Presenta: Banco República, nuestro banco país

Apoya: Cuadrería Aquarela

Esta semana exhibimos obras de Marcos Tabaré Andrade:

Cuadro en el estudio:

Título: Silla
Técnica: Mixta sobre lienzo
Medidas: 90 x 70 cm
Año: 2025

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Marcos Tabaré Andrade nació en Montevideo y actualmente reside en Piriápolis. Es ingeniero, egresado de la Facultad de Ingeniería de la Universidad de la República en 1975. Durante cuarenta años se desempeñó como docente en esa institución y en la Universidad de Montevideo. Actualmente está jubilado.

Además de su actividad profesional, ha desarrollado una labor vinculada a la escritura y las artes plásticas. Si bien desde joven pintó y dibujó, y trabajó en el área del dibujo técnico, tanto manual como digital, hace seis años comenzó formalmente su formación como artista plástico. En ese proceso, se formó principalmente en los talleres de Emilio Bolinches, Daniel Siri y Roberto Cadenas.

Su obra pictórica se caracteriza por la exploración del tiempo, la memoria y la materia. Trabaja con técnica mixta sobre lienzo, mediante la superposición de capas, transparencias y veladuras que dejan visible parte del proceso creativo. Su pintura, combina zonas abstractas con elementos figurativos —como relojes, sillas y reflejos— que funcionan como signos del tiempo y la presencia. En sus obras también establece diálogos con la historia del arte.

Ha participado en exposiciones colectivas y ferias en Montevideo, Piriápolis y Punta del Este. En agosto de 2026 participa en Proyecto Arte y en el Palacio Paz, en Buenos Aires. Desde 2023 desarrolla un proyecto que vincula las artes plásticas y la poesía, en el que pinturas y poemas se crean de manera simultánea y crecen en diálogo. El resultado comprende dos vertientes autónomas, pero estrechamente relacionadas: una serie de pinturas y un poemario.

Sobre su obra

Actualmente trabaja en dos series pictóricas. La primera, Abstracción con anclaje figurativo, parte de un campo predominantemente abstracto, en el que el gesto, la textura y la transparencia construyen una geografía propia. En ese espacio aparecen elementos figurativos, a veces apenas insinuados, que funcionan como referencias visuales y simbólicas. La tensión entre lo abstracto y lo reconocible, entre la materia y la imagen, configura un territorio en el que se encuentran el tiempo y la mirada. En este universo creativo, las obras de Velázquez, De Chirico, Dalí y Friedrich constituyen referencias que se reformulan en nuevos contextos. Cada imagen busca conservar un componente enigmático e invitar al espectador a participar de ese instante en el que el tiempo parece detenerse o recomenzar.

La segunda serie, Paisaje interpretado, propone una aproximación al paisaje que trasciende la representación de lo visible. A través de la luz, el color y la materia, cada pintura transforma una escena posible en un espacio emocional. Los elementos se desplazan o sustituyen para encontrar un equilibrio entre lo recordado y lo percibido. La mirada no copia la realidad, sino que la traduce en materia pictórica, convirtiendo el paisaje en memoria, tiempo detenido y evocación de una experiencia.

El proyecto de pintura y poética que desarrolla desde 2023 profundiza ese diálogo entre disciplinas. Cada obra pictórica se crea en simultáneo con un poema de su autoría, sin que ninguna de las dos expresiones quede subordinada a la otra: la pintura no ilustra el poema, ni el poema se limita a describir la imagen. Ambas parten de una intuición inicial y evolucionan de manera paralela, en un proceso de mutua influencia en el que texto e imagen se interpelan y transforman. La relación se mantiene hasta que ambas piezas alcanzan su forma definitiva. El poema, finalmente, adquiere autonomía y logra evocar, a través del lenguaje, aquello que la pintura expresa visualmente, proponiendo una experiencia sensorial y simbólica compartida.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Belén Hernández Pérez

Cuadro en el estudio

Título: Rezo para un alma
Técnica: mixta: óleo, pastel al óleo y dorado a la hoja.
Medidas: Tríptico. Dimensiones de cada panel: 160 × 80 cm (alto × ancho). Dimensiones del conjunto: 160 × 240 cm (alto × ancho)
Año: 2026

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En este encuentro conversamos sobre La línea mágica, una exposición que propone acercarse a la producción artística de Pedro Figari a través del dibujo

La muestra reúne 42 dibujos a lápiz de la Semper Collection, reproducidos en la publicación The Magic Line: The Drawings of Pedro Figari, realizada por el escultor Alfredo Halegua en Washington en 1988. A través de estas obras, la exposición permite observar cómo Figari construía figuras, gestos y escenas de la vida cotidiana con pocos trazos, a través de temáticas como el candombe, el pericón, las lavanderas y las reuniones de barrio.

