera, Trigo y Plata de Jorge Galemire, Vals prismático de Estela Magnone, Zanguango de Leo Maslíah, Cruzar el río de Dino, Interior de Laura Canoura y Miscelánea Negra de Rubén Rada.

Desde 1994 llevó adelante su propia sala de grabaciones, el reconocido Estudio del Cordón. Su talento como ingeniero de sonido no se limitó al trabajo en estudio sino que también se ha destacado en el audio para recitales en vivo y desde marzo de 2013 es responsable del audio de la Sala Zitarrosa.

Pedro, nacido en 1985, es hijo de Luis Restuccia y desde hace años muestra una interesante labor como cantautor, habiendo editado ya los discos Capicúa (2008), Jardín interior (2009), Canciones hogareñas (2011) y el disco doble Cajita de música (2013).

De niño su padre Luis le hizo escuchar de todo un poco, pero con especial énfasis en The Beatles, Jaime Roos, Eduardo Mateo y Luis Alberto Spinetta. Su primer instrumento fue una batería, pero hoy toca guitarra, canta y compone prácticamente todo su material. En sus presentaciones en vivo, que han tenido lugar en los más diversos puntos de Uruguay, pero también en Buenos Aires y Porto Alegre, suele acompañarse de una banda integrada por Antonino Restuccia en contrabajo, Francisco Etchenique en batería y José Redondo en piano y teclados.

A lo largo de su carrera ha compartido escenarios con músicos de la talla de Juan Pablo Chapital, Jorge Galemire, Jorge Alastra, Eli-U Pena, Franny Glass, Mario Villagrán, Walter Bordoni y Fede Graña y Los Prolijos entre muchos otros.

A fines de 2017 Pedro Restuccia editó el excelente Turista, un disco de extremo refinamiento y amplio eclecticismo, ya que encontramos rock, pop, elementos de jazz, candombe y zamba argentina entre otras vertientes.

Rodeado de sus músicos de siempre y de invitados muy importantes como Hugo Fattoruso en teclados, Jeremías di Pólito en guitarra, Edu “Pitufo” Lombardo en percusión, Mario Vuillagrán en voz, Hernán Peyrou en teclados, Nicolás Ibarburu en guitarra, Fernando Núñez en tamboriles, Juan Pablo Chapital en guitarra, Jorge Alastra en coros, Eli-U Pena en voz y Alberto “Mandrake “ Wolf en voz, Restuccia presenta un repertorio propio de preciosas canciones estupendamente arreglado y producido, grabado en forma impecable -como era de esperarse al estar su padre Luis involucrado- y cantado con su voz de tesitura aguda que tiene una mezcla del brasileño Djavan y el argentino Luis Alberto Spinetta. Las letras, dicho sea de paso, también son más que interesantes.

Este es uno de esos discos donde se vuelve una tarea titánica destacar algunos temas por sobre los otros, ya que todo el disco es igualmente disfrutable.

De todas formas no puedo dejar de mencionar la preciosa Lentecitos que abre el CD con un estupendo arreglo de vientos y un notable solo de guitarra a cargo de Jeremías di Pólito, los temas de neta raíz pop Fuera de mi cabeza y De locura y amor, los candombes Manual para cantar y especialmente el notable Pobre Serafín y el tema con ritmo de zamba argentina Humo del porvenir. Renglón aparte merece Arlequín dedicado a la memoria de Luis Alberto Spinetta.

Este es, además, uno de esos discos cuya excelencia del punto de vista del diseño gráfico lo convierte en un objeto de arte mucho más allá del simple soporte para la música. El diseño tipo “álbum”, a cargo de Manuel Rodríguez Rico, con tapa con guarda y letras en tinta dorada, incluye un hermoso librillo interior con los textos y toda la información del personal técnico y los músicos intervinientes.

