Kuropa se presenta por primera vez en la Sala Camacuá para hacer un recorrido por su galardonado disco "El lugar", ganador del Premio Graffiti 2022 a Mejor Álbum de Música Popular y Canción Urbana.

Show con banda completa, viernes 18 de agosto cerrando el proceso vivido con este trabajo para der paso a nuevas composiciones que vienen naciendo.

Kuropa es uno de los herederos de la mejor escuela de cantautores uruguayos. Destacado compositor que ha hecho de su guitarra y su voz parte fácilmente reconocible de la escena musical de ese país.

La música de Kuropa fusiona el folk y el rock, con elementos del folclore regional junto a una lírica cuidada alrededor de temáticas políticas, sociales, cotidianas y utópicas que hacen de su trabajo un nuevo eslabón del canto popular uruguayo.

En esta oportunidad nos presenta “¿Ves?”, canción de La Vela Puerca, en cuya versión original participa Jaime Roos como invitado.

Kuropa la lleva hacia un lugar más íntimo de cantautor haciendo resaltar la admiración y el amor del cancionista por la popular banda.

Le acompañan Betina Chaves (violín), Adrián Borgarelli (cello), Andrés Pigatto (contrabajo), Federico Mujica (guitarra eléctrica) y Esteban Pesce (batería).

Los arreglos de cuerda fueron orquestados por Diego Janssen y fue grabada, mezclada y masterizada en el estudio DosReis por Alvaro Reyes. La portada es una fotografía de Ernesto Ryan y el diseño es de Mateo Braga

De esta lista de creaciones del "artista de hoy", en Radiomundo 1170 AM nosotros emitimos al aire:

• 2 pistas, hoy En Perspectiva, entre las 7.00 y las 12.00 hs.
• 5 pistas, hoy en Lo Mejor del Día, a partir de las 22 hs.
• 1 pista, el sábado próximo en La Conversación x 5, a partir de las 18 hs.

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Foto en Home: Facebook de Nicolás Klisich

Músico y cantautor uruguayo, comienza su carrera solista en 2006 con el disco Por las ramas, le siguen Sin prisa sin pausa (2010) y Entrar en el juego (2015).

En este 2021 presenta Pequeñas palabras, una colección de canciones que surgen en su mayoría en el marco de la colaboración con el poeta y escritor Pablo Galante. Los artistas se reunieron entre 2017 y 2019 para trabajar en la musicalización de poemas de Pablo, en la co-escritura de letras de canciones, inspiradas a partir de versos y poemas de ambos incluso fusionando sus trabajos.

Finalmente integran este trabajo algunas canciones nuevas originales de Nicolás seleccionadas junto a las anteriores por el equipo de producción del disco.

Hoy escuchamos este adelanto, el tema que da nombre al disco y que ya tiene video en YouTube.

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Yisela Sosa es una cantante y compositora nacida en Paysandú. Estudió flauta traversa, guitarra, piano, danza clásica y contemporánea.

En sus comienzos, formó parte de la banda de blues de Christian Cary Punto Rojo (1998), en el 2000 participó en el proyecto La Fogata como corista e intérprete de flauta traversa, combinando al mismo tiempo hasta el 2001 el trío femenino Filomena. En el 2002 forma el dúo A Primera Vista junto con Juan Schellemberg, e integra La No-Vabossa, cuarteto de Bossa Nova en el que cumple el rol de voz líder, componiendo y arreglando covers y temas propios.

Su camino solista comienza en el 2006, cuando realizó una presentación como solista en el Festival de jazz de Paysandú al igual que en El Muro, ciudad de Rosario, Argentina. También en este año, realiza la musicalización del corto Ser Mujer, emitido por TV Ciudad.

El Fonam (Fondo Nacional de Música) apoya la edición de su primer disco como solista, llamado Descalza (2008). Al que describe como “ una forma de sentir la vida y la música, de recuperar el placer del contacto con la naturaleza y sus ritmos… de disfrutar de la canción”.

