Alejandro y Estevan Gutiérrez (33 y 41 años) nacieron y crecieron en Suiza, de madre ecuatoriana, padre suizo.

Su música, sus recuerdos y la inspiración les nace de América Latina. El hermano mayor empezó a tocar la guitarra en su adolescencia y consiguió que el menor le siguiera los pasos. A los 15 años, mientras tocaba la guitarra en su cuarto, la madre de Estevan le dijo que tocaba tan bonito que parecía que hacía llorar al instrumento. Años más tarde, cuando su hermano Alejandro se mudó a otra ciudad, el vínculo entre ambos trascendió a la música. Se extrañaban tanto que aprovechaban visitarse mutuamente para empezar a tocar improvisadamente. Comenzaron a componer, sin letra, y la magia empezó a fluir. Son los primeros músicos en la familia. Nacieron y crecieron en Suiza, pero siempre iban a Ecuador a ver a su familia y así fue que también conocieron el mundo latino.

La banda recorre ritmos como los de la milonga, el western o el folk. Tienen cinco discos grabados: "8 años", de 2017, cuyo título hace referencia a la diferencia de edad entre los hermanos; "El camino de mi alma" (2018), "Hoy como ayer" (2019), "Hijos del sol" (2020), y "El bueno y el malo", que han estrenado en noviembre de 2022 y con el que han recibido una nominación a los premios estadounidenses Americana Music Association honors and Awards en la categoría Álbum del año.

Además, la disquera en la que están actualmente, Easy Eye Sound Studio, pertenece a Dan Auerbach, vocalista y guitarrista de la banda The Black Keys, con quien también tienen una canción a la que nombraron “Tres hermanos” en honor al también productor que tomó una guitarra y se puso a tocar con ellos.

Con el título del más reciente de sus discos, "El bueno y el malo", Los hermanos Gutiérrez quisieron hacer una clara referencia al spaghetti western de Sergio Leone: The Good, the Bad, and the Ugly.

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Por Eduardo Rivero ///

Desde los 12 años miro la vida desde detrás de seis cuerdas. No hay día en el que no empuñe la guitarra para medir que tanto me he olvidado de mis amadas piezas de Bach y que tanto voy progresando en lo que estoy intentando hoy, que es el ir dominando de a poco las geniales obras de Tom Jobim que tocó y cantó João Gilberto, el sacerdote supremo y sumo pontífice de la bossa nova.

Pensando en como encarar esta nota, he sacado cuentas, llegando a la conclusión de que desde los doce años hasta ahora he tenido seis guitarras acústicas y cinco eléctricas. Sin embargo diría que solo tuve una guitarra: mi guitarra. Todas son una sola: el mágico e inerte mueblecito hueco de madera lustrada o bien la tabla sólida, maciza y pesada, con micrófonos adosados, que cobra vida cada vez que mis manos así lo desean. Mi guitarra siempre fue la mía y la de nadie más. La depositaria de mis manos, ya torpes, ya mucho más educadas. La acompañante de mi voz, ya adolescente, ya sesentona que, siendo la misma, suena tan diferente.

La guitarra me ha dado compañía, vía directa para socializar con otros músicos y conocer gente macanuda y de un talento fenomenal, el indecible placer de ir articulando con mis propias manos la arquitectura de belleza casi metafísica de Johann Sebastian Bach, y también una enorme lección de humildad.

En la primera clase que tomé con Amílcar Rodríguez Inda en el Conservatorio Falleri-Balzo, allá por 1982, este me pidió que tocara algo, como forma de evaluar como estaba respecto al instrumento. Toqué, muy pagado de mí, una danza de Gaspar Sanz que había sacado de oído de un disco de la excepcional guitarrista española Renata Tarragó. Mientras la tocaba estaba seguro de que Amílcar se llevaría una gran impresión.

—Está bien… se nota que ama la música —comentó quedamente, en voz baja—. Pero los dedos están todos mal. Va a tener que trabajar la parte técnica desde cero —concluyó.

Por detrás de mi decepción –y hasta cierto injustificable enojo–simplemente comprendí que el que sabía era él y no yo, y que el único camino era el de la humildad y el trabajo. Al poco tiempo ya iría recogiendo los exquisitos frutos de esa apuesta que tan sabiamente me había propuesto mi maestro.

Créanme: tocar La Bamba en un asado o paseo de fin de año del liceo no se parece en nada a tocar la guitarra como las guitarras merecen ser tocadas, sean del origen y del precio que sean. Lo divertido es que, por ejemplo, La Bamba la puede tocar casi cualquiera que tengo apenas días aporreando por primera vez una guitarra, ya que es un tema en apenas tres acordes básicos, lo que es genial y asegura mucha diversión. Pero esa misma guitarra que resiste estoicamente a un guitarrista principiante, encierra en su madera el alma de piezas sublimes que esperan, adormecidas, a que la humildad y el trabajo las despierten.

Muchas veces pasa. Muchas otras, no. Depende de la vocación del ejecutante, de su vida diaria, de su entorno familiar y de muchos otros factores dominables o simplemente que el azar pueda o no poner en juego.