Cada tema está presentado por una suerte de pequeño editorial escrito por Guillermo Davedere. El tipo escribe con mucha onda y muchas buenas ideas y por momentos resultan textos especialmente reveladores y divertidos, aunque ocasionalmente también hay pasajes que son meras acumulaciones de palabras “que suenan lindo” subidas a caballo de ideas bastante confusas. Es, por cierto, un detalle absolutamente menor que en nada opaca el brillo de este disco singular y que retrata a un artista joven y lleno de posibilidades.

La dinastía Restuccia sigue produciendo ciudadanos relevantes, eso queda bien claro en este Turista.

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Video: PedroRestu

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Después de la trilogía Calma, llega Simplemente, el último álbum de Ripa donde sigue homenajeando a las canciones uruguayas emblemáticas, a través de versiones de guitarra prácticamente solista.

A fines de los años 70, Ripa fue miembro fundador de Rumbo, luego integrante de Canciones para no dormir la siesta, y entre 1989 y 2005 fue socio junto al músico Gonzalo Moreira en La Mayor, empresa local de jingles publicitarios. También tocó junto a Laura Canoura, Las Tres, Jaime Roos, Mauricio Ubal o Rubén Olivera entre otros.

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El amor por la música y el amor por la capital uruguaya se cruzan en Montevideo Sonoro, proyecto que comenzó como intervención urbana, que creció a sitio web y que se materializó a fines del año pasado en formato libro. Con la firma de Daniel Machín y Gabriel Bentancor, sus páginas tapizadas de fotos recorren la ciudad. Montevideo se ve y se escucha en ellas.

La terminal de Tres Cruces de Samantha Navarro, la Aduana de Jorge Nasser, la Punta Gorda lisérgica de Algodón, la Rambla Sur de los Buitres, el Bella Italia de Mauricio Ubal, la esquina de Durazno y Convención de Jaime Roos, la calle Llupes de Fernando Cabrera, son solo algunas de las 300 canciones que guían este tour musical y urbanístico.

En Montevideo Sonoro se nombran los temas y se transcriben las letras que refieren a la ciudad, segmentados por barrios. Testimonios de los compositores –tanto de entrevistas originales como recabadas de otros medios– iluminan los procesos creativos, las inspiraciones y las influencias. También se incluyen códigos QR, que dirigen a videoclips y material audiovisual filmado por los autores del libro: por ejemplo, una performance de Alberto “Mandrake” Wolf dentro del Hollywood, el bar que inmortalizó en su disco Hay cosas que no importan.

Los códigos QR fueron la chispa inicial. Machín y Bentancor pretendían hacer una intervención urbana y colocarlos en espacios determinados, como en el propio Hollywood. Se les ocurrió la idea al escuchar Siestas de mar de fondo, de Eduardo Mateo, que describe el barrio Palermo. Luego se amplió en un proyecto colaborativo y digital: por la web se recibían sugerencias y se las iba georreferenciando en un mapa. El objetivo era divulgar “el patrimonio musical” montevideano. Todavía se puede enviar a los responsables canciones que no se hayan incluido en el proyecto.

Al extenderlo a un libro, la recopilación musical se convirtió en investigación sobre la historia de los barrios de Montevideo, con archivo fotográfico incluido. Y por su formato pequeño, Montevideo Sonoro recuerda a una guía turística cultural.

Claro que Montevideo no siempre es fotogénica en estas canciones. Es oscura en el relato de la muerte de Delmira Agustini que hace Garo Arakelian en Andes 1206. Es sórdida en Pedro de La Vela Puerca o en Colombia, de Gonzalo Brown. Es melancólica en la pluma de Fernando Cabrera. Pero es lo que tienen las ciudades vivas y en movimiento. Las ciudades que inspiran el arte.

Montevideo Sonoro. La vuelta a la ciudad en 300 canciones, de Daniel Machín y Gabriel Bentancor
Ediciones B, 2017
320 págs.

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Foto superior: Daniel Machín (izq.) y Gabriel Bentancor (der.), autores de Montevideo Sonoro. Crédito: Me gusta leer Uruguay.