Su segundo disco es de 2013: Bailarina, editado por Ayuí.

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La música de Diego Kuropatwa fusiona el folk, el rock, con elementos del folclorismo regional sus letras tratan temáticas políticas, sociales, cotidianas y utópicas. Forma parte del canto popular uruguayo.

Finalizando este mes de mayo, Kuropa lanzó un adelanto de su próximo disco: "El Lugar". Una canción compuesta hacia fines del 2019, en la que se refleja un cambio de sonido y un giro hacia nuevos terrenos compositivos.

"Es una canción de amor que evoca al mismo tiempo ese espacio donde uno muchas veces acude para refugiarse". 

Su primer trabajo fue "Y qué dirán" (Bizarro, 2007), con el grupo Kuropa & cía, es en ese momento en que Kuropa adquiere una gran notoriedad en el ambiente musical uruguayo gracias en parte a la canción "Yo no Pido" la cual se convirtió en el hit del cantautor. Este disco fue nominado a los Premios Graffiti 2008 dentro del rubro música popular.

2010 es el año que consolida a Diego Kuropatwa dentro del panorama de la música nacional. Aparece entonces el "Kuropa & Olivera" (Ayuí, 2010) junto al reconocido músico Rubén Olivera, disco nominado a los Premios Graffiti 2010 como «Mejor álbum en vivo», el cual es recibido con excelentes críticas por parte de la prensa nacional.

A partir de ese momento surgen nuevas oportunidades como la de abrir los conciertos de Silvio Rodríguez ante 20.000 personas en noviembre del 2012 en el Estadio Centenario y de Jorge Drexler en el Auditorio Nacional Adela Reta en noviembre del 2014 así como también la invitación a participar en calidad de músico a la 44ta edición de la Feria Internacional del Libro en Buenos Aires o, por ejemplo, su presencia en el Festival Barnasants de Barcelona al cual concurre en dos oportunidades (2011 y 2019) y donde graba el disco Barnasants canta Benedetti junto a otros músicos uruguayos.

Durante todo este tiempo se presenta en los principales escenarios de la capital así como también en el interior del país.

"Herencia" es su tercer trabajo, más cercano al pop y al rock el cual también es nominado a los Premios Graffiti (2016) como "Mejor álbum de pop alternativo" y "«Mejor diseño de arte".

En 2020 se dedicó a la grabación de su cuarto trabajo discográfico. Este material va a ser editado por Bizarro Records y contó con la producción de Diego Janssen.

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Lazaroff integró Patria Libre, Los que iban cantando, Canciones para no dormir la siesta y Vale cuatro antes de emprender su actividad solista.

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El amor por la música y el amor por la capital uruguaya se cruzan en Montevideo Sonoro, proyecto que comenzó como intervención urbana, que creció a sitio web y que se materializó a fines del año pasado en formato libro. Con la firma de Daniel Machín y Gabriel Bentancor, sus páginas tapizadas de fotos recorren la ciudad. Montevideo se ve y se escucha en ellas.

La terminal de Tres Cruces de Samantha Navarro, la Aduana de Jorge Nasser, la Punta Gorda lisérgica de Algodón, la Rambla Sur de los Buitres, el Bella Italia de Mauricio Ubal, la esquina de Durazno y Convención de Jaime Roos, la calle Llupes de Fernando Cabrera, son solo algunas de las 300 canciones que guían este tour musical y urbanístico.

En Montevideo Sonoro se nombran los temas y se transcriben las letras que refieren a la ciudad, segmentados por barrios. Testimonios de los compositores –tanto de entrevistas originales como recabadas de otros medios– iluminan los procesos creativos, las inspiraciones y las influencias. También se incluyen códigos QR, que dirigen a videoclips y material audiovisual filmado por los autores del libro: por ejemplo, una performance de Alberto “Mandrake” Wolf dentro del Hollywood, el bar que inmortalizó en su disco Hay cosas que no importan.

