Presenta: Banco República, nuestro banco país

Apoya: Cuadrería Aquarela

Esta semana exhibimos obras de Gustavo Talento:

Cuadro en el estudio:

Título:  Mi casa en el cabo polonio
Técnica: mixta, composición abstracta a partir de marca en placa de melamínico; madera, cartón, chapas, malla, alambre y resina
Medidas: 68 x 60 cm
Año: 2026

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Gustavo Talento nació en 1968. Los ambientes playeros dejaron una fuerte marca en él, en especial Punta Piedras y Lagomar; lugares distantes y diferentes donde respiraba libertad y felicidad. Allí encontraba no solo los materiales para crear, sino también a sus referentes familiares, constructores y creativos que, desde la nada, transformaban elementos en formas e imágenes.

Posteriormente, abrió puertas en mundos laborales vinculados a la administración y las finanzas. No obstante, su interés por componer formas y el hábito de recoger objetos abandonados se mantuvo presente. Hacia el 2012, comenzó a sentir que lograba una armonía estética merecedora de ser mostrada fuera de su casa y, en 2022, decidió dedicarse por entero a la creación.

Desde el inicio, la madera ha sido el medio recurrente en sus obras. Utiliza piezas de orígenes diversos, abandonadas e impregnadas de historias desconocidas. Al reciclarlas, les otorga una nueva vida y las integra en formas nuevas.

Sus obras son expresiones mayoritariamente abstractas que buscan generar recorridos visuales entre volúmenes, colores y texturas. Desde 2012, ha participado en diversas muestras colectivas y fue distinguido con el primer premio en el concurso por los 100 años del Sindicato Médico del Uruguay por su obra “1920”.

Actualmente, su taller se encuentra en el Bosque de Portezuelo, Punta del Este; un entorno rodeado de naturaleza que inspira y alimenta su proceso creativo.

Sobre su obra:

Construye con objetos de madera en desuso, piezas que encuentra y selecciona por su presencia, textura y potencial expresivo. De origen generalmente desconocido, en sus formas y desgaste hay algo que le emociona e invita a la transformación. En su taller, esas maderas comienzan un nuevo recorrido; las interviene con cortes particularmente imperfectos y aplicaciones de color que no buscan cubrir, sino dialogar con lo que ya traen impreso.

Sobre su proceso creativo, la imperfección es parte del lenguaje, y el color, una herramienta para revelar lo oculto o resaltar lo propio de cada fragmento. A estas intervenciones se suman el collage con papeles y cartones, que aportan capas, ritmos y texturas adicionales, y en ocasiones el uso de alambres, que conectan, tensan o irrumpen en el espacio, ampliando el universo matérico y expresivo de cada obra.

Para él crear con maderas es reencontrarse con el juego, con la intuición y con la posibilidad de dar nueva vida a lo descartado. Es un acto de atención y presencia, donde lo olvidado se convierte en forma y expresión. Cada obra propone un recorrido visual entre planos, volúmenes y texturas, generando una experiencia abstracta pero cercana.

La entrada Presentamos las obras de Gustavo Talento: nuevas etapas creativas entre lo abstracto y lo lúdico se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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En este encuentro conversamos sobre la gestión detrás de las ferias de arte y los desafíos que enfrentan los artistas a la hora de mostrar su trabajo. De esta manera, exploramos cómo las ferias de contacto directo y las fotogalerías a cielo abierto han logrado romper la "barrera" de los espacios tradicionales. Permitiendo que el público se encuentre con el arte de forma cotidiana.

Asimismo, abordamos el crecimiento de propuestas como Proyecto Arte, que apuesta al vínculo entre el artista y el público, y la labor del Centro de Fotografía de Montevideo (CdF) en la profesionalización y democratización del acceso a la imagen en los barrios. Además, discutimos el rol de las redes sociales como vidriera, la importancia de la mediación cultural y cómo estas nuevas dinámicas están transformando la manera en que los uruguayos consumen y se relacionan con las artes visuales.

Para hablar sobre el tema nos acompañan Olga Armand Ugón, creadora y directora de la feria Proyecto Arte; y Daniel Sosa, director del Centro de Fotografía de Montevideo (CdF).