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Montevideo Sonoro, sitio web oficial

Notas relacionadas
En Primera Fila: Montevideo Sonoro, 300 canciones que hablan de nuestra capital

Los ojos de Rosario: Proyecto Montevideo sonoro

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La apetecible colección completa de la discografía de Jaime Roos remasterizada sigue a paso firme en el mercado uruguayo.

Hace algunas semanas han sido lanzados cuatro nuevos ítems para que el fanático de Jaime -o quien quiera tener un panorama global de la música popular uruguaya- vaya completando una obra sencillamente monumental. Ningún otro músico uruguayo ha tenido la capacidad de generar semejante cantidad de canciones emblemáticas, que operan como espejos del ciudadano promedio y así retratan a todo un país. Jaime Roos es una mezcla providencial y única de inspiración, refinamiento, versatilidad, melodismo, poética de nivel y un nada despreciable olfato para leer al mercado.

Asimismo, Jaime ha sabido siempre elegir con sabiduría a las bandas permanentes e invitados que han jerarquizado todos sus discos, desde que en 1977 lanzara su primer álbum, Candombe del 31.

El papel de Roos como potente innovador debe destacarse como corresponde. Jaime ha potenciado inmensamente el género murguero, sacándolo del reducido ámbito de los tablados veraniegos, y ha sido uno de los más destacados cultores -sino el más destacado- del género llamado candombe beat, que fusiona el pop y el rock de raíz anglosajona con los ritmos de base afro-uruguaya y del que fueron pioneros nombres como Eduardo Mateo y Ruben Rada.

La colección permitirá tener toda su obra editada hasta la fecha más un par de compilados especialmente confeccionados para este lanzamiento, con un sonido asombrosamente mejorado, completa información sobre cada disco, reedición del diseño gráfico original también mejorado y comentarios breves pero sustanciosos escritos por el musicólogo y periodista brasileño Guilherme de Alencar Pinto, cuyo libro Razones locas: el paso de Eduardo Mateo por la música uruguaya es ya un clásico de la investigación del periodismo musical.

La nueva serie de CD que acaba de aparecer, una vez más, es ineludible y traza un fantástico retrato del artista en los años 90: Estamos rodeados (1991), La Margarita (1994), El puente (1995) y la nueva antología, Selladas Uno, que incluye materiales grabados entre 1983 y 1992.

Para seguir a Sur (1987), Roos utilizaría en su siguiente disco una banda reducida pero excepcional, integrada por Hugo Fattoruso en teclados, Gustavo Etchenique en batería, Walter Nego Haedo en percusión y el propio Jaime en bajo y guitarras, aunque algunos “bajos” fueron hechos por Fattoruso desde su teclado. Hay, además, un montón de voces invitadas. Los músicos formaban parte de la banda La Escuelita, que acompañaba a Jaime en vivo en ese entonces y que grabaría también el recordado disco independiente Ahora si. El nuevo álbum sería Estamos rodeados, uno de sus mejores discos. Fue el primer álbum de Jaime en ser lanzado directamente en CD, a la vez que en vinilo y cassette, y el primero en salir a la venta al mismo tiempo en Uruguay y Argentina. El disco le da un rol protagónico al gran Hugo Fattoruso y sus sintetizadores. Hugo había grabado con Jaime como invitado desde 1984, pero ahora, radicado nuevamente en Uruguay, pudo trabajar menos contra reloj y desarrollar en detalle las ideas que le planteaba Jaime.

Este disco incluye algunos de los temas más célebres de Roos a lo largo de toda su trayectoria. Inicialmente la apuesta hacía la repercusión popular había sido depositada en los temas El hombre de la calle e Inexplicable, ya que de ambos se realizaron video clips, pero luego el que se convertiría en el mayor clásico del disco sería la bellísima canción murguera Colombina, que Roos utilizaría a partir de allí como tema cierre de sus shows en vivo. Es un disco con muchísimos puntos fuertes como el pop beatlemaníaco de El hombre de la calle -uno de los grandes textos de Jaime-, el soberbio bolero Inexplicable -con Laura Canoura como voz invitada en un sobresaliente aporte-, la vertiginosa No puedo llorar -típico candombe-beat-, la algo melancólica Laraira, y la majestuosa Colombina.