Los códigos QR fueron la chispa inicial. Machín y Bentancor pretendían hacer una intervención urbana y colocarlos en espacios determinados, como en el propio Hollywood. Se les ocurrió la idea al escuchar Siestas de mar de fondo, de Eduardo Mateo, que describe el barrio Palermo. Luego se amplió en un proyecto colaborativo y digital: por la web se recibían sugerencias y se las iba georreferenciando en un mapa. El objetivo era divulgar “el patrimonio musical” montevideano. Todavía se puede enviar a los responsables canciones que no se hayan incluido en el proyecto.

Al extenderlo a un libro, la recopilación musical se convirtió en investigación sobre la historia de los barrios de Montevideo, con archivo fotográfico incluido. Y por su formato pequeño, Montevideo Sonoro recuerda a una guía turística cultural.

Claro que Montevideo no siempre es fotogénica en estas canciones. Es oscura en el relato de la muerte de Delmira Agustini que hace Garo Arakelian en Andes 1206. Es sórdida en Pedro de La Vela Puerca o en Colombia, de Gonzalo Brown. Es melancólica en la pluma de Fernando Cabrera. Pero es lo que tienen las ciudades vivas y en movimiento. Las ciudades que inspiran el arte.

Montevideo Sonoro. La vuelta a la ciudad en 300 canciones, de Daniel Machín y Gabriel Bentancor
Ediciones B, 2017
320 págs.

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Foto superior: Daniel Machín (izq.) y Gabriel Bentancor (der.), autores de Montevideo Sonoro. Crédito: Me gusta leer Uruguay.

Enlace externo
Montevideo Sonoro, sitio web oficial

Notas relacionadas
En Primera Fila: Montevideo Sonoro, 300 canciones que hablan de nuestra capital

Los ojos de Rosario: Proyecto Montevideo sonoro

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• El sello (fonográfico) de hoy: Ediciones anterioes

Por Eduardo Rivero ///

Hace unos treinta años, a fines de la década de 1980, conocí a un pibe simpatiquísimo que coleccionaba discos uruguayos con una pasión como no he visto en otra persona. Iba a la Feria de Tristán Narvaja y compraba esos discos simples de vinilo prácticamente inaudibles y de artistas olvidados que más nadie compraría, del género que fuese: rock, tango, pop, jazz… creo que todos los géneros menos el llamado “tropical”.

Un amigo en común me lo presentó, porque aquel tal Ángel Atienza, entonces cajero del Banco La Caja Obrera, estaba interesado en pedirme prestados determinados materiales raros de música uruguaya que yo atesoraba también con enorme amor. Nos hicimos muy amigos, con un afecto y una complicidad que dura hasta hoy.

Ángel sigue siendo bancario, pero ahora tiene algunos años y algunos kilitos de más, y ahora además de trabajar en una institución financiera también es conductor de programas radiales, programador en la emisora Babel del Sodre y, por sobre todas las cosas, el alma mater del sello independiente Perro Andaluz, un emprendimiento cultural absolutamente insólito dentro de nuestro país.

A poco de conocernos, Ángel me vino con la noticia de que “iba a sacar un sello editor de música”, una absoluta quijotada entonces y que sigue siendo un gran homenaje al personaje cervantino también hoy. Es que Perro Andaluz nació como una empresa unipersonal y, por más que tenga alguna ayudita de sus amigos, básicamente sigue siendo Ángel acordando con los artistas, presentando proyectos en el FONAM, reservando horas en los estudios de grabación, craneando cosas con el fotógrafo, con el diseñador gráfico, negociando con las imprentas y fábricas de discos compactos, distribuyendo y vendiendo vía internet o con un cajoncito en la misma feria de Tristán Narvaja donde compraba -y sigue comprando- rarezas de la música popular uruguaya. Claro como el agua: Perro Andaluz es Ángel Atienza.