Mi abuelo era un italiano electricista. Ya era electricista en Italia, antes de llegar al Uruguay en el hoy lejanísimo año de 1930. Como producto de un trabajo de electricidad en un taller de fabricación de guitarras -el taller Caruso- decidió cobrar con una guitarra para regalármela. Con esa primera guitarra, que en absoluto era mala sino muy buena, hice mis primeras armas estudiando con un espantoso profesor de barrio que iba a domicilio y que, pese a sus carencias básicas, me enseñó a sacar los primeros sonidos gratos al oído que mis dedos lograron tañendo las seis cuerdas.

Los años me dieron una preciosa guitarra española de excelente calidad, con la que estudié bajo la férrea conducción de Amílcar Rodríguez Inda, también una excelente Yamaha folk acústica de cuerdas de acero, la Fender Telecaster eléctrica que siempre había soñado, blanca y negra, y recientemente una preciosa guitarra electroacústica de cuerdas de nylon Takamine, con la que he abordado el repertorio de canciones napolitantas tradicionales que he tocado últimamente en homenaje a mis abuelos, mi madre, mi tío y mi esposa, nacidos en la Italia del Sur, y con la que ahora me estoy sumergiendo a diario en el mundo de la bossa nova, intrincado, duro y maravilloso a la vez.

Mi guitarra ha ido mutando, de acústica con cuerdas de nylon a eléctrica con cuerdas de acero, pero siempre siguió siendo la misma: aquella nacida para acompañar mi tránsito vital como lo ha venido haciendo hasta hoy.

En innumerables poemas, canciones, artículos de prensa o libros de todo pelo y señal se ha comparado a la forma de la guitarra con el cuerpo de una mujer. Yo miro mi guitarra y solo veo una guitarra. Nunca pude dejarme seducir por esa comparación.

Lo que sí es cierto es que, como a una mujer, la he amado, acariciado y cuidado con el mayor esmero dentro de mis tal vez no demasiado brillantes habilidades. Pero que lo he intentado, lo he intentado.

Y a pesar de que el piano y los pianistas me siguen fascinando, he aprendido a quedarme bizco ante una vidriera repleta de guitarras. Me sucede en Montevideo del mismo modo en que me ha sucedido en lugares como Buenos Aires, San Pablo, Madrid, Nueva York o Londres.

Miro los teclados pensando en lo que pude haber sido. Pero a las guitarras las miro por lo que soy, por lo que cada día sigo siendo cada vez que hay un tiempito libre, una silla disponible y unas manos predispuestas.

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En este programa: Traveling Wilburys; Gal Costa canta a Jobim; grandes guitarristas uruguayos.

Ecléctico
T01P07
Conduce: Eduardo Rivero
Duración: 47 min.

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Sobre Eduardo Rivero
Periodista y crítico musical, publicista, autor, docente y músico. Integró grupos como Lavanda Elástica y el dúo Galemire-Rivero. Recientemente participó del espectáculo Entre tanos y gallegos, junto a Washington Carrasco y Cristina Fernández. Tiene más de dos décadas de experiencia en radio. Ha conducido, entre otros programas, El submarino amarillo en radio El Espectador y Una noche de locos en CX 26 Sodre. Colaborador de En Perspectiva, es el autor del blog Urquiza esq. Abbey Road en EnPerspectiva.net.

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Mi inolvidable amigo Jorge Galemire, que de guitarras y guitarristas sabía un montón, en un mediodía de almuerzo en su casa puso en mis manos un DVD de alguien a quien yo no conocía llamado John Mayer.

—Mirá esto y después me contás —dijo escuetamente.
—¿Es joven? ¿Es bueno? —pregunté.
—No se puede creer. Tiene menos de 40, es un “songwriter”, pero lo que toca es alucinante —respondió con un gesto que parecía repetir “después me contás”.

Y después le conté, claro, tras el impacto de ver su show en vivo de 2005.

Descubrí a un interesantísimo compositor, un excelente vocalista, con una voz algo aguda con un cierto toque de “negritud” propia de quien ha escuchado mucho rhythm and blues, y un guitarrista tanto acústico como eléctrico de un inmenso virtuosismo y una elegancia excepcional.

Un treintaeñero largo, dicho sea de paso, con cara de adolescente, de esos que hacen suspirar a la platea femenina.

A los de mi generación, tan marcados por los dioses de la guitarra como Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jeff Beck o B.B. King nos encanta descubrir un nuevo dios para agregarlo a ese Olimpo personal tan especial. John Mayer merece largamente formar parte de ese grupo de elegidos.

Con los años me adentré en su discografía y me fui enterando de ciertos pormenores peculiares y hasta pintorescos de una vida más que movida.

Baste decir que las marca de guitarras Fender y Martin han desarrollado modelos de guitarras en su homenaje, que tiene una colección de más de 200 guitarras, que también colecciona relojes de alta gama, que tiene una fundación benéfica llamada Back to You dedicada a fomentar las artes entre los sectores sociales más desfavorecidos, y que fue novio de señoras del nombre y el porte de Jennifer Love-Hewitt, Jessica Simpson, Kate Perry, Taylor Swift y Jennifer Aniston. Mayer, además de notable músico, es un inspirado autor de textos de comedia realizando presentaciones en formato stand up, y como si no bastara con todo eso, ha sido columnista regular en la prestigiosa revista Esquire.

Con una vida tan agitada, no llama la atención que su propia música haya tenido alternativas y saltos estilísticos cambiantes, como en efecto ha ocurrido.

