En este episodio de MACA al Aire, nos adentramos en la arquitectura y la gestión creativa del MACA de la mano de su Director Artístico, el arquitecto Leonardo Noguez. Lejos de ser solo un contenedor de obras, el museo se revela aquí como un organismo vivo donde el espacio físico y la curaduría dialogan constantemente.

El recorrido inicia en la Capilla de la Piedad, una pieza que desafía las etiquetas al situarse en el límite exacto entre la arquitectura y la escultura. Noguez detalla la génesis de este proyecto en 2017 y cómo la estructura logra dictar un estado de introspección casi espiritual, funcionando hoy tanto para el rito como para las artes escénicas.

La charla expande la mirada hacia el Parque de Esculturas, analizando la logística y el criterio artístico detrás de un patrimonio que ya supera las 70 obras. Desde la luz que transforma el paisaje en momentos clave del día, hasta la complejidad de coordinar muestras de escala internacional como las de Lucio Fontana o la actual exhibición de Julian Lennon, Eva Claessens y Pablo Atchugarry.

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En este episodio conversamos con Pepi Gonçalvez, una figura polifacética y fundamental de la cultura uruguaya. Productora, activista, docente y ambientalista, Pepi nos comparte su visión sobre el cine, la educación y el impacto social del audiovisual en nuestra región.

Exploramos a fondo la sección "Pantalla Maldonado" dentro del 28° Festival Internacional de Cine de Punta del Este, conociendo los detalles de las proyecciones en el Cine Cantegril, la Torre del Vigía y el Teatro de Verano Margarita Xirgú. Además, profundizamos en su rol como Coordinadora del Área Audiovisual en el Polo Educativo Tecnológico Arrayanes (UTU), donde se forman las nuevas generaciones de cineastas.

También viajamos al pasado para conocer la historia de "Polizonte", el icónico detective que habitó las calles de Montevideo en los años 80, y conversamos sobre su incansable labor social en defensa de los derechos de las mujeres y la comunidad trans a través de proyectos como MAU (Mujeres Audiovisual Uruguay) y Pampeanas Regenerativas Orientales.

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En este episodio recibimos a Matilde Vera, directora del Teatro Escayola. Conversamos sobre la historia del teatro, cómo fue fundado, su comunidad y la llegada de Vera al teatro con todas las transformaciones que la acompañaron.

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“Luis Camnitzer puede considerarse una de las figuras clave del mundo del arte de la segunda mitad del siglo XX”

Este creador uruguayo, radicado en Nueva York, fue distinguido esta semana con el Premio Figari en su vigésimo novena edición.

A los 88 años y con una trayectoria de más de seis décadas como pintor, escritor, crítico y docente, Camnitzer sigue reivindicando a Uruguay como “su lugar” y se ha mantenido muy cercano a la comunidad cultural de nuestro país.

¿Qué sintió al recibir el Premio Figari? ¿Qué nos puede contar sobre su obra actual y perspectivas a futuro? ¿Cómo se planta frente a la Inteligencia Artificial?

Emiliano Cotelo y nuestra tertuliana Carolina Porley conversaron con Luis Camnitzer.

El jurado del Premio Figari, el más importante de nuestro país, decidió reconocer este año a un artista uruguayo destacado a nivel mundial: Luis Camnitzer.

La distinción, que se entregó esta semana, se basó, según dice el fallo, en “su trabajo, atravesado por el conceptualismo, que cuestiona los límites entre lenguaje e imagen, memoria e historia, proponiendo siempre una posición activa frente al poder, la violencia y los sistemas de conocimiento, así como nuevas formas de pensar la relación entre arte y política.”

Camnitzer nació en 1937 en Alemania pero llegó a nuestro país siendo un bebé en brazos de sus padres que huían del nazismo.

Aquí creció, estudió arte y arquitectura. En 1964 se fue a Nueva York, en Estados Unidos, donde vive desde entonces, aunque se ha mantenido siempre vinculado a Uruguay y en particular a nuestro mundo artístico.

De hecho este martes dijo que recibía el Premio Figari como “la expresión de la calidez hogareña de [su] lugar.”

