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Esta semana exhibimos obras de Iesel Clara:

Cuadro en el estudio:

Título: Mis 3 gracias.
Técnica: Mixta.
Medidas: 90 x 50 cm
Año:  2024

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Iesel Clara es Licenciada en Enfermería, especializada en cuidados intensivos y control de infecciones, durante años desarrolló su labor profesional vinculada al cuidado de la vida humana en toda su complejidad. Paralelamente, la pintura ha sido una constante en su trayectoria. Se formó en talleres con Emilio Bolinches, Carlos Prunell, Gerardo Ruiz en el Círculo de Bellas Artes, Gustavo Fernández y, actualmente, en el Taller Torres García.

Aunque siempre mantuvo un vínculo cercano con el arte, en los últimos años pudo profundizar especialmente en esta práctica. En ese camino descubrió la técnica asfáltica, que la cautivó y sobre la que continúa investigando y trabajando. Actualmente comparte esa pasión a través de talleres y continúa formándose en historia del arte y teoría del color. En su cuenta de Instagram difunde historias y curiosidades sobre los pigmentos, explorando cómo el color revela aspectos de distintas culturas y épocas.

Sobre su obra

Las obras que presenta buscan transmitir la idea de que la identidad no es una entidad fija, sino la multiplicidad de capas que conforman a cada persona: la suma de experiencias, vivencias e influencias que la han moldeado a lo largo del tiempo. Inspirada en la reflexión de Jean-Paul Sartre —“somos lo que hacemos con lo que hicieron de nosotros”—, utiliza capas y texturas para representar esa complejidad, invitando al espectador a reconocer y explorar sus propias capas.

Su trabajo se desarrolla a través de una técnica mixta que combina pintura asfáltica, acrílico y collage. La superposición de materiales y superficies busca reflejar visualmente la riqueza y profundidad de aquello que nos constituye.

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Lala Severi, artista visual con experiencia en proyectos inmersivos y cruces entre distintas disciplinas, y Gabriela Onetto, escritora, investigadora y coordinadora de talleres de escritura desde hace más de 25 años, compartieron los detalles de una iniciativa conjunta. Ambas presentan un taller de creación de fanzines, concebido como un espacio de expresión personal, creatividad y desconexión del entorno digital. La propuesta une escritura, artes visuales y edición artesanal.

El proyecto busca brindar herramientas para que cualquier persona pueda transformar textos, recuerdos, fotografías o ideas en publicaciones autogestionadas y únicas.

El ciclo, de cuatro meses de duración, culminará con una presentación pública de las obras realizadas. Además, la primera edición cuenta con el apoyo de Fundación Itaú y está dirigida tanto a escritores y artistas como a cualquier persona interesada en comunicar y crear desde una perspectiva independiente.

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A días del estreno de Cenicienta en el Teatro El Galpón, charlamos con la actriz Camila Cayota, quien interpreta a la icónica madrastra en esta versión contemporánea del clásico musical.

La actriz adelantó algunos de los cambios que propone la adaptación de Douglas Carter Beane, reflexionó sobre la construcción de una villana "más humana" y compartió detalles de la cocina de una producción que reúne teatro, comedia musical, ballet y tecnología en una de las apuestas más ambiciosas de las vacaciones de invierno.

"Esta versión deja de idealizar a los personajes y los trae a un lugar mucho más humano", afirma Camila, integrante del elenco de este musical que se estrena este 27 de junio en la Sala Campodónico. La dirección está a cargo de Daniel Infante Pan; coreografías de Julio Minetti y Oscar Escudero; dirección vocal de Camila Constantino y con la producción de MAD Producciones.

Entradas en venta por RedTickets y en la boletería del teatro.

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Esta semana exhibimos obras de Diego Ribeiro:

Cuadro en el estudio:

Título:  Formas, se insinúan figuras.
Técnica:  Incastein con óleo sobre maderas superpuestas.
Medidas: 110 x 85 cm
Año:  2015

Es un bajo relieve, dado por la superposición de maderas que crea cierto volumen que destaca las formas. Se “dibuja” con el bajo relieve una estructura basada en líneas verticales interrumpidas por líneas horizontales u oblicuas, creando un ritmo armónico por la relación entre las líneas y planos entre sí. La mezcla de Incastein con óleo resalta con tonos la superficie monocroma. Se insinúan figuras, a veces reforzadas por maderas adosadas que entran en la armonía de la estructura. 

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Diego Ribeiro nació en Montevideo en 1949. En una familia donde el arte y la ciencia ocupaban un rol esencial.

Su padre, el pintor Alceu Ribeiro, discípulo directo de Joaquín Torres García, le aportó la pasión por la pintura movida por su fuerte vocación que moldeó su vida. Ser pintor era su identidad. Su familia materna, de médicos vocacionales destacados, le aportaron valores humanísticos y científicos, otra forma de vivir y de ser.

Ambas familias -mundos- se relacionaban muy poco, siendo su tarea intentar unirlas en él. Tarea difícil y conflictiva. Estudió medicina y se especializó en psiquiatría y psicoanálisis, ejerciendo su profesión hasta que se jubiló.