John Mayer nació en la hermosa y aristocrática Bridgeport, estado de Connecticut el 16 de octubre de 1977.
Como tantos niños de su generación, fue alcanzado por el impacto del filme Back to the Future del director Robert Zemeckis, especialmente de la fantástica escena en la que el personaje de Marty McFly toca el clásico de Chuck Berry Johnnie B.Goode con una banda en un baile de la década de 1950. En el momento en que McFly (Michael J. Fox) agrega al tema de Berry un solo de guitarra metalera típico de los 80, John Mayer decidió que sería guitarrista.

Esa decisión se vería impulsada aún más cuando un vecino le obsequió una versión en cassette de audio de uno de los clásicos álbumes del gran Stevie Ray Vaughan. El destino de John estaba ya escrito a partir de allí.

Siendo apenas adolescente completó sus estudios en el Berklee College of Music y formó su primera banda llamada Lo-Fi Masters. No pasó mucho con ese intento inicial, pero al iniciar su carrera solista, sus dos primers discos, Room for Squares (2001) y Heavier Things (2003) ya fueron múltiple platino demostrando que Mayer había llegado para quedarse. En 2003 ganó el primero de sus numerosos premios Grammy en la categoría “Mejor performance vocal pop masculina”.

Esos primeros discos estaban basados en el rock acústico, pero poco después su música tendría un vuelco en dirección al blues, llegando a tocar junto a leyendas del género como B.B.King, Buddy Guy y Eric Clapton.
A la altura de su disco en vivo de 2005 había formado el John Mayer Trio y otra vez dio a su música un giro inesperado con una vuelta al pop marcada por el álbum Battle Studies.

En febrero de 2007 ocupó por primera vez la portada de la revista Rolling Stone, quien lo bautizó como "El nuevo dios de la guitarra" y asimismo como “Slowhand Jr.”, haciendo referencia al clásico apodo “Slowhand” de Eric Clapton.

Si bien John Mayer ha tocado guitarra eléctrica de forma permanente, en lo personal lo prefiero como guitarrista acústico, una modalidad donde parece dominar todos los secretos del instrumento y hasta inventar unos cuantos secretos nuevos.

En 2010 comenzó un período de retiro de la música activa, seguramente potenciado por ciertos duras controversias con medios de prensa por sus declaraciones controversiales. También sufrió en las cuerdas vocales un granuloma, lo que provocó que su regreso a la escena se demorase más de lo pensado.

En 2012 estuvo de nuevo bajo los reflectores y editó Paradise Valley. Seguramente por haberse mudado al hermoso estado de Montana, en el corazón de los EEUU rurales, la música de ese disco muestra fuerte influencia del country and western.

Recientemente, interesado por la música de la legendaria banda de los 60 Grateful Dead, tomó contacto con Bob Weir, miembro fundador de la banda y juntos han llevado adelante una gira mundial titulada Dead and Company que aún se mantiene activa. La gira ha sido notablemente recibida por público y crítica, al punto que la revista Billboard la describió como “mágica”.

Recientemente participó del disco de dúos Partner de Barbra Streisand cantando junto a ella el viejo standard del American Songbook escrito por Harold Arlen y Johnny Mercer: Come Rain or Come Shine. Recomiendo escuchar esa versión que demuestra la vigencia vocal de Streisand pero asimismo la versatilidad de Mayer.

En cualquier momento se anuncia la edición del nuevo disco en el que John Mayer lleva trabajando desde hace más de un año y al que ha definido como “un álbum profundamente personal”. Mientras tanto, sus discos y temas como Love on the Weekend, Your Body is a Wonderland, Heartbreak Warfare, Gravity, Daughters o Who You Love ya forman parte de lo que podríamos llamar “lista de nuevos clásicos” del rock.

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Video: johnmayerVEVO

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Julio Cobelli en el ciclo Autores en Vivo. Crédito: Agadu.

Se puede estudiar guitarra desde muy niño. Aprender lecto-escritura musical y todos los secretos de la técnica. Moldear los huesos y tendones para un desempeño óptimo. Crecer con una guitarra entre las manos y dedicarle horas y horas a perfeccionar su interpretación. Pero aún así eso no garantiza ni de cerca que se llegue a ser lejanamente semejante a Julio Cobelli.

Por Eduardo Rivero ///

Julio Cobelli es de esos guitarristas dueños de un misterioso don, que roza lo indescriptible, que hace que su sonido no se parezca al de ningún otro, que su arte sea tan genuino como conmovedor.

Julio emociona siempre. Y asombra no solo por la agilidad de sus dedos sino por ese lenguaje peculiar que no se aprende en ningún manual y que lo convierte en un músico irrepetible.

Alfredo Zitarrosa, Roberto Goyeneche, Alberto Marino, Eduardo Adrián, Guillermo Fernández, Nelly Omar, Olga Delgrossi, Daniel Cortés, Ledo Urrutia, Elsa Morán, Adriana Lapalma, Aníbal Oberlín, Nancy De Vita, Alberto Rivero, Francisco Falco… y la lista podría seguir. Son solo algunos de los nombres a los que Cobelli acompañó con su guitarra, con su mezcla providencial e intransferible de técnica y oreja, de conservatorio y boliche.

Julio se formó, entre otras maneras, escuchando y escuchando a grandes ejecutantes, una modalidad que muchos autoproclamados grandes guitarristas no han cultivado y por ello se preguntan atónitos como hace Cobelli para tocar así, para sonar así, para ser así.