Abordamos el proceso de reacondicionamiento y enmarcado de las piezas, la articulación entre coleccionismo y curaduría para abrir el arte al público, y las coordinaciones en marcha para que la muestra recorra distintas salas del interior del país tras su paso por Montevideo.

La exposición se inaugura el 22 de octubre a las 16:00 h en el Ministerio de Relaciones Exteriores en Montevideo, donde permanecerá durante 10 días.

Para profundizar en esta propuesta nos acompañaron la curadora Cristina Bausero y el coleccionista Juan Manuel López.

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Carolina Zamudio, directora de la Fundación Cultural Esteros, y el poeta cubano Víctor Rodríguez Núñez conversaron sobre el alcance del Encuentro Internacional de Poesía Esteros, que celebra su séptima edición en Montevideo y Maldonado. Ambos destacaron el valor de la poesía como forma de comprender la realidad, acompañar la vida y tender puentes entre países, lenguas y tradiciones literarias.

Zamudio repasó el camino de la iniciativa cultural independiente que, a lo largo de siete años, ha convocado a más de 150 poetas y consolidado una red internacional de intercambio.

La edición de 2026 suma, además, la creación del Premio Lautréamont de Poesía a la trayectoria, que distinguirá a los escritores Hugo Achugar y Efraín Bartolomé.

Por su parte, Rodríguez Núñez, en su primera visita a Uruguay, recordó la huella que dejaron en su formación dos maestros uruguayos, Mario Benedetti y Enrique Fierro, y reivindicó la vitalidad de la poesía latinoamericana.

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De las versiones que conquistaron millones de reproducciones a una identidad musical propia, Ika & Reggae Versions construyó un universo donde el reggae se encuentra con la sensibilidad vocal de Federica Giovio (Ika) y la búsqueda creativa del músico y productor Steven Lema.

Conversamos con ellos sobre el origen del proyecto, el alcance internacional de sus live sessions, el camino hacia sus composiciones originales y la conexión con el público.

Además, adelantan los detalles de Siente el Pulso, el show que presentarán el jueves 5 de noviembre, a las 20 horas, en Sala Rondeau, junto a la banda argentina Vida Pura. Las entradas están disponibles en RedTickets.

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Esta semana exhibimos obras de Belén Hernández Pérez:

Cuadro en el estudio:

Título: Rezo para un alma
Técnica: mixta: óleo, pastel al óleo y dorado a la hoja.
Medidas: Tríptico. Dimensiones de cada panel: 160 × 80 cm (alto × ancho). Dimensiones del conjunto: 160 × 240 cm (alto × ancho)
Año: 2026

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Belén Hernández Pérez es abogada especialista en empresas, docente, podcaster y directora de asociaciones civiles vinculadas al emprendedurismo. Esas son algunas de sus facetas más visibles. Pero también existe otra dimensión de su trabajo que durante años mantuvo en un segundo plano: su proyecto artístico, Belén entre mundos.

Comenzó a mostrarlo formalmente en 2025, aunque el proyecto se gestó mucho antes, a partir de un proceso de exploración interna motivado por la desconexión con su esencia y por el fallecimiento de su padre, también artista plástico.

A través de él, explora la existencia y sus misterios desde el arte. En poco tiempo, su trabajo ha sido presentado en Uruguay, en Proyecto Arte Feria y en la Embajada Alemana; en Argentina, en el Club Alemán de Buenos Aires; y en Inglaterra, en la Women in Art Biennale, en el marco de un premio internacional del que resultó ganadora.

Sobre su obra

Su obra surge principalmente de procesos meditativos, a partir de los cuales desarrolla tanto las imágenes como los textos que las acompañan, en forma de poemas o frases. En algunos casos, esas palabras están dirigidas a una persona concreta; en otros, adquieren sentido para quien las encuentra. Al pintar, busca dejar de lado el control y dar lugar a las imágenes y palabras que aparecen durante el proceso creativo

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"Década y Media”, su nueva canción y el nombre de la gira que recorrerá once teatros uruguayos, es también una forma de agradecer el camino compartido.