El siguiente item de colección es La Margarita, seguramente el disco más peculiar en toda la trayectoria de Roos. Está basado en la serie de 28 sonetos escritos por Mauricio Rosencof en prisión durante los años de la dictadura, musicalizados por Jaime dando idea de una historia narrada a lo largo del disco. Roos y Rosencof ya habían escrito juntos, ya que Jaime musicalizó la obra teatral de Mauricio El regreso del gran tuleque estrenada en 1987. Es, según reflexionó Jaime en una charla personal con quien escribe, el único disco suyo donde no hay un claro hit y del que no se hizo ningún video clip. Según Jaime, el sello editor no confiaba demasiado en la viabilidad comercial de la idea y “dejó que lo hiciera para que me sacara el gusto”. El hecho es que el disco es una auténtica obra maestra, un punto altísimo en su discografía y un álbum cargado de bellísimas canciones con letras sencillas y transparentes que cuentan una historia de barrio tierna y conmovedora.

También en este caso se utilizó una reducida banda -prácticamente los mismos músicos que habían grabado Estamos rodeados– con el agregado en un tema de la recientemente reflotada murga Curtidores de Hongos. Fue el primer disco de Jaime que no se editó en vinilo. Pese a lo augurios negativos del sello editor, La margarita fue disco de platino en apenas seis meses. Dentro de un álbum de pareja belleza, hay canciones fantásticas como Encuentro, Nocturno, Golondrinas, En la esquina y la especialmente emocionante El beso.

En 1995 Jaime editaría El puente, que no era, por cierto, un disco nuevo sino un compilado de materiales heterogéneos generados por Jaime en diversos proyectos, que van desde una rara grabación en vivo de febrero de 1991 en el Estadio Franzini del tema de The Beatles All You Need is Love, a un tema perteneciente a una fallida grabación hecha en los Estados Unidos y pasando por una improvisación en estudios junto a Eduardo Mateo y unas cuantas colaboraciones con la excepcional autora y cantante Estela Magnone. El puente no tuvo el éxito de ediciones anteriores pero fue igualmente Disco de Oro. Entre los puntos más fuertes están los temas junto a Magnone Carbon y sal, No te vayas niña mía y Olvidando el adiós, y la versión junto a La Escuelita y al siempre notable Jorge Galemire Musa Medusa.

No puede decirse en modo alguno que el compilado Selladas Uno, armado especialmente para esta colección, sea “material de relleno”. Se trata de temas que no aparecieron en los discos solista oficiales de Jaime sino en muchos casos en recopilaciones y antologías y que forman parte de su obra más exitosa. Baste decir que aquí encontramos nada menos que Brindis por Pierrot, un enorme suceso para Roos y canción emblemática de la música popular uruguaya globalmente considerada, El grito del canilla, al igual que el tema anterior cantado por Washington Canario Luna y que fue parte esencial de un recordado comercial televisivo del matutino El País, y la canción futbolera de acentos épicos Cuando juega Uruguay, que por derecho propio ha pasado a engrosar el sagrado panteón de las históricas canciones que glorifican la camiseta celeste. Pero hay más: la bella milonga Piropo, originalmente grabada por Laura Canoura, aquí en la versión de estudio de Jaime, una peculiar lectura en español del clásico de Los Shakers Never never, la exitosísima Que el letrista no se olvide y hasta el candombe Tal vez Cheché en una versión que ofrece un solo de sintetizador de Hugo Fattoruso diferente al originalmente editado en el álbum Mediocampo de 1984.

La colección avanza y, como era de esperarse, está recibiendo un gran apoyo del público. No podía ser de otro modo tratándose del más importante artista uruguayo de las últimas décadas.

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Urquiza esq. Abbey Road es el blog musical de Eduardo Rivero en EnPerspectiva.net. Actualiza los miércoles.