Aunque ha tocado –y sigue tocando– música folklórica es hoy un ícono indiscutible del tango. Lo es como ejecutante y como docente: decenas de nuevos guitarristas toman clases con él, deseosos de entrenar los dedos, pero sobre todo, de llegar a encontrar cara a cara y capturar a ese ángel huidizo que se esconde siempre dentro de su guitarra.

Si la guitarra clásica uruguaya ocupa un sitial de privilegio en el mundo, con nombres como Eduardo Fernández o Álvaro Pierri, en el territorio de la música popular también nuestros guitarristas son enormemente respetados. Yo lo vi tocar a Cobelli en el Mundial de Tango de Buenos Aires, en agosto de 2010, frente a un auditorio colmado que lo escuchó con reverencia y luego lo premió con una estruendosa ovación.

Julio Cobelli nació el 22 de abril de 1952 en el barrio de Maroñas y se formó en la técnica pero también en los secretos de la guitarra con su padre, el cantor Floro Cobelli, y con el payador Walter Apesteche.

Siendo apenas un adolescente integró el cuarteto de guitarras de Hilario Pérez, otro de los nombres esenciales de la guitarra popular uruguaya. El renombre alcanzado como parte de ese cuarteto derivó en otro trabajo: acompañar al gran Alfredo Zitarrosa.

Cobelli grabó varios discos e hizo giras con Zitarrosa por Uruguay, Argentina, Chile, Brasil y Perú. Eran los años previos al golpe de estado y al amargo exilio que enfrentaría Alfredo.

Lo que seguiría durante décadas –y hasta hoy– es una tremenda carrera donde logró acompañar con su guitarra a figuras rutilantes de ambas márgenes del Río de la Plata. En 1982 cumplió el sueño de grabar junto a su admiradísimo guitarrista argentino Roberto Grela, músico que formó parte de un dúo histórico junto a Aníbal Troilo.

Al producirse el “desexilio” –al decir de Mario Benedetti– de Alfredo Zitarrosa, Cobelli volvió a sumarse a su cuarteto de acompañamiento hasta la muerte del cantor en 1990.

Conforme han pasado los años, a su labor de intérprete magistral ha sumado una igualmente intensa como docente, formando a nuevas generaciones de guitarristas. Entre sus alumnos se encuentran músicos muy destacados como los integrantes del Cuarteto Ricacosa, Nicolás Ibarburu, Guzmán Mendaro y el notable Andrés “Poly” Rodríguez.

Julio es un guitarrista “puero”, es decir que no utiliza todos los dedos de su mano derecha sino una púa o plectro, una técnica decididamente tanguera, que asegura un sonido brillante y con mucho ataque pero que es también endemoniadamente difícil y en la que ha logrado un virtuosismo mayúsculo.

En 2011 realizó talleres de guitarra junto a su colega y amigo Toto Méndez, que también formó parte del cuarteto de acompañantes de Zitarrosa.

En mayo de 2014 presentó el espectáculo Como dos extraños junto a Laura Canoura en la Sala Zitarrosa. Uno más entre decenas y decenas de espectáculos en los que interviene año a año.

Ha grabado cientos de discos acompañando a los más diversos artistas. En esa discografía también hay discos solistas como Al estilo Julio Cobelli de 1992 o Julio Cobelli interpreta a Alfredo Zitarrosa, de 2009.

Tengo la suerte de conocer personalmente a Julio, con quien compartí el viaje al Mundial de Tango de 2010, donde yo iba a cantar junto al Locas Cuerdas Trío (un trío integrado por tres de sus alumnos) y él iba a acompañar a los excelentes cantantes Francisco Falco y Tabaré Leyton.

Charlar sobre tango con Julio es toda una experiencia. Es una de las personas con menos pelos en la lengua que he conocido en mi vida. Sus juicios son de una honestidad absoluta y sin el menor atisbo de lo “políticamente correcto”. Puede ser brutalmente franco y en general lo es. Por lo demás, sabe perfectamente quién es y los puntos que calza y luce por ello algo pagado de sí. A diferencia de otros “pagados de sí” que he conocido, Julio realmente tiene con qué, y entonces uno le perdona esa postura. Julio me contó que Roberto Grela, ya muy veterano, le dijo en 1982: “Empecé a tocar en 1929 y sigo aprendiendo”. Me consta que él opina exactamente lo mismo.

Hace algunos años, en un asado para un puñadito de artistas de tango –Francisco Falco, Tabaré Leyton, Giovanna, Gabriela Morgare– en la casa del inolvidable cantante Aníbal Oberlín, tuve el honor de cantar por única vez acompañado por Cobelli.

—A ver Rivero, cante algo —me dijo sin utilizar el tuteo, como es su costumbre, acomodando su corpachón en la silla.
—¿Que le parece Barrio de Tango de Troilo y Manzi?
—Ah, me parece perfecto… ¿le viene bien en re?

Arranqué sobre los acordes y bordoneos que iba soltando Julio.

“Un pedazo de barrio allá en Pompeya
durmiéndose al costado del terraplén…”

Allí, y en la tonalidad de re mayor, Julio me hizo viajar por el hipnótico encanto de su guitarra, de un virtuosismo pasmoso y un “tanguismo” –si cabe el término– avasallante. Iba en coche. Pero no en cualquier coche. Iba en una Ferrari Testarossa. Una experiencia única. Un guitarrista único.