En diciembre de 1989 comenzaría a editar música exclusivamente en formato cassette de audio, hoy una auténtica reliquia que el tiempo se ha llevado. Recién a partir de 1995 comenzarían las ediciones en CD, muchas de las cuales fueron reediciones de aquellos fonogramas que originalmente habían aparecido en cassette.

Ángel se planteó tener un sello que difundiera esa “otra música que hay en el aire” y que algunos se animaban a escuchar pero nadie a editar. No cabe la menor duda de que ese propósito lo ha logrado con creces. Bautizó a su sello editor como Perro Andaluz, en homenaje a la clásica película de 1929 dirigida por el español Luis Buñuel con guión escrito a medias por Buñuel y nada menos que el pintor Salvador Dalí. Y eligió como primer cassette para sacar a la venta Un exceso de luz del dúo de guitarras Ensamble Acústico, un disco etéreo que mantiene sorprendente vigencia y que se adelantó en décadas a lo que ha editado recientemente -para otros sellos- el guitarrista Gustavo Ripa con su serie de discos Calma, por su elegante minimalismo.

En estos casi 30 años, los títulos editados son muchos cientos y abarcan todas las corrientes del rock, pop, música de cantautores y un especial énfasis en el jazz, género que Ángel Atienza lleva en su corazón. Perro Andaluz ha significado la plataforma de lanzamiento para muchos artistas hoy reconocidos y que graban para sellos “grandes” como las bandas Buceo Invisible, Pecho e’fierro y Orgánica y solistas como Jorge Alastra o Mariana Lucía. El quijotesco sello unipersonal le ha dado oportunidades a músicos que de otra forma difícilmente hubieran tenido un primer discos en los otros sellos, lo que convierte al emprendimiento en algo digno del mejor aplauso del punto de vista de su significación cultural.

Pero también, con el paso de los años, Perro Andaluz ha editado a nombres de enorme peso en la música popular uruguaya; entre otros: Hugo Fattoruso, Urbano Moraes, Eduardo Mateo, Leo Maslíah, Jorge Galemire, Samantha Navarro, Dino, Vera Sienra, Lágrima Ríos, Roberto Darvin o Gustavo Nocetti entre otros.

En el campo del jazz es muy común que Ángel reserve horas para un fin de semana (por ejemplo en el estudio Sondor) y que una formación de jazzistas uruguayos -casi siempre jóvenes- se concentren allí y en pocas horas tengan su disco terminado. Es el caso de músicos como los pianistas Ricardo Nolé y Andrés Bedó, el bajista Federico Righi, grupos como Jorge Armani Trío y Trío Ibarburu, el Fernando Labrada Sexteto o el guitarrista José Pedro Beledo, por citar apenas un puñado de discos de esa corriente.

Perro Andaluz, fiel a su política de abrir la puerta a productos que otros ni siquiera considerarían, ha editado, por ejemplo, al francés residente en Uruguay Emile Bosch con su disco Des Iles, un primer disco grabado ya largamente pasados sus 60 años de edad; ha puesto en el mercado tres discos de piano solista de Gonzalo Gravina interpretando a Alfredo Zitarrosa, Eduardo Mateo y Jaime Roos respectivamente, ha invitado a Gonzalo Brown, una de las voces de la Abuela Coca, a producir un disco solista, lo mismo que ha sucedido con el ex guitarrista de Níquel, el argentino Pablo Faragó, el legendario baterista José Luis Pérez y el no menos legendario bajista de rock Gustavo “Mamut” Muñoz. El experimental dúo de Berta Pereira y Pollo Píriz encuentra en el sello un merecidísimo canal de expresión.

Y Ángel se las ha ingeniado además para editar materiales de enorme significación histórica como cintas casi perdidas del trío Opa en EEUU, una recopilación fantástica de la banda Los Mockers (sus grabaciones entre 1965 y 1967 en Buenos Aires), las nunca editadas grabaciones del grupo Patria Libre donde tocaron músicos como Jorge Lazaroff, Jorge Bonaldi y Jaime Roos, una excepcional colección de demos y rarezas varias de Eduardo Mateo titulada El Tartamudo y un imperdible disco de los comienzos de Gastón Ciarlo “Dino” que incluye sus primeros y olvidados -e incoseguibles- discos simples originalmente grabados para RCA y la versión completa de su primer LP solista grabado para Eco-Mallarini Producciones a fines de los años 60.