Video: Oncevaras

Video: Oncevaras

Viene de…
Urquiza esq. Abbey Road: Roos de colección (I)
Urquiza esq. Abbey Road: Roos de colección (II)

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EN PERSPECTIVA
Jueves 10.03.2016

Nota relacionada
Urquiza esq. Abbey Road: La primera vez que vi a Zitarrosa

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Foto en Home: Alfredo Zitarrosa. Crédito: MEC/mec.gub.uy.

La entrada <em>Homenaje a Zitarrosa</em>: Vida y obra del cantor oriental en una <em>Mesa</em> especial de <nobr>En Perspectiva</nobr> se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

Por Eduardo Rivero ///

Si alguien lo tenía todo para ser un héroe de la música uruguaya, ese era Jorge Galemire. Guitarrista magistral, compositor de melodías hermosísimas, cantante de voz cálida y expresiva, arreglador de bandas de instrumentación eléctrica incomparable en la escena nacional y también ocasional pero interesante letrista. También tenía –lo traía desde la cuna– la compañía de ciertos demonios interiores indomables y de dientes afilados, que nunca lo dejaron en paz y fueron determinantes para abonar la planta de su autodestrucción. Fueron asimismo decisivos para que en su tránsito vital tuviera siempre en una mano un globo inflado pero en la otra un alfiler.

Por razones en apariencias inexplicables, su luminoso talento nunca fue percibido más allá de una buena parte de los músicos, un puñadito de periodistas y un número dolorosamente pequeño de aficionados. Aún así es un nombre ineludible si de entender de que vino la música popular uruguaya en las últimas cuatro décadas se trata.

Participó en un número asombroso de proyectos claves como Jaime Roos solo y con Repique, Los que iban cantando, Canciones para no dormir la siesta, Aguaragua de Pájaro Canzani, Buzos Azules de Fernando Cabrera, Nosotros Tres y bandas como El Syndikato y Los Championes. Fue arreglador del disco Hoy canto de Dino y nada menos que del Sansueña de Eduardo Darnauchans –donde además tocó casi todos los instrumentos– y en España viajó y grabó con Jorge Drexler.

Tuvo una discografía solista no demasiado amplia pero sí excepcional de todo punto de vista, que ha sido escuela de nuevos músicos y disfrute de un pequeño público de “enterados”, que incluye Presentación (1981), Segundos afuera (1983) –considerado uno de los más grandes discos uruguayos de la historia–, Ferrocarriles (1987), Casa en el desierto (1991), Perfume (2004), Trigo y plata (2012) y asimismo la recopilación de audios históricos de Nosotros Tres, el show que en 1976 y 1993 compartió con Eduardo Darnauchans y con quien esto escribe.

Su talento de melodista siempre inspirado y sorprendente, sin repetir fórmulas ni atarse a receta alguna se aprecia en canciones como Tus abrazos (grabada junto a Eduardo Mateo), Palabras cruzadas, Casa en el desierto, Un son, La costurera, Puedes oirme, Trigo y plata o la increíble Reina de corazones.

Tuvo como letrista a nombres del peso de Jaime Roos, Mauricio Ubal, Eduardo Darnauchans y Fernando Cabrera. Versionaron sus temas artistas como Laura Canoura, Rubén Rada, Jaime Roos y Fernando Cabrera. Pero todo eso no alcanzó. Y los demonios interiores hicieron su obra acosándolo sin descanso, pinchando proyectos, esparciendo piedras en su camino, colocando un terco palito entre los rayos de las ruedas de su bicicleta existencial.

Galemire fue seguidor de la síntesis genial que hizo Eduardo Mateo entre la tradición afrouruguaya y el universo pop de The Beatles. Y en esa escuela llamada “candombe beat” fue uno de los artistas de mayor peso. Su mano derecha en la guitarra no tenía igual, con la sola excepción del gran Eduardo Mateo. Sus melodías, de una belleza esencial, brillan con luz propia entre los músicos de su generación, por más que el “gran público” nunca se enterase. Sus discos merecieron mejor suerte y repercusión más inmediata, de esa que abre puertas y ayuda a solidificar una carrera de músico profesional.