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Video: Autores En Vivo Agadu Uruguay

Video: Autores En Vivo Agadu Uruguay

Enlaces externos
Linaje tanguero, encuentro con Julio Cobelli, por Débora Quiring, La diaria, 03.06.2016
"Hay que aprender 1.000 tangos para poder tocar 50″, por Alexander Laluz, El Observador, 03.06.2016
"No desprecio ninguna música", entrevista con Julio Cobelli, por Belén Fourment, El País, 24.02.2016

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Foto: Julio Cobelli en el Ciclo Tango de Autores en Vivo, recitales organizados por la Asociación General de Autores del Uruguay (Agadu), Sala Blanca Podestá, 2013. Crédito: s/d de autor/Agadu.

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No voy a olvidar aquel instante. Eric Clapton, de traje blanco y guitarra negra, parado en medio de un enorme escenario contra la tribuna Olímpica del Estadio Centenario, había cantado las primeras estrofas de Pretending y entonces -sublime momento- dio un pasito atrás y soltó las notas iniciales de su primer solo de la noche.

El sonido era enorme, pleno de ataque, con el vibrato excepcional que lograba su muñeca izquierda, y entonces de inmediato comprendimos el porqué de su leyenda. Además nos sorprendió en vivo por su extraordinaria voz.

Aquella fue la primera visita de Clapton a Uruguay, en la primavera de 1990. Algo que difícilmente se repita. Y no por los 71 años de este auténtico dios de la guitarra, sino por la enfermedad que le aqueja y que resulta una seria amenaza de retiro de la música activa.

Hace apenas unas semanas se conoció su neuropatía periférica, que provoca que uno o más nervios periféricos dejen de funcionar, dificultando la movilidad de los miembros y manifestándose a través de dolores en las piernas semejantes a “descargas eléctricas”. El hecho es que no hay actuaciones o giras del artista anunciadas para el futuro inmediato y que su única actividad hoy por hoy es colaborar con un disco de blues que The Rolling Stones editará sobre fin de año.

Por todo esto, es muy posible que I Still Dosea su último disco. Pero de ser así, no significaría para nada una despedida opaca, ya que se trata de un precioso trabajo.

Eric Clapton ha hecho pop, rock, baladas, reggae, soul, pero por sobre todas las cosas es un músico de blues, directamente influido, entre otros, por B.B.King, aún cuando sus solos tienen una digitación mucho más ágil y con mayor número de notas que los de su ídolo.

Intervino, a fines de los 60, en la banda The Yardbirds, pero luego se integró a la movida de blues que sacudía a Inglaterra entonces, como parte de los legendarios John Mayall’s Bluesbreakers. Luego formó el clásico power trio Cream junto a Jack Bruce en bajo y Ginger Baker en batería. Fugazmente, junto a Baker, Stevie Winwood en teclados y Ric Grech en bajo participó del único álbum del llamado “supergrupo” Blind Faith.

Luego fue solista en decenas de álbumes, entre los que se destacan: 461 Ocean Boulevard (1974), que incluía el clásico reggae I Shot the Sheriff; su Unplugged (1992), considerado uno de los mejores álbumes acústicos de esta serie producida por MTV; el álbum de blues From the Cradle (1994); el memorable disco en dúo con B.B.King Riding with the King (2000); Me and Mr. Johnson (2004), dedicado a la obra de uno de sus grandes héroes del blues, Robert Johnson; y el disco en vivo Wynton Marsalis y Eric Clapton Play the Blues (2011) junto al virtuoso trompetista de jazz.

Como muchos grandes músicos de su generación, ha grabado en sus últimos álbumes canciones que simplemente siempre tuvo ganas de grabar y nunca lo hizo, incursionando en estilos previamente impensables como los standards de jazz o las baladas del American Songbook. En este último disco también sucede eso.

Para encarar la concreción de I Still Do convocó al histórico productor Glyn Johns, quien es una leyenda por derecho propio. Johns tiene en su haber álbumes como Sticky Fingers de The Rolling Stones, Who’s Next de The Who, Desperado de The Eagles, y Slowhand del propio Clapton, donde se incluían los mega hits Cocaine y Wonderful Tonight, además de haber participado en la grabación del álbum Let it Be de The Beatles. También produjo discos de Led Zeppelin, Bob Dylan, The Clash y Rod Stewart, entre muchos otros.

Como si el aporte de Glyn Johns no bastara, Clapton convocó para el arte de carátula a Peter Blake, quien diseñó nada menos que la tapa del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles en 1967.

La banda de acompañamiento también incluye a unas cuantas celebridades como Paul Carrack en órgano Hammond, Chris Stainton en teclados y Andy Fairweather Low en guitarra.

El hecho de haber convocado a tantas estrellas indica que Clapton perfectamente podría estar planteando su despedida de los escenarios y estudios de grabación.

I Still Do es el álbum número 23 en la carrera solista del músico y, por derecho propio, un precioso disco si de cerrar una discografía se tratara.

La estupenda voz de Clapton no parece dar cuenta de la enfermedad que lo aqueja. Sigue cantando con la entrega, emoción y “negritud” de siempre. Es posible, sí, que la enfermedad haya limitado sus interpretaciones de guitarra, ya que en este disco hay notoriamente menos solos instrumentales de su parte, aunque los incluidos son tan buenos y plenos de musicalidad como siempre, apenas un poco más “mesurados” en cuanto a duración y digitación.