¿Cómo le resultó esta vez el regreso a Montevideo? ¿En qué líneas trabaja y piensa hoy? ¿Qué nuevas exploraciones artísticas se plantea a futuro?

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Esta semana exhibimos obras de José Gurvich. 

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Cuadro en el estudio:

Título: El poeta español
Autor: José Gurvich
Técnica: Óleo sobre cartón
Medidas: 56 x 46 cm
Año: 1951

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José Gurvich, que nació en 1927 en un pequeño pueblo de Lituania y llegó al Uruguay a los cinco años, fue pintor, dibujante y ceramista. Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes y luego en el Taller Torres García, donde también fue docente y uno de sus integrantes más destacados.

Viajó por Europa e Israel, vivió en un kibutz y expuso en Roma y Tel Aviv. En 1967 presentó en Montevideo una muestra decisiva, celebrada por la crítica. Tras nuevos viajes por Europa se radicó finalmente en Nueva York, donde continuó trabajando hasta su muerte.

Sobre la nueva exposición "Iconos modernos. José Gurvich y el género del retrato"

La exposición antológica del Museo Gurvich propone un recorrido por una de las vertientes más significativas de su obra: el retrato, revisado aquí desde los principios del Universalismo Constructivo y las enseñanzas del Taller Torres García.

Presentada simultáneamente en el Museo Gurvich (Sarandí 524) y en la Sala de Arte Carlos Federico Sáez del MTOP (Rincón 575), con inauguración el 27 de noviembre a las 18 h, la muestra organiza las obras en núcleos que abordan el retrato femenino, la familia, amigos, colegas artistas y figuras emblemáticas como Estela Medina.

Conversamos con el curador de esta exposición, Manuel Neves, y con el presidente de la Fundación Gurvich, Uruguay Russi.

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Esta semana exhibimos obras de Sebastián Sáez. 

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Cuadro en el estudio:

Título: "El Guardia"
Autor: Sebastián Sáez
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 160 x 140
Año: 2025

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Sebastián Sáez, que nació en Montevideo en 1974, es pintor y docente de arte.

Entre los años 2000 y 2015 se dedicó principalmente al retrato, explorando la figura humana desde distintos enfoques. Luego su práctica se orientó hacia la naturaleza, tema que atraviesa su producción más reciente.

Ha viajado por la selva peruana, colombiana y brasileña, experiencias que influyeron profundamente en su mirada y en su obra. También ha trabajado sobre los ríos contaminados de Minas Gerais, en particular el río Dulce y el Gualaxo do Norte.
Actualmente desarrolla su trabajo en su estudio ubicado en la Ciudad Vieja de Montevideo.

Sobre su obra

Su interés se centra en la naturaleza: sus formas, sus transformaciones y su relación con el ser humano. En sus pinturas, a veces aparecen animales o figuras humanas, presencias que emergen del paisaje o lo habitan de manera sutil.

Sus cuadros pueden representar tanto no-lugares como espacios con los que mantiene una relación afectiva o de memoria, construyendo así un territorio pictórico propio.

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Esta semana exhibimos obras de Ana Isnardi. 

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Cuadro en el estudio:

Título: Dos Mundos
Autor: Ana Isnardi
Técnica: Acrílico y tinta sobre lienzo
Medidas: 100 x 80
Año: 2025

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Ana Isnardi nació en Montevideo en 1971.

Desde muy joven estuvo vinculada a la creación plástica, formándose en la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde comenzó a explorar el lenguaje del color, el agua y la materia como fuerzas generadoras de sentido.

Su obra explora el equilibrio entre orden y caos como parte de un destino que se despliega en cada trazo. Sus universos pictóricos emergen a través del agua, el color y la transparencia, revelando lo que ya estaba latente en un estado de gestación.

Su arte nace desde la emoción y el amor como energía primordial; a través del color, el agua y la forma se revelan mundos en gestación, universos simbólicos donde lo íntimo se une con lo infinito y la vida se expresa en su estado más esencial.