Como si todo eso no bastara, mi amigo Ángel decidió incursionar en la edición de libros. Los títulos editados hasta ahora no han sido muchos, pero, eso sí, todos de gran significación como los dos volúmenes de De las cuevas al Solís de Fernando Peláez, obra de consulta ineludible a esta altura sobre la historia del rock nacional, Darnauchans, entre el cuervo y el ángel, de Marcelo Rodríguez, una investigación completísima y documentada hasta el mínimo detalle sobre nuestro principal baladista, libros sobre análisis del candombe a cargo del musicólogo Gustavo Goldman, El Oráculo y Criucigrama con narrativa de Leo Masliah; la reedición corregida y aumentada, luego de años de estar fuera de mercado. de Razones Locas, sobre "el paso de Eduardo Mateo por la música uruguaya" del brasileño radicado en Montevideo Guilherme de Alencar Pinto, y más recientemente Texticulario del actor y músico de rock Tabaré Rivero.

Conociéndolo a Ángel como lo conozco, sé que habrá Perro Andaluz para rato, ladrando y mordiendo en un mercado conservador y elitista, y sé que Don Quijote seguirá cabalgando por mucho, mucho tiempo.

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¿Cuánto se demora en grabar un disco? ¿Veinte horas? ¿Cincuenta? ¿Trescientas? Fernando Cabrera tiene un nuevo trabajo que demandó apenas un par de horas de grabación durante un espectáculo en vivo en el Teatro El Galpón, la noche del 7 de agosto de 2015, pero que de cierto modo comenzó a gestarse hace por lo menos 30 años.

Digamos que Fernando Cabrera canta Mateo y Darnauchans, editado por Ayuí a fines del año pasado, empezó a tomar forma en los años 80. En aquel entonces Fernando ya era un solista hecho y derecho, un respetado compositor y un personalísimo cantante que supo sobreponerse al juicio crítico que su peculiar voz provocaba hasta que –en un efecto idéntico al sucedido con la voz de Jaime Roos– su modo de cantar se convirtió en uno de los sonidos inconfundibles de la música popular uruguaya.

A fines de esa década, por 1987, Fernando ya había integrados los colectivos Montresvideo (junto a Pacho Martínez y Daniel Magnone) y Baldío (junto a Andrés Recagno, Gustavo Etchenique y Andrés Bedó). Había sacado sus primeros tres discos solistas: El viento en la cara y los sorprendentes y rockeros Autoblues y Buzos azules.

Su talento inmenso de autor de bellas melodías y excepcionales letras lo colocó en situación de compartir un proyecto con su admirado Eduardo Mateo, ya una leyenda viva y gestor de la fusión de música afrouruguaya con elementos del rock y el pop. Así nació Mateo y Cabrera, grabado en vivo en el Teatro del Notariado en abril de 1987.

Cuatro años después, en el Teatro Solís, Cabrera compartió el espectáculo Ámbitos con Eduardo Darnauchans, cuya grabación directa de la consola, realizada en un humilde cassette de cinta de cromo y sin la menor intención de terminar en un disco, dio pie en 2008 a una edición en disco compacto por parte de Ayuí.

El vínculo de Cabrera y Darnauchans tiene además otros componentes. En deliciosas charlas café de por medio Cabrera me lo ha señalado como su mayor influencia y su auténtico maestro. Además de un amigo muy estrecho, Cabrera fue frecuente colaborador a lo largo de buena parte de la discografía del Darno.