Dentro de un disco que se disfruta de punta a punta, se destacan en forma particular unos cuantos temas: Alabama Woman Blues; dos de clima bluesero escritos por J.J.Cale, autor de Cocaine y otro de los ídolos de Clapton, Can’t You Let Do It y Somebody’s Knocking; el blues de Robert Johnson Stones in my Passway;  la hermosísima balada I Will Be There; el tema propio Catch the Blues; una estupenda versión del tema de Bob Dylan I Dreamed I Saw Saint.Agustine; y como último track algo muy especial: I’ll Be Seeing You, una tierna balada escrita en 1938 y que en la Segunda Guerra Mundial fuera un auténtico himno de los soldados en el frente de batalla, deseosos de volver a ver a sus seres queridos. Muchos años atrás hubiese sido impensable que Clapton grabase este tema del American Songbook. Pero algo nos dice que este disco perfectamente puede ser su adiós y entonces esa canción es más que coherente.

Eric Clapton ha jerarquizado al rock, su aporte al despegue masivo del blues ha sido fundamental, ha ayudado a lanzar al reggae a nivel mundial y nos ha dado una discografía solista vasta e invariablemente disfrutable. Quienes lo hemos visto en vivo, en el mundo y aquí en sus dos visitas, no podremos olvidar su inmenso carisma y su talento en escena. Ojalá la neuropatía periférica no impida que vuelva, al menos, para otro disco.

Todos tenemos el sueño de que los genios no enfermen ni envejezcan. Y aunque suene ilusorio es así: realmente son eternos y su música, por lo tanto, vivirá por siempre.

I Still Do, de Eric Clapton
Bushbranch Records/Surfdog Records, 2016

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Video: Eric Clapton

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Enlace externo
Eric Clapton, sitio oficial

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Si se le pregunta a un uruguayo cualquiera cuáles son sus canciones favoritas de Gardel, muy posiblemente contestará El dia que me quieras, Volver, Por una cabeza, Cuesta abajo, Amores de estudiante o Mi Buenos Aires querido. Vale decir, los clásicos temas de sus películas –en especial las últimas, filmadas entre 1934 y 1935 en EEUU– en las que canta acompañado por orquesta, en general la dirigida por Terig Tucci.

Los críticos, los “conocedores”, los fanáticos de siempre, aquellos que coleccionan sus discos y siguen fieles al ritual de sintonizar Radio Clarín “en las horas pares”, prefieren por lejos al Gardel acompañado por guitarras en maravillas como Milonga sentimental, Siga el corso, Duelo criollo, Naipe marcado, Muñeca brava o Sueño querido, entre cientos más. Es mi caso, precisamente. Lo prefiero rotundamente en esa modalidad donde despliega su arte milagroso con mayor libertad, jugando con el tiempo, adelantándose o atrasándose repecto al acompañamiento con mayor flexibilidad, sin atarse al marco mucho más rígido de la “gran orquesta”.

Sucede, increíblemente, que el acompañamiento de guitarras gardeliano ha sido objeto de un prejuicio histórico que no ha sido posible vencer. De esa manera, se ha dicho una y otra vez “Gardel canta maravillosamente pero sus guitarristas son muy malos”. Bien: en realidad son muy pero muy buenos. Exhibían imaginación, virtuosismo y un inmenso criterio para seguirle al cantor su viaje interestelar por los universos del talento más asombroso.

Hay una confusión básica: no es lo mismo tocar mal que sonar mal en las grabaciones. La tecnología –o mejor, dicho, sus carencias– ha operado en contra de los seis grandes guitarristas que acompañaron al cantor a lo largo de su carrera. Las grabaciones “acústicas” y luego “eléctricas” de las que han surgido los cientos de discos que existen de Gardel, primitivas, sin profundidad, inmutables a cualquier intento de “ecualización”, realizadas con los músicos y el cantor ubicados en semicírculo delante de un único micrófono o bocina, le hacen por lejos mucho menos justicia al sonido de las guitarras que al de la voz.

Las cuerdas –es cierto– suenan en general flacas, metálicas, ásperas. Pero lo que tocaban esos músicos era guitarrismo puro, muy buenos arreglos, que ejecutaban con flexibilidad y maestría y que, registrados por otro tipo de tecnología hubieran resultado muchísimo más gratos y efectivos.

Ese sonido de las guitarras gardelianas, que llegan a este presente desde grabaciones antediluvianas, le ha restado muchísimo público de las nuevas generaciones, a quienes les cuesta asimilar el hecho de que esa música viene de un tiempo determinado y juega con las reglas de ese tiempo. Lo que importa, como siempre, es la música, y no la tecnología.

Los seis guitarristas que trabajaron con Gardel en grabaciones y giras tuvieron el privilegio de estar codo con codo con un artista fenomenal, un talento único y, aunque el sonido no parece indicarlo, estuvieron a la altura del desafío. No solo fueron grandes intérpretes sino que en la mayoría de los casos también excelentes compositores que nutrieron al repertorio del cantor de grandes y exitosas canciones.