La cantautora uruguaya Florencia Núñez celebra quince años de trayectoria con “Década y Media”, una canción que mira hacia atrás sin dejar de abrir una nueva etapa. El tema, publicado en abril, también da nombre a una gira que pasará por once teatros del país.

La idea de la canción surgió como un agradecimiento a quienes la acompañaron durante estos años: músicos, equipos de trabajo, familiares y público. El nombre, contó Núñez en diálogo con Gabriela Pintos en La Conversación, apareció durante una visita a una escuela. Después de escuchar el tema, un niño propuso llamarlo “Década y Media”, y la artista sintió que había encontrado el título indicado.

Los encuentros con estudiantes también forman parte de la gira. En esas visitas, Núñez conversa con jóvenes sobre música, creación y las dudas que aparecen al empezar un camino artístico. Al hablar de las críticas, señaló que no es posible gustarle a todo el mundo, pero que eso no debería impedir que cada persona encuentre su espacio. “Tiene que haber espacio para todos”, sostuvo.

En estos quince años, la artista exploró distintos sonidos y temas en discos como Mesopotamia, Palabra clásica, Porque todas las quiero y Fe. Cada trabajo refleja un momento diferente de su recorrido, aunque todos conservan un hilo común: la búsqueda de una voz propia a través de la canción.

Para Núñez, celebrar el aniversario también significa reconocer que la historia no se construyó en soledad. “Década y Media” reúne esa mirada: agradece lo vivido y convierte el recorrido en un nuevo punto de partida.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Carolina De Cunto

Cuadro en el estudio:

Título: Mutación
Técnica: Acrílico y óleo pastel acuarelable sobre tela.
Medidas: 1,60 x 1,80 mt
Año: 2025

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Después de 27 años, el Banco República vuelve a convocar a artistas visuales con una nueva edición de su Salón de Artes Visuales. En conversación con Alicia Brassesco, curadora de las muestras de la Fundación Banco República y vinculada a la institución desde 1986, recorremos la historia de una iniciativa que fue clave para el vínculo del BROU con las artes y que dejó como legado un importante acervo artístico.

Con motivo de los 130 años del Banco, el Salón regresa en 2026 con pintura y escultura, premios de adquisición y el propósito de recuperar un espacio de creación, reconocimiento y encuentro con la comunidad artística uruguaya. Brassesco también comparte aspectos del trabajo de conservación y difusión del patrimonio artístico del BROU y las expectativas que genera este esperado regreso.

Las postulaciones están abiertas hasta el 22 de octubre de 2026 a las 23:59. Bases y formulario de inscripción: fundacionbrou.com.uy.

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Esta semana exhibimos obras de Carolina De Cunto:

Cuadro en el estudio:

Título: Mutación
Técnica: Acrílico y óleo pastel acuarelable sobre tela.
Medidas: 1,60 x 1,80 mt
Año: 2025

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Carolina De Cunto es arquitecta, artista visual y diseñadora uruguaya. Su vínculo con la creación y el arte comenzó en la infancia. Desde entonces se caracterizó por su creatividad y su interés por pintar, dibujar y todo lo relacionado con el diseño. De niña disfrutaba crear y coser la ropa de sus muñecas con retazos de tela que su abuela conseguía a través de una amiga modista.

En su casa, el arte siempre estuvo presente. Creció rodeada de los cuadros pintados por su abuelo paterno y, a través de él, la pintura formó parte de la vida familiar. Su padre fue la primera persona que vio pintar, una imagen que la marcó profundamente. Su historia familiar también estuvo ligada al trabajo hecho con las manos: su abuelo materno era carpintero y tenía su carpintería en el fondo de la casa; su abuelo paterno, además de pintar, fabricaba brochas de afeitar para hombre realizadas con crin de caballo que llegaron a ser muy reconocidas en su época. Fue siempre autodidacta, sumamente creativo y habilidoso.

Su abuela paterna era aparadora de calzado y, en parte inspirado por ella, su padre tuvo y continúa teniendo una fábrica de calzado. Ese universo de cueros, colores, oficios y saberes transmitidos de generación en generación dejó una huella profunda en ella y, con el tiempo, se convirtió en una parte esencial de su identidad.

Hace más de veinticinco años creó su propia marca, Carolina De Cunto, desde la cual comenzó a desarrollar un concepto que hoy define buena parte de su trayectoria: “arte para usar”. Junto con su equipo crea desde cero carteras, calzado y prendas de cuero. Diseña cada modelo, selecciona los materiales y acompaña todo el proceso de fabricación. Luego interviene cada creación con su arte, a través de un gesto personal y de técnicas que fue desarrollando y construyendo durante estos veinticinco años. Así, cada objeto se transforma en una obra única, intervenida y pintada a mano.