La obra pictórica de Ana Isnardi surge de la necesidad profunda de expresar, procesar y comprender experiencias emocionales, donde la pintura funciona como un acto de búsqueda y pensamiento visual. Cada obra es un espacio de revelación íntima, un territorio donde emociones e ideas se manifiestan a través del color, la textura, la fluidez y la transparencia, creadas libremente, sin ataduras o condicionamientos externos. La creación funciona como un diálogo con lo desconocido, un proceso en el que lo inesperado, lo accidental y lo intuitivo revelan verdades que trascienden la voluntad consciente.

En estudio, Daniela Bluth citó un fragmento de texto publicado en las redes de la artista:

"En "Dos mundos" yo digo:

Arriba: lo que muestro al mundo.

Abajo: lo que contengo, luz, sombra, recuerdos, cicatrices.

La Luna, mi parte más íntima, la que solo veo de noche.

El oro, mi historia, el dolor que no escondí, la grieta que me hizo más fuerte.

No somos dos mundos.

Somos uno más entero por haber estado rotos".

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Recomendaciones de la semana

Exposición de Pedro Peralta en la Fundación Iturria

La muestra "Estados del juego" se inaugura el jueces 6 de noviembre. Va a mostrar las piezas tan características de Peralta en las que se combina lo lúdico, la memoria y la identidad, a través de un lenguaje contemporáneo. Se podrá visitar hasta el 28 de noviembre en la Fundación Iturria en Carrasco.

"La fotografía sin certezas", muestra en el Hyatt Centric

El jueves 6 de noviembre se inaugura en el Hyatt Centric una nueva muestra de arte. La exposición se llama "La fotografía sin certezas" y reúne artistas con una mirada tan distinta como: Ana Campanella, Matilde Campondónico, Karin Topolanski y Álvaro Zinno, entre otros artistas.

La entrada La búsqueda personal para generar universos expresivos únicos: presentamos las obras de Ana Isnardi se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Flavia Ocando. 

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Cuadro en el estudio:

Título: Mi Do
Autor: Flavia Ocando
Técnica: MDF, láminas de acrílico/ Corte láser
Medidas: 100×100
Año: 2025

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Flavia Ocando nació en Caracas, Venezuela en 1981.

Desde temprana edad mostró un profundo interés por las artes plásticas, lo que la llevó a formarse en el Colegio Bellas Artes y a complementar su carrera universitaria con talleres de expresión artística. Su desarrollo creativo se consolidó en Suiza, donde cursó estudios de expresión plástica y definió su concepción estética.

Graduada en Psicología por la Universidad Rafael Urdaneta (URU), con estudios de posgrado en la Universidad Católica Andrés Bello (UCAB) y en la Universidad La Salle (España), Ocando integra su formación académica en sus procesos artísticos, dotando a su obra de un enfoque emocional y reflexivo orientado al bienestar y la positividad.

Su trabajo se caracteriza por una marcada afinidad hacia el arte cinético, el estudio del movimiento y la interacción con la luz. A través de un meticuloso proceso creativo, utiliza arreglos matemáticos para organizar lo accidental, transformando la luz en un elemento activo que cambia la percepción de la obra según la hora del día y la dirección lumínica. Emplea principalmente ensamblajes de madera y acrílico cortado con láser, combinando precisión técnica con una sensibilidad psicológica y estética.

Su práctica artística refleja la influencia de su formación en psicología, buscando generar bienestar y transmitir mensajes positivos a través de sus composiciones. Inspirada en el arte cinético, su trabajo explora el movimiento, la luz y la interacción con el entorno como vehículos de conexión emocional y serenidad interior.

En La Conversación:

Daniela Bluth: En la serie "Sonidos de mi memoria" combinas lo visual con lo musical. ¿Cómo surge esta serie bastante particular?

Flavia Ocando: "Hay una historia familiar: cuando mi madre estaba embarazada de mí, mi padre le trajo una caja musical que marcó mi infancia porque pasaba horas jugando con ella. Entonces, quería traer ese mundo al arte visual. Lo que marca mi trabajo está vinculado con el efecto visual en la obra. Son obras, yo siempre digo, que nunca aburren porque siempre cambian. Según la luz del día, según la direccionalidad de cómo le dé la luz a la obra.