¿Quiénes fueron esos guitarristas? José “El Negro” Ricardo (1888-1937) fue el guitarrista que tocó junto a Gardel desde una fecha más temprana, ya que se inició acompañando al dúo Gardel-Razzano en 1916. Una vez que Gardel inició su carrera solista siguió junto a él hasta 1929, cumpliendo entonces 13 años a su lado. Se alejó intempestivamente del cantor mientras cumplían una temporada en el teatro Avenida de Madrid. Ricardo era un ejecutante muy completo y un inspirado compositor. Gardel grabaría once composiciones de su autoría, entre las que están Margot y la célebre Pobre gallo bataraz.

Guillermo Barbieri, “el Barba” según le decía el cantor, nacido en 1884 y muerto en el trágico accidente de Medellin el 24 de junio de 1935, es el guitarrista que más tiempo permaneció junto al artista: 14 años. Fue padre del célebre actor cómico Alfredo Barbieri y abuelo de la vedette Carmen Barbieri. El dúo Gardel-Razzano lo descubrió en la ciudad de Lincoln, provincia de Buenos Aires. Se inició como segunda guitarra de José Ricardo. Era el típico acompañante sobrio y sólido, pero el rubro en el que realmente se destacó fue la composición. Gardel le grabó nada menos que 32 autorías, entre ellas enormes clásicos del repertorio del cantor como Anclao en Paris, Viejo smoking, Barrio reo, El que atrasó el reloj, Preparate pa’l domingo y el vals Rosas de otoño.

José María “Indio” Aguilar fue el único uruguayo que acompañó a Gardel. Había nacido en la calle 19 de Abril de Montevideo en 1891 y murió recién en 1951 a causa de un accidente de tránsito, tras haber sobrevivido a la catástrofe de Medellín. Le decían “Indio” por su carácter áspero, que lo llevó a tener muchísimos entredichos con el cantante, que siempre fueron solucionados porque Gardel lo consideraba un músico fundamental por su notable talento guitarrístico. Fue el único de los seis guitarristas que basaba su interpretación en el uso de la púa o “plectro”, lo que le daba un sonido claro y poderoso. Para muchos fue su mejor guitarrista. Aguilar se incorporó al grupo de Gardel en 1928, luego de haber sido acompañante de uno de los rivales del cantor, Ignacio Corsini.
Si bien sobrevivió al accidente aéreo en el que murió Gardel, a causa del mismo quedó prácticamente ciego.
Su aporte como autor es también muy importante. Gardel le grabó once temas. Son suyos clásicos como Al mundo le falta un tornillo, Tengo miedo, Lloró como una mujer y el hermoso vals Añoranzas.

Angel Domingo Riverol, nacido en 1893 y muerto en Medellín apenas dos días después del accidente aéreo, del que había sobrevivido con gravísimas quemaduras, conformó un histórico trio junto a Barbieri y Aguilar. Ingresó al grupo del cantor en 1930, poco después del alejamiento de José Ricardo. Fue uno de los más destacados guitarristas de Gardel

Julio Vivas (1895-1952) estuvo junto a Gardel entre setiembre de 1931 y noviembre de 1933. Una curiosidad es que se desempeñó como bandoneonista de la orquesta de Julio de Caro hasta que, reclutado por Guillermo Barbieri, decidió volver a la guitarra para acompañar a Gardel.

Horacio Pettorosi (1896-1960) estuvo con Gardel apenas meses, en 1933, año de la última actuación del cantor en suelo uruguayo, donde, entre otros lugares, realizó la histórica audición en los estudios de CX 16 Radio Carve. Pese a su breve convivencia con el artista, hizo numerosas presentaciones y grabaciones integrando un memorable cuarteto junto a Barbieri, Riverol y Vivas. Participó del registro del tango Madame Ivonne, último del cantor en Buenos Aires.

Como fanático de Gardel, como músico y guitarrista, me resisto a que persista el mito de los “malos guitarristas” que acompañaron al ídolo y máximo cantante de habla hispana de todos los tiempos. El lugar común dice que Gardel cada día canta mejor. Yo diría, sin miedo al error, que sus seis grandes guitarristas cada día lo acompañan mejor.

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“Dicen que tocando la guitarra soy Dios. Y yo lo único que hice fue imitar a B.B.King”
Eric Clapton

 
El 14 de mayo de 2015 se fue B.B.King, posiblemente el “rey del blues”, uno de los intérpretes claves de esa corriente y a la vez uno de los puentes más robustos y perdurables entre el mundo de la música negra y el universo pop blanco.

Se podrá argumentar que bluesero auténtico fue Robert Johnson, o que Buddy Guy –y un montón más– toca con mayor virtuosismo, pero lo cierto es que el guitarrista de blues más célebre de la historia, el que sacó al blues del gueto en que históricamente estaba encerrado y el que produjo la célebre movida del “blue eyes blues” en la Inglaterra de fines de los años 60 fue B.B. King.

La frase de Eric Clapton en el epígrafe de esta nota ya lo dice todo, pero yo agregaría las palabras del gran trompetista de jazz Miles Davis hablando del inmenso Louis Armstrong: “Louis no tocaba todas las notas sino únicamente las mejores”. Así tocaba B.B. King como lo testimonia su vastísima discografía y como podemos dar fe quienes tuvimos la inmensa dicha de estar en alguno de sus shows en vivo.