Nunca logró vivir de lo que hacía, de su talento impresionante, de su sensibilidad exquisita. Ni aquí ni en España, donde estuvo radicado más de una década. Los demonios interiores que siempre lo acompañaron también se subieron al avión que lo depositó en Madrid en 1991.

Me duele especialmente esto, no solo por mi condición de amante de la música popular uruguaya sino también porque a partir de un recreo en el Dámaso en 1967, cuando lo conocí, fuimos amigos íntimos y compañeros de música durante nada menos que 48 años.

Jorge había nacido en Montevideo el 11 de marzo de 1951 y murió también aquí el 6 de junio de 2015, hace apenas un año. Fue hijo único en el hogar –que conocí muy bien– de una madre adorable y permisiva y un padre severísimo, difícil y en ocasiones tiránico, que sin embargo y a su modo, apoyaba a su hijo, aunque a la vez se la hizo difícil la mayor parte del tiempo.

Se crío mitad en el acomodado barrio de Punta Carretas y mitad en el proletario barrio de Villa Española. En los años iniciales de la secundaria tocaba la armónica sin descanso hasta que un vecino de Villa Española, Oscar Nieto, le enseñó los primeros acordes en la guitarra. Lo conocí pocos meses después de esas enseñanzas –que fueron su única “educación musical”– y ya tocaba asombrosamente bien, prácticamente sin diferencias al modo en que tocaría siempre.

Tocó con medio mundo. Grabó con medio mundo. Se labró una sólida reputación de enorme músico. Las bellísimas guitarras eléctricas que se escuchan en clásicos de Jaime Roos como Durazno y Convención y Una vez más son suyas, por ejemplo.

Duró poco en la banda de Jaime. Duró poco en Los que iban cantando. Tras ser arreglador de Sansueña no volvería a ser arreglador de otro disco completo de Darnauchans. Los demonios siempre lo acosaron y lo hirieron con infalible puntería y fanático empeño. A cierta altura la semilla de la autodestrucción estaba plantada y ya nada –ni nadie– detendría su crecimiento. Ni el amor de su mujer, ni la devoción de sus amigos, ni sus tres hijos.

Jorge se convirtió en un tipo impredecible, pendular, que oscilaba entre la euforia más absoluta y el bajón más profundo. Durante casi medio siglo nos vimos casi semanalmente y nunca sabía con cual de los dos me iba a encontrar, si con el Jorge brillante, agudo, encantador y dueño de un sentido del humor arrollador, o con el otro, caótico y difícil.

Los excesos mellaron gravemente su salud. Galemire no se mató al contado, sino en cómodas cuotas, pero lo hizo en forma injusta y prematura. En abril de 2015 empezó a llegar lo peor. Una tarde, conectado a los monitores del CTI del Hospital Maciel, me hizo una seña de que me acercara, y con voz susurrante me dijo:

—Acercáte que te voy a cantar algo.
—¿Acá me vas a cantar algo? —respondí sonriendo, llorando por dentro.
—¿Y porqué no? —agregó soltando una risa inesperada— ¿Dónde dice que aquí no se puede cantar?

Me acerqué y entonces escuché su inconfundible voz, bajita pero perfectamente audible: "Se terminaron para mi todas las farras/mi cuerpo enfermo no resiste más…" Nos reímos juntos, como tantas, tantas veces. La muerte es como un enorme terreno baldío para todos los aún vivos. Un terreno al que podemos entrar, en ancas de la memoria de quienes ya se han ido, para buscarlos con ahínco y desesperación. Sabemos que allí están, sentimos se cercana presencia pero por más que caminemos para aquí y para allá no logramos verlos.

Desde hace un año paseo por ese baldío buscando al Gale sin encontrarlo, aunque percibiendo su cercanía. Y como anda por ahí cerca, la insulto por no cuidarse, por no quererse como lo quisimos tantos, por sucumbir a los demonios, por llevarse con él una parte de mi vida que ya no regresará, por las charlas que no tendremos, los discos y películas que no compartiremos, las risas que no reiremos, las nuevas canciones que no escribiremos.