Son obras en tres dimensiones porque es ensamblaje, entonces utilizo piezas de madera con acrílicos traslúcidos para poder generar efectos en las sombras y en la colorimetría de la obra. En estas piezas la unión de la música parte de ahí: de ese recuerdo de mi infancia.

La unión dentro de la obra visual está vinculada específicamente una pieza que se llama "Para Elisa" de Beethoven, que es muy emblemática de las cajas musicales. Toda la obra está relacionada con la música, la melodía, el recuerdo y el mensaje que quiero transmitir.

Las cajas musicales tienen suelen funcionar con un cilindro que tienen unos puntitos que marcan la melodía de la música que suena. Yo tomé parte de esos fragmentos, el orden, el patrón de esa melodía y las transformé en el arte que estás viendo".

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Recomendaciones de la semana

Inauguración del altar del día de los muertos en el Museo de Arte Precolombino e Indígena 

Este viernes al mediodía, 31 de octubre, es la inauguración del altar del Día de los Muertos en el Museo MAPI. Es una propuesta que forma parte de la calle de los altares organizada por la embajada de México en Uruguay. El altar del museo celebra la vida, la memoria y la unión entre culturas con flores, luz y símbolos que invitan a recordar a quienes ya no están.

Este año el altar está dedicado a Mariano Arana y a Thomas Lowie en homenaje a su legado y a su huella, a la cultura y a la ciudad. La cita es el viernes a partir de las 12 del mediodía en el MAPI, acá cerquita de la radio en la Ciudad Vieja en 25 de mayo 279. La entrada es libre.

Última visita guiada a la exposición "Joaquín Torres García, clásico, moderno, universal"

El sábado es la última visita guiada a la exposición "Joaquín Torres García, clásico, moderno, universal" y va a oficiar además como cierre de la muestra que ya lleva varios meses en el museo y que abarca los tres pisos del edificio. Tener la posibilidad de hacer un recorrido guiado es un plus que realmente vale la pena.

La muestra incluye todas las etapas del maestro del constructivismo y hay piezas de coleccionistas, muchas de ellas nunca antes exhibidas. Es este sábado también al mediodía desde las 12 en el museo, por supuesto, en plena peatonal Sarandí. La entrada es gratuita.

La entrada ¿Cómo se crea arte siguiendo patrones de melodías musicales? Presentamos las obras de Flavia Ocando se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Andrés Urtado Morales. 

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Cuadro en el estudio:

Título: Plátano valorizador
Autor: Andrés Urtado Morales
Técnica: Cortado, moldeado, plegado, soldado y luego pulido.
Medidas: 30×40
Año: 2025

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Andrés Urtado Morales nació en Salta, Argentina en 1987. Desde su infancia manifestó inclinaciones deportivas y artísticas, que con el paso del tiempo se fueron transformando en su estilo de vida. La veta artística lo ha llevado a explorar diferentes técnicas, elementos y soportes, necesarios para llevar a cabo sus expresiones creativas.

Esas inquietudes por plasmar en algo tangible las ideas que surgían, lo llevaron a aprender de forma autodidacta, técnicas para pintar, soldar en varios procesos, grabar y manejar una gran variedad de herramientas, con las cuales da forma a sus obras.

Sus esculturas están elaboradas a mano en acero Corten y acero inoxidable, combinando la resistencia y el tono rojizo del primero con el brillo y la durabilidad del segundo. La soldadura MIG y TIG asegura un acabado pulido y uniones robustas, resaltando la forma y la textura de cada pieza.

"El tema de estos materiales es la durabilidad en el tiempo. Es algo que va a quedar y cuando ya no esté, va a seguir perdurando. Ni que hablar que el hierro se oxida y se agujerea y se pudre. Pero estos no, o por lo menos yo no los voy a ver, y eso es un poco por qué yo utilizo esos materiales, aparte del contraste de ellos dos. Uno que es brillante y el otro no".