A la vez aprendió pintura con su padre, años después con su tío Edgardo Ribeiro y con Walter Nadal. Su formación estuvo guiada por la escuela de Joaquín Torres García, cuyos valores estuvieron actuantes en su aprender a mirar analítico, desde sus dibujos iniciales hasta su iniciación en el constructivismo. Valores como estructura, proporción, ritmo y tono, tenían que estar en sus obras figurativas, sintéticas, no imitativas, hasta en las más estructuradas y abstractas.

Valores esenciales, donde el tema, lo anecdótico, era un pretexto para pintar, pero no un valor en sí. Su búsqueda se profundiza y cuestiona lo aprendido, busca nuevas referencias y también vuelve a consultar a la naturaleza. Un viaje a Europa le permite recibir la lección de los grandes maestros.

Acepta desafíos como realizar el camino inverso, buscando imágenes que simbolicen un tema psicoanalítico para afiches de congresos. La pintura la realiza por períodos, en conflicto con la medicina, adquiriendo un valor importante en su vida como segundo oficio. No se considera pintor, sino que pinta, porque su identidad no es ser pintor, como sí lo fue en su padre.

Dibuja y pinta, y hace unos años incorpora el pintar sobre tablas o cartones articulados entre sí en forma de bajo relieves, que le aportan simpleza y contundencia a sus obras construidas más abstractas. Además, realiza obras figurativas sintéticas. Ha expuesto en forma individual en 1994, en 2016 y en 2023, y en forma colectiva sobre todo desde que se integra a SUMART, Sociedad Uruguaya de Médicos Artistas, que le dio un lugar de pertenencia, de intercambio, de exposiciones; lugar muy estimulante.

Continúa pintando en busca de algo que valga la pena, que siempre parece estar cerca. 

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El artista recordó los desafíos que enfrentó durante la pandemia, cuando decidió dejar su trabajo como camionero para apostar de lleno a la música junto a su banda. También destacó la importancia de sus raíces y de las historias del interior, reflejadas en canciones como Sarandí y Estrella del Interior.

Valdés adelantó que el próximo 10 de octubre regresará al Antel Arena para celebrar sus cinco años de carrera solista con un espectáculo especial que contará con numerosos artistas invitados. Entre los nombres confirmados mencionó a La Penúltima, Herederos, Luana, Lauta, Migrantes, Bámbara y Martín Piña, entre otros.

Durante la entrevista, el cantante también habló sobre su proceso creativo, las colaboraciones musicales y el vínculo que mantiene con el público, además de interpretar en vivo una de sus canciones.

Las entradas para el show ya están disponibles a través de Tickantel y, según adelantó el propio artista, más del 50% de los lugares ya fueron vendidos.

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Durante su visita a Montevideo para asistir al estreno de Reikiavik en la Sala Zavala Muniz del Teatro Solís, Juan Mayorga compartió las motivaciones detrás de una obra que toma como punto de partida el histórico enfrentamiento ajedrecístico entre Bobby Fischer y Boris Spassky en 1972.

Más que reconstruir aquel episodio de la Guerra Fría, el dramaturgo propone una reflexión sobre la memoria, la imaginación y la capacidad de las personas para representar otras vidas.

Mayorga explicó que la obra sigue a dos hombres que, a través del juego, encarnan a Fischer, Spassky y a los personajes que rodearon aquel duelo, convirtiendo el tablero en un espacio de creación y transformación. Para el autor, Reikiavik habla del ajedrez, pero también del teatro como lugar donde es posible reinventarse y explorar identidades ajenas y propias.

El dramaturgo destacó además la sensibilidad de la puesta en escena dirigida por Mariana Wainstein y celebró la recepción del público uruguayo. Sostuvo que el teatro permite establecer un diálogo entre pasado y presente, haciendo que acontecimientos históricos sigan interrogando al espectador contemporáneo.

La entrada "El ajedrez, como el teatro y la vida, es memoria e imaginación”, Juan Mayorga presenta en Montevideo "Reikiavik" una de sus obras más personales. se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

Estuvimos conversando con Florencia Salvetto, protagonista de Un cuento de otro planeta, la obra escrita y dirigida por Leonardo Martínez Russo que se presenta en la Sala Cero del Teatro El Galpón.

Ambientada en un planeta lejano pero atravesada por temas profundamente contemporáneos, la obra explora la construcción del enemigo, la memoria y los ciclos de violencia.

En el planeta de los Irgus, una soldado de las fuerzas ocupantes Yazíes captura a una insurgente de la resistencia luego de un atentado. A partir de ese encuentro, la obra despliega una trama atravesada por el enfrentamiento, la memoria, las identidades en disputa y una pregunta central: ¿de dónde nace el odio?

Florencia nos contó sobre el desafío de llevar esta historia a escena y las preguntas que la obra deja abiertas al público.

Las funciones son los jueves a las 20:30 horas y las entradaspueden adquirirse a través de RedTickets y en la boletería de El Galpón.