A lo largo de su trayectoria recibió el Premio Morosoli de Diseño en 2022; el Primer Premio Banque Heritage en MART Punta del Este 2026; el Primer Premio del BROU en Hecho Acá 2010; y la distinción Marca País Uruguay. También realizó colaboraciones con diseñadores internacionales, entre ellos la reconocida diseñadora española Ágatha Ruiz de la Prada, para quien creó colecciones especiales destinadas a acompañar sus desfiles en Uruguay y Estados Unidos.

Sobre su obra

El arte estuvo presente de manera continua durante toda su vida. Pinta y asiste a talleres desde los quince años, cuando comenzó a formarse con Raúl Deliotti. Durante sus primeros años en la Facultad de Arquitectura concurrió al taller de Clever Lara. Actualmente continúa formándose como artista visual y explorando nuevos lenguajes. Desde 2025 cursa la Formación Permanente en Arte Contemporáneo del FAC, a cargo de Fernando López Lage. En octubre de ese mismo año comenzó un proceso de acompañamiento con Myriam Zini, orientado a profundizar la investigación y el desarrollo de su obra. También asiste al taller de
Sebastián Sáez.

Su trabajo se desplaza entre la pintura, el cuero y lo textil, incorporando en los últimos tiempos el bordado. En su obra aparecen la naturaleza, la memoria, los vínculos, la espiritualidad y la búsqueda de aquello que puede volver a unir a las personas en un mundo
cada vez más fragmentado. Sus obras parten de experiencias personales, de la naturaleza, la memoria, los vínculos y la
espiritualidad.

Le interesa combinar distintas capas, texturas y elementos que, en principio, pueden parecer fragmentados, pero que dentro de la obra comienzan a relacionarse. Busca generar preguntas y hablar de la posibilidad de encontrarse, de construir puentes y de volver a pensar en aquello que se comparte como parte de un mundo común.

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La entrada Presentamos las obras de Carolina De Cunto: el punto de encuentro entre arquitectura, diseño y arte contemporáneo se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

Hay una niña que alguna vez soñó sin límites, una adolescente que empezó a preguntarse quién era frente a la mirada de los demás y una adulta que todavía intenta aprender a quererse. Esas tres mujeres conviven en EmpoderHADAS, el espectáculo que Carla Lorenzo presenta en Montevideo.

Psicóloga y artista, Lorenzo construye un monólogo que cruza humor, música, actuación y psicoeducación para recorrer distintas etapas de la vida y detenerse en una pregunta que atraviesa a todas: ¿cómo se construye nuestra autoestima y cuánto de lo que vivimos sigue influyendo en la manera en que nos relacionamos con nosotros mismos y con los demás?

Entre situaciones cotidianas, canciones, humor y momentos de mayor sensibilidad, la propuesta busca generar identificación y abrir un espacio de reflexión sin abandonar el lenguaje del espectáculo. Una invitación a reírse, emocionarse y quizá volver a mirar con otros ojos a esa persona que fuimos y que, de alguna manera, todavía somos.

Con idea original, dirección general y actuación de Carla Lorenzo, y guion, dirección actoral y puesta en escena de Fabián Bragunde, EmpoderHADAS tendrá una única función en Montevideo el viernes 2 de octubre, a las 20.30, en el Teatro del Notariado.

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Seba Codoni vuelve a encontrarse con sus canciones desde otro lugar. Después de casi un año alejado de los escenarios con su proyecto solista y tras un período intenso de composición y trabajo en teatro, el músico y compositor presenta Otra forma , un espectáculo que propone revisitar el repertorio de sus discos Las luces de la carretera y Aguinaldo.

El músico habló sobre qué significa volver a cantar canciones escritas en distintos momentos de su recorrido, qué cambia cuando un artista vuelve sobre su propio repertorio y cómo surgen los nuevos arreglos, sonoridades y formas de abordar esas composiciones. También hablamos de su trayectoria, de su vínculo con la música para teatro y de esta nueva etapa que lo lleva nuevamente al escenario.

Seba Codoni presenta Otra forma el 2 de octubre a las 21 horas en Sala Corchea, acompañado por Martín Iglesias en guitarra eléctrica y Pablo Gómez en teclados.

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