En Zurcidor, de 1981, por ejemplo –para muchos el trabajo más importante de Darnauchans– cantó en Como los desconsolados y acompañó con su guitarra solista en Pago, estremecedor tema que Eduardo dedicó a su padre. Los arreglos de La ultima orquesta de señoritas, Buenas noches y Los aviadores también le pertenecen a Cabrera. En 1989 volvió a grabar junto al Darno en El trigo de la luna en la maravillosa Desconsolados 2. También hay un arreglo de Cabrera en el disco final de Darnauchans, El ángel azul de 2005.

Así, el largo viaje de Cabrera por el universo darnauchaniano y mateístico arriba ahora a este excepcional Fernando Cabrera canta Mateo y Darnauchans. Un disco loquísimo y cuerdísimo a la vez, sabiamente minimalista y elegante y exquisito, desde Como los desconsolados –que lo abre– hasta La mama vieja –en mi opinión el más bello candombe de la historia– que lo cierra.

En escena, Cabrera con su voz y su guitarra, se acompañó esa noche por el talentoso Edú “Pitufo” Lombardo en percusión, voz, y ocasionalmente también guitarra y el resultado es deslumbrante. Cabrera sabe, como muy pocos, el valor del silencio como parte de los sonidos que hacen a la música. Sabe que el silencio expresa, y paradojalente, también “suena”.

En su canto hace pausas expresivas que nadie más haría. Y en su guitarra, se anima a acordes de apenas dos notas, dejando las otras tres o cuatro que faltan como contenido latente, picando dentro de la cabeza del público, aguijoneando la imaginación y la sensibilidad del oyente.

Como los desconsolados también tiene un contenido latente: la voz del Darno que parece estar, que merece estar y que de algún modo sigue estando. Es notable el tratamiento pop que le da a Memorias de Cecilia, curiosamente la única letra original escrita en solitario por Darnauchans para su clásico álbum Sansueña.

Aparece aquí también la bellísima Mariposa, canción de la legendaria banda británica The Hollies que el Darno adoraba y a la que puso letra en español para el disco El trigo de la luna. Me emociona particularmente la inclusión de Claros, canción que vi nacer, con música del gran Jorge Galemire y texto de Darnauchans:

“Yo se que anduvo un miedo bajo la luz de tu frente
y sin embargo sigues atormentando a la muerte…”

Precisamente, atormentar a la muerte es lo que hace Cabrera, reviviendo a Mateo y a Darnauchans en un disco que no tiene desperdicio. Es notable la sutileza con que Cabrera y Pitufo entonan a dúo Rimedio e’yuyo de Mateo. Notable la forma en que recrean la clásica interpretación de guitarra y percusión al mejor estilo del disco Mateo y Trasante en Lo dedo negro y La mama vieja.

Es impresionante la versión de Épica –del Nieblas y neblinas– con sus gloriosos versos iniciales que demuestran el inmenso vacío que dejó la muerte del Darno y que parecen hablar, precisamente, de esa ausencia:

“Andarás por algún lado
dándole sentido al aire y a las cosas
justificando la ruta
de los helicópteros y las palomas…”

También me resulta feliz la inclusión Cancion 2 de San Gregorio, un impresionante texto de Washington Benavides musicalizado por Darnauchans en su primer disco, Canción de Muchacho, y que dicho sea de paso fue la primera canción que le vi cantar en persona al Darno, el día en que lo conocí, en la prueba de sonido de un recital en el Teatro el Galpón en mayo de 1971. Hacía apenas unas semanas que Darnauchans había dejado Tacuarembó para radicarse en Montevideo.

No es este el primer intento de Cabrera en realizar un disco de versiones. En el valioso Canciones propias, de 2011, también versionó a Mateo y a Darnauchans. Allí canta Príncipe azul, escrita por Mateo y Horacio Buscaglia para el repertorio de El Kinto a fines de los años 60, y Balada para una mujer flaca de Darnauchans y Bismark Vega, originalmente incluida en Zurcidor.

Pero este nuevo disco es muy superior a ese antecedente. El nivel de refinamiento arreglístico logrado es notoriamente más profundo y la emoción de la interpretación vocal en vivo muchísimo más palpable. Lo del comienzo: este disco empezó a concebirse hace décadas. Como el buen vino, ha sufrido un paciente y delicado proceso de maduración. Ahora solo cabe servírselo y disfrutarlo.