Tocaba solos maravillosos construidos con poquitas notas pero puestas donde nadie más las pondría, expresivos silencios que solo él era capaz de pilotear, y cuerdas súbitamente estiradas que chillaban y aullaban con todo el dolor de una raza. Pero atención que su lectura del blues no era únicamente dramática y plañidera; también había lugar para la alegría, el baile y los ritmos picaditos y vertiginosos. Su banda, siempre numerosa, siempre con un afiatado sector de vientos, era una locomotora en marcha incontenible y también protagonista central del espectáculo.

Recuerdo con claridad que estuvo en Uruguay cuatro veces, todas en la década de los 90, y la nitidez de mi recuerdo se debe a que de esas cuatro estuve presente en tres, todas en el Cine Plaza, a partir de la primera, en octubre de 1992. El Plaza estaba lleno de bote a bote aquella primera vez y flotaba en el aire la expectativa de las grandes ocasiones, cuando la banda arrancó con algunos standards de jazz pulcramente tocados. Un tema seguía al otro y de B.B. nada, hasta que más de media hora después de iniciado el show, apareció sobre el escenario con su legendaria Gibson 335 negra, a la que llamaba “Lucille”, y enfundado en un saco de lentejueles y solapas gruesamente ribeteadas, que era casi la caricatura del más rancio show business.

Gordísimo y torpe en sus movimientos, se acercó al borde del escenario y empezó a repartir entre el público que se aproximó a velocidad de rayo, el más preciado souvenir: púas de plástico con su nombre en tinta plateada. Regaló decenas de púas mientra la banda seguía tocando sin mayor entusiasmo y el trompetista aullaba al micrófono: “Here he is… Mr. B.B. King… King of the blues!”.

—Qué circo todo esto —pensé bastante molesto—. Qué gordo demagogo este…

Olvidaba que en mi adolescencia adoré su notable disco Completely Well. Olvidaba de quién se trataba. Cuando la última púa fue regalada, se acomodó la guitarra y se acercó al micrófono. En una movida tan súbita como un gancho al mentón de un campeón mundial de boxeo peso pesado, la banda cobró vida, el volumen de la música se disparó y el gordo enfundado en el saco ridículo pegó las primeras tres o cuatro notas en su guitarra con un sonido inmenso, ciclópeo, delicioso y que surgía de esa zona indescriptible donde las palabras son una pobrísima herramienta para describir la emoción. Su muñeca izquierda vibraba como si tuviese un resorte, dándole a esas notas largas y exquisitas un vibrato maravilloso que yo jamás había visto lograr a guitarrista alguno.

Pero había más: en ese momento el montevideanísimo Cine Plaza se transformó en un club de música negra de New Orleans o Chicago y esa metamorfosis era arrolladora. Y había aún más: tras el solo inicial y la banda estallando detrás suyo, se lanzó cantar con una voz poderosa como un huracán, hermosamente bluesera, conmovedoramente negra.

Ese sortilegio duraría unas dos horas y provocaría adicción. De allí los tres shows al hilo –en las tres giras al hilo por Sudamérica– a los que yo acudiría con la unción de quien va a misa. En esos shows tocó todos sus temas célebres: Three O’Clock Blues, Rock Me Baby, Paying the Cost to Be the Boss, Help the Poor y, por supuesto, su mayor hit y tema que unió dos razas: The Thrill Is Gone, revolucionario en su versión en disco por llevar un sorprendente arreglo de cuerdas, algo nuevo en el mundo del blues.

Riley Ben King nació el 16 de setiembre de 1925 en Itta Bena, Mississippi. Muy joven ya formó su numerosa banda con la que recorrería el mundo una y otra vez incansablemente. Nunca fue un gran vendedor de discos pero sí la figura más influyente en la historia del blues por lejos. A fines de los 60, hombre inteligente, advirtió que se estaba gestando una nueva movida en el mundo del rock, y entonces ensanchó sus horizontes y comenzó a compartir escenarios con nuevos talentos como Carlos Santana, Leon Russell o Jimi Hendrix, y del otro lado del Atlántico, guitarristas notables como Eric Clapton, Peter Green (de Fleetwood Mac) o Jeff Beck. Su contacto con esos músicos emergentes, que lo idolatraban, lo convirtió hasta su muerte en una auténtica leyenda viva.

Sería imposible comentar en detalle su enorme discografía en esta nota, pero a modo de recomendación al lector me permito mencionar discos gloriosos como Completely Well (1969) –que incluye The Thrill Is Gone–; Indianola Mississippi Seeds (1970); B.B. King In London (1971); Take It Home (1979); Deuces Wild (1997), un soberbio disco de dúos, donde entre otros toca con Joe Cocker y con los mismísimos The Rolling Stones; Blues On the Bayou (1998), uno de sus mejores trabajos; Let the Good Times Roll (1999), dedicado a la música de uno de sus ídolos, Louis Jordan; el espectacular disco a dúo con Eric Clapton, Riding With the King (2000); y los otoñales pero no por eso menos exquisitos Reflections (2003) y One Kind Favor (2008).

Ya no estará B.B. King en el escenario del Cine Plaza para tanto montevideano asombro. Pero en su caso –y en el de otros igualmente grandes– la muerte es apenas un torpe error de imprenta. Aquí y en el mundo es fácil comprobar que no se ha ido, porque no lo hemos dejado irse.

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Video: BBKingVEVO

Video: BBKingVEVO

Video: Mississippi Public Broadcasting

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B.B. King, sitio oficial

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