Quedan sus discos. Sus inmensas canciones. Su mágica guitarra impresa para siempre en la tecnología que ya no en la vida. A disfrutar su música como Galemire merece. A revivirlo en sus discos si tal cosa es posible. Y si no lo es, a intentarlo igual.

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Foto: Jorge Galemire (Archivo). Crédito: Javier Calvelo/adhoc Fotos.

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Por Eduardo Rivero ///

Muy pocos de entre las nuevas generaciones saben quién es ese modesto profesor de bajo de barrio, chiquito, flaco y peludo, que se desplaza por una ciudad a la que ayudó a definir musicalmente junto a leyendas como Eduardo Mateo y Rubén Rada, con quienes creció y compartió proyectos musicales fundamentales de la música popular uruguaya.

Urbano Moraes. Crédito: Javier Calvelo/adhoc Fotos. Ampliar (+)

Voy a ser muy directo: Urbano Moraes es uno de los más grandes bajistas uruguayos de todos los tiempos, un bajista melódico, a lo Paul McCartney, y sobre todo uno de nuestros más asombrosos cantantes. Asombroso de verdad, con un timbre potentísimo, metálico, y una expresividad increíble que abarca todos los matices imaginables. El swing rítmico de su voz es únicamente equiparable al del gran Rubén Rada.

Hace muchos años, en una recordada entrevista, Jaime Roos –en pleno dominio de sus facultados y sin temor al ridículo– dijo sencillamente: “Urbano es el mejor cantante del mundo”. Es que Jaime integra la generación de quienes crecimos adorando a Mateo, Rada y toda la barra de El Kinto, donde Urbano fue un componente esencial.

Urbano Moraes nació en Montevideo 27 de febrero de 1949. Cuenta la leyenda que aún adolescente fue a Palacio de la Música a comprar un teclado, que era el instrumento donde se defendía “de oído”, pero no encontró ninguno que estuviese al alcance de su bolsillo y por eso optó por el bajo, que era el instrumento más barato. Se compró un humilde "Black Diamond", que era la marca del Palacio dedicada a los pibes que arrancaban en el estudio musical.

En 1966 se estrenó en Montevideo la pieza teatral The Knack, de Ann Jellicoe, que tuvo una exitosa versión fílmica titulada The Knack …and How To Get It dirigida por Richard Lester, responsable de los filmes de The Beatles A Hard Day’s Night y Help!. La puesta en escena montevideana pedía una banda de rock a un costado del escenario y esa banda, como no podía ser de otra forma, se llamó The Knacks y estuvo integrada por los guitarristas Giuseppe “Pippo” Spera y Gonzalo Vigil, el baterista Quico Ciccone y Urbano en bajo y voz.

La banda tuvo tanto éxito que tocó por aquí y por allá durante aquel 1966 y el año siguiente, convirtiéndose en la primera banda local réplica de los Beatles. Quienes la vieron en vivo –entre otros mi amigo Jorge Galemire– dicen que era asombroso el modo en que tocaban el repertorio beatle copiando hasta el último detalle vocal e instrumental. The Knacks fue además la primera banda de rock en presentarse en el entonces inexpugnbale reducto de la música culta que era el Teatro Solís.

El paso siguiente en la carrera de Urbano fue integrase a ese milagro musical llamado El Kinto Conjunto, más conocido como El Kinto, a secas. Analizar en esta nota la majestad de El Kinto y su influencia monumental en el desarrollo posterior de la música popular uruguaya sería imposible. Diré, a modo de adelanto de alguna nota especialmente dedicada a este tema, que fue la banda de Mateo y Rada, la que por primera vez fusionó la música de raíz afrouruguaya con el pop y el rock, y la primera banda de rock en componer y cantar en español (sí, claro que ya estaban Los Iracundos, pero no podrían definirse exactamente como una banda de rock).