Recomendaciones de la semana

Sexta Bienal de Montevideo en el Palacio Legislativo

Esta semana empieza uno de los grandes eventos del arte en Uruguay. Empieza la sexta Bienal de Montevideo, donde el arte latinoamericano vuelve a habitar el Palacio Legislativo. En esta edición el título es Amazonas ancestral y la razón es que las obras van a rendir homenaje a la COP30 que se va a celebrar en un par de semanas en Brasil. Va a haber obras de 34 artistas, 12 de ellos uruguayos, todos en el mismísimo Salón de los Pasos Perdidos.

Y si bien son artistas de arte contemporáneo, el ingrediente ancestral va a estar presente en sus obras. La Bienal arranca el jueves 23 de octubre y se va a extender hasta el 30 de noviembre con entrada libre y gratuita

Muestra de artistas urbanos "Territorios Simbólicos" en Galería Azur

El arte urbano surgió hace varias décadas en el mundo como un movimiento contracultural y en Uruguay se podría decir que hace dos décadas que pisa con fuerza, con varios nombres que ya son reconocidos por su trabajo. Y varios de ellos van a estar en esta muestra exponiendo sus obras, por ejemplo, Alfalfa, Dani Sharf y varios nombres más. La muestra abre el miércoles 22, y se puede visitar en la Galería Azur en Mones Roses 6655 en Carrasco.

Exposición de Silvia Vignone "El camino" en galería El Ateneo

Exposición de Silvia Vignone, que es un artista que estuvo por acá en el ciclo de la conversación charlando con nosotros. Ahora Silvia expone sus sólidos con sus figuras abstractas, pero delicadamente coloridas de forma individual en una sala clásica de Montevideo, en el Ateneo en plena Plaza Cagancha. La muestra se llama "El camino" y tiene curaduría de su gran maestro Hugo Rossi. Se puede visitar hasta el 27 de octubre de 15 a 20 horas.

La entrada Acero Corten e inoxidable: estos materiales "van a quedar cuando ya no esté", dijo Andrés Urtado Morales. Presentamos sus obras se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

En esta ocasión Romina Andrioli profundizó sobre la importancia que tiene el arte en las infancias a partir del documental “Un día para soñar” que cuenta cómo es la experiencia de un grupo de niños a lo largo de toda una jornada en el Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry (MACA) ubicado en Manantiales, Maldonado. 

¿Cómo surgió la idea de hacer este documental? ¿Qué rol juegan estas instancias en la sensibilidad de los niños? ¿Cómo se puede participar?

Para saber más sobre este documental, las salidas que ofrece el MACA y las anécdotas de los niños, Romina conversó con Eliana Recchia, directora del documental; Aleja Sosa, artista que participa en el documental; y con Victoria, una de las niñas que vivió esta jornada con sus compañeros. 

Preparar la salida con entusiasmo. Madrugar mucho ese día, hacer un viaje largo, pintar un cuadro con sus propias manos, aprender a mirar las obras que hay expuestas, tener una charla con el propio Pablo Atchugarry volver con un montón de inspiración e ideas para continuar explorando a través del arte. 

Esto es lo que relata “Un día para soñar”, el documental dirigido por Eliana Recchia, que nos cuenta cómo vive un grupo de niños, el día en el que visitan el MACA (Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry).

Para algunos niños es la primera vez en un museo, a otros esta vivencia les genera frustración, pero también muchos aprendizajes sobre disciplina, trabajo y sobre los sueños.

Para saber más sobre este documental, las visitas que ofrece el MACA para los centros educativos y las anécdotas de los propios niños, Romina conversó con:

Eliana Recchia. Directora del documental, directora del teatro del MACA, y conductora aquí en Radiomundo de Maca al Aire.

Aleja Sosa. Artista y tallerista que participa en el documental.

Victoria Acosta. Una de las niñas que vivió esta jornada con sus compañeros, una de las protagonistas. 

La entrada Arte en la niñez: ¿Cómo las jornadas didácticas en el MACA impulsan la creatividad en los escolares que participan? ¿Por qué se registró la experiencia en un documental? se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.