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El músico, fotógrafo y documentalista presentó los detalles de su espectáculo del próximo 16 de julio en la Sala Hugo Balzo, una propuesta que reúne música, cine y relato en una misma experiencia. La noche incluirá canciones de Presencia, adelantos de su próximo disco Los días contados y la proyección de El comandante y el peregrino, su nuevo cortometraje.

Durante la entrevista, Guillermo reflexionó sobre la convivencia de sus distintos lenguajes creativos y explicó que no los entiende como disciplinas separadas: “Ni soy músico ni soy otra cosa; son herramientas. Con las herramientas armás un artefacto, que es una canción, una foto o una película”.

También destacó la influencia que han tenido sus recorridos por el interior del país en su obra reciente, tanto en sus canciones como en sus documentales.

El espectáculo en la Balzo será, precisamente, una síntesis de ese universo creativo, donde imágenes, sonidos e historias se entrelazan para compartir una mirada personal sobre el territorio y las personas que lo habitan.

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El dramaturgo y director argentino Javier Daulte repasó en esta entrevista su intensa actualidad artística, marcada por nuevos estrenos, adaptaciones teatrales y futuros proyectos junto a destacados intérpretes de la escena rioplatense.

Daulte conversó sobre los desafíos de la creación y reivindicó la capacidad del arte para imaginar alternativas.

"Los artistas tenemos una función en la sociedad: somos la usina de la imaginación", afirmó y adelantó su regreso a Montevideo en noviembre con la obra El jefe del jefe.

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Esta semana exhibimos obras de Guadalupe Ayala:

Escultura en el estudio:

Título:  S/T
Técnica:  Escultura. Vajilla metálica antigua, vidrio de ventanilla de auto, resina
Medidas: 35 cm x 25 cm x 30 cm
Año:  2022

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Guadalupe Ayala es artista visual, docente, politóloga, consteladora familiar. Practica Tai Chi desde hace 20 años, y hace 2 practica también Kum Nye. Emplea todos sus recursos a la hora de desarrollar un proyecto en cualquiera de sus campos de actuación. Le interesa mucho el contacto humano, reflexionar sobre su biografía y la historia del mundo. 

Viene de una familia dedicada a las ciencias y a lo invisible: su madre es postdoc en bioquímica y  su padre instaló los reactores nucleares de energía atómica en Argentina. Además se dedicaron a las artes y a la docencia. En su infancia pasaban noches mirando la vía láctea y encontrando satélites y los veranos e inviernos en las montañas de Bariloche o Córdoba. Vivió una vida de contemplación, silencio y pregunta.

En 2006 vino a Uruguay a hacer su maestría en Ciencia Política. Hizo una rápida carrera ascendente como artista. Estudió sobre constelaciones familiares en el Centro Bert Hellinger en donde actualmente es observadora de la actual edición y está realizando una formación internacional de abordaje Trifocal del Trauma con Verónica Molina. Elabora su cuerpo de obra como una película, algunas responden preguntas que otras instalaron o continúan una narrativa.  Realizó el magisterio de artes, el profesorado en escultura y la licenciatura en ciencia política en Argentina; y luego la maestría, las clínicas de obra, sus exposiciones más importantes y sus estudios espirituales y sistémicos en Uruguay. 

Es docente de artes en la UCU y tiene una niña de 9 años. En sus obras invita al espectador a usar su cuerpo, a sentir la obra, a vivir una experiencia de cierto desconcierto, fascinación y extrañeza. Siempre le interesó, lo supo después, crear belleza con lo roto, lo ruinoso, lo indefinido.

Sobre su obra:

Su trabajo parte de la selección de objetos que han sido utilizados: vajilla antigua, porcelanas y fragmentos que alguna vez formaron parte de la vida cotidiana. Le convoca el tiempo que contienen, la experiencia humana que permanece adherida a la materia. Trabaja mediante procesos lentos y repetitivos, adhiriendo uno a uno fragmentos de vidrio en un gesto cercano al bordado. Lo doméstico se desplaza, lo funcional pierde su uso, lo inerte adquiere consciencia y voluntad.

Surge una tensión entre lo cautivador y lo extraño, lo frágil y lo resistente. Vajillas refinadas y piezas de plata son invadidas por excrecencias vidriosas, fragmentos de ventanillas de auto que introducen una dimensión contemporánea atravesada por el impacto. Aparecen resonancias del tiempo, de los desplazamientos y de la violencia que atraviesa lo humano. Le interesa aquello que se mueve sin aparecer: fuerzas, tensiones, quiebres, repeticiones.

Creció en un entorno atravesado por la ciencia que observaba lo invisible y en contacto permanente con la naturaleza. Esto la formó en una sensibilidad especial hacia los fenómenos que ocurren sin ser plenamente capturables y que estructuran su práctica: hacer con lo visible que aparezca en la consciencia lo que no se ve. Sus obras proponen una experiencia corporal, espiritual, perceptiva. Una observación detenida donde el tiempo se ralentiza y el sentido se construye en la relación con quien observa.

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