El público joven uruguayo descubrió al Kinto en los mediodías de domingo de Canal 12, cuando el gran Rubén Castillo los presentaba haciendo “playbacks” grabados previamente en una toma en el viejo estudio Sondor. Las históricas grabaciones supervivientes de El Kinto que son motivo de estudio, de disfrute y hasta de culto fuera de fronteras no son otra cosa que esos playbacks hechos para la televisión.

El Kinto arrancó allá por 1966, 1967, y en 1968 Urbano sustituyó al bajista inicial Antonio Lagarde. También le tocó la titánica tarea de ser el cantante que ocupara el lugar de Rada, que se había marchado a Perú con un buen contrato. Un solo músico uruguayo era capaz de enfrentar semejante desafío y allí nació la leyenda del bajo y la voz de Urbano, que realmente logró disimular la ausencia de Rada.

Urbano fue el bajista en los clásicos temas de El Kinto Qué me importa, Muy lejos te vas, Esa tristeza, Suena blanca espuma y Príncipe Azul, y fue voz principal en la maravillosa Yo volveré por ti y en la rockerísima Pippo. La integración 1969 de la banda, que también incluía a Mateo y a Walter Cambón en guitarras, Mario “Chichito” Cabral en tumbadoras y el notable baterista Luis Sosa, participó en las inolvidables Musicasiones creadas y producidas por Mateo y Horacio Buscaglia en el Teatro El Galpón. Eventos asombrosos e irrepetibles, monumentos al absurdo y el eclecticismo, donde la música barroca se unía con el tango, el bolero y, por supuesto, el rock.

Yo estuve allí, la noche en que se realizó Musicasión III,cuando un desperfecto en el equipo de sonido hizo que Buscaglia le pidiese a Urbano que se sentase el piano y, bajo un foco cenital rojo sangre, improvisase una canción. Puedo verlo aún, con su largo pelo y su cara ladeada cantando:

Si en la oscura noche sientes mi dolor
dile al viento que se lleve mi color
vuelve
a esperar que salga el sol…

Uno de los más raros momentos de comunión emocional entre artista y público que he presenciado en mi vida. Algo sublime. Urbano grabaría luego en Sondor esa “improvisación” y el tema estaría incluido en el memorable disco del sello De la Planta Musicasión 4 y 1/2, de 1971. Urbano pintaba para gran estrella. Pero vino el quiebre institucional, sobrevino la dictadura y marchó al exilio, primero en Buenos Aires en 1973 y desde 1975 y hasta 1982 en España, donde integró la importante banda Imán. Aún así, en 1974 grabó en estudios Sondor un puñado de temas que serían parte de su disco Caminar detrás I y II que recién sería editado como CD en 2002.

Cuando ya no había dictadura en Argentina y la de Uruguay se despedía, regresó al Río de la Plata para integrar la más notable banda que Rada haya tenido, junto al guitarrista argentino Ricardo Lew, el tecladista uruguayo Ricardo Nolé y el fenomenal Osvaldo Fattoruso en batería. Rada estaba en la cúspide del otro lado del Plata y Urbano trabajó mucho y bien.

Con los años vendrían otros intentos solistas, entre los que se destaca el prolijo disco editado por Ayuí en 1998, Desde todos los sueños. La memoria me lleva a la que fue su canción más emblemática, a comienzos de los años 70, Vamos a mirarnos más de frente, que tenía pasta de hit, que es hasta hoy su canción más conocida y que Urbano cantaba como nadie más podría hacerlo:

Porque ya el verde de los campos no es tan verde
porque ya el brillo de tus ojos no se luce
porque ya el sudor nos ha tapado la vergüenza
vamos a mirarnos más de frente…

Una noche del verano del 72, tras una actuación de la banda Totem en el Club Albatros del balneario Salinas, Urbano me enseñó a tocar su canción ya entrada la madrugada, en los asientos delanteros de la camioneta Simca de mi viejo. Así pasen cien años no voy a olvidar la emoción del momento y la increíble voz de Urbano, estallando en colores nunca adivinados.

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