Fernando Cabrera canta Mateo y Darnauchans, de Fernando Cabrera
Ayuí, 2015

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https://www.youtube.com/watch?v=qns0F5tO2kU

Video: LivingRoom Estudio

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¿Eduardo Mateo? ¿Ese loco con pinta de linyera, que canta cosas raras, que compone canciones sin compromiso político, que se la da con todo y que manguea por 18 de Julio? Mientras estaba vivo ese era el concepto generalizado sobre Mateo, el mayor creador que ha tenido la música popular uruguaya.

Su muerte, en mayo de 1990, disparó acontecimientos casi surrealistas: los pocos amigos que tuvo se transformaron en miles, se multiplicaron los que lo vieron solo o con El Kinto –para muchos la más grande banda de fusión afrouruguaya que ha existido–, los colegas que lo acusaron de artista sin compromiso hoy se refieren a él como a un prócer, los críticos que lo ningunearon llegaron al paroxismo del elogio y hasta los jerarcas gubernamentales que en su vida lo escucharon nombrar firmaron decretos para que plazas y edificios lleven su nombre.

Por suerte tanto reconocimiento trajo aparejado que su obra fuera redescubierta (incluso fuera de fronteras) y que discos como Mateo solo bien se lame, Mateo y Trasante o Cuerpo y alma se consideren hoy obras maestras. Fue un guitarrista impresionante, un tremendo percusionista de misterioso toque, un autor de melodías de insondable inspiración, un letrista fenomenal, desde una poética tan loca como seductora, y un cantante personalísimo. También el fundador de una escuela. Sin Mateo, la música de Jaime Roos, Jorge Galemire, Mauricio Ubal, Edú “Pitufo” Lombardo o Alberto “Mandrake” Wolf, hubiese sido muy diferente.

Mateo provocó también la aparición en 1994 de un libro con una investigación descomunal, una prosa infalible y una abundancia de documentos gráficos abrumadora, llamado Razones Locas: el paso de Eduardo Mateo por la música uruguaya, de Guilherme de Alencar Pinto, periodista brasileño radicado desde hace décadas en Montevideo, quien llegó a conocer a Mateo y hasta compartió con él fugazmente algún proyecto musical.

El inolvidable Horacio Buscaglia expresó entonces con una mezcla de dolor y feroz autocrítica: “Tenía que venir un brasileño a enseñarnos a escribir un libro sobre Mateo”. Y, mal que nos pese, es cierto. Cuesta imaginar otro libro como este, que ha llegado a su cuarta edición, corregida y aumentada con nuevos testimonios y nuevos documentos gráficos.

Es el libro definitivo que lo analiza todo, lo relata todo, lo explica todo. El que nos hace entender que la música uruguaya arrancó mucho antes que La Vela Puerca o No Te Va Gustar –dicho con el mayor respeto y sin la menor ironía– y que la obra de Mateo no empieza –ni mucho menos concluye– en Príncipe azul (de hecho una coautoría con Buscaglia y un tema del repertorio de El Kinto y no de Mateo como solista, como muchos creen).

Quedan avisados: la cuarta edición de Razones Locas está en la calle. En las mismas calles donde Mateo pedía para comer y que, a través de su música mágica e inclasificable, retrató como nadie.

Razones Locas: el paso de Eduardo Mateo por la música uruguaya, de Guilherme de Alencar Pinto
4a edición, corregida y aumentada
Perro Andaluz/La Edad de Oro, 2015
656 págs.

Video: sondortv

https://www.youtube.com/watch?v=RRg06E5pGN0

Video: Los Años Luz Discos

Video: Televisión Nacional Uruguay

Enlaces relacionados
Ese amigo del alma (Página 12)
Príncipe Azul (Página 12)
Razones que no son tan locas (Página 12)

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