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Gustavo Talento

Cuadro en el estudio:

Título: Mi casa en el cabo polonio
Técnica: Mixta. Composición abstracta a partir de marca en placa de melamínico; madera cartón, chapas, malla, alambre y resina

Medidas: 68 x 60 cm
Año: 2026

La entrada Ferias de arte y espacios no convencionales de exhibición junto a Olga Armand Ugón y Daniel Sosa se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Federico Butler:

Cuadro en el estudio:

Título:  Identidad Pasajera 
Técnica: Mixta y collage digital
Medidas: 103 x 70 cm
Año: 2026

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Federico Butler es Artista Visual y Diseñador Gráfico. Su trayectoria comenzó en el mundo de las agencias de publicidad y  hace más de 20 años tiene su propio estudio de diseño. Es docente de Arte y Comunicación Visual en Bachillerato Artístico y dicta  talleres de pintura tradicional y arte digital en su propio Atelier.

Se especializó en pintura digital y ha dedicado más de una década a la investigación de esta disciplina. Fue organizador y panelista del 1er Congreso de Arte Digital en Uruguay (2023), además de realizar diversas muestras performáticas de pintura digital en vivo. 

A lo largo de su carrera, ha participado en ferias internacionales y múltiples muestras (individuales y colectivas) en Montevideo y el interior del país, explorando la abstracción y la figura humana. Se formó en la  UTU, Bellas Artes y participó muchos años en talleres particulares.

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Sobre su obra:

En su proceso de creación, el artista explora la convergencia entre los mundos físico y digital a través de técnicas mixtas que combinan acrílicos, tintas, pasteles y collage con pintura digital. Su enfoque se centra en las fronteras difusas entre lo real y lo virtual, lo físico y lo digital, razón por la cual ha desarrollado el concepto de "Arte Físgital". Esta propuesta resalta la dualidad entre lo tangible y lo intangible, investigando cómo estas dimensiones se entrelazan para dar lugar a nuevas realidades.

Transversalmente a toda su obra, aparece el concepto del "trabajo en capas". Para el artista, no somos seres planos, sino una acumulación de historias y experiencias que ocurren tanto en lo tangible como en lo digital. En sus piezas explora cómo nuestra memoria actual es híbrida: guardamos nuestros afectos en dispositivos mientras habitamos el mundo con el cuerpo. De este modo, la capa física representa la raíz y el rastro del gesto humano, mientras que la capa digital expande esa realidad hacia lo que no podemos tocar, pero sentimos como propio.

Define su proceso como una arqueología de la identidad contemporánea. Al superponer estas capas, busca revelar que nuestra esencia ya no distingue fronteras. Bajo su visión, somos esa mezcla: un relato que se escribe con las manos y se preserva en la red, una memoria que late en dos planos a la vez.

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La semana pasada

Cuadro en el estudio:

Nombre: Solo sus Manos

Técnica: Pintura Digital

Medidas: 100 x 70 cm

Año: 2023

La entrada Presentamos las obras de Federico Butler: capas, identidad contemporánea y el arte "físgital" se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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En este encuentro abordamos la figura del curador y su rol fundamental en la construcción de relatos expositivos hoy. Conversamos sobre cómo esta tarea ha evolucionado desde el oficio tradicional de cuidado y conservación hacia una práctica que acompaña el proceso creativo, y a su vez permite organizar y dar sentido a lo que el público observa en una muestra de arte.

Además reflexionamos sobre las diferencias entre curaduría y gestión cultural, los tipos de exposiciones que requieren una mirada curatorial y el vínculo —a veces cercano, a veces estrictamente profesional— con los artistas.

Para hablar sobre el tema nos acompañan Enrique Aguerre, artista, curador, exdirector del Museo Nacional de Artes Visuales; y Roxana Pallotta, directora del Espacio Cultural Edificio Artigas, gestora y
consultora de arte.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Federico Butler

Cuadro en el estudio:

Título:  Solo sus Manos
Técnica: Pintura digital
Año: 2023

La entrada ¿Cómo se construye el relato de una exposición? Diálogos sobre el rol del curador junto a Enrique Aguerre y Roxana Pallotta se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Analía Alfano:

Cuadro en el estudio:

Título:  Ocaso II 
Técnica: Óleo sobre lienzo 
Medidas: 70 x 90 cm
Año: 2026

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Analía Alfano se formó en los talleres de Sisto Pascale y Fernando Fraga, y cursó estudios de Diseño Gráfico en la Universidad ORT de Montevideo, además de realizar talleres en la Escola de Arte Da Vinci de Barcelona.

Su trabajo se desarrolla principalmente en pintura al óleo y acuarela, técnicas con las que ha participado en exposiciones y ferias de arte en Uruguay, Argentina, Brasil y Francia, entre ellas, Art Shopping en el Carrousel du Louvre de París, BADA Feria de Arte en Buenos Aires y Proyecto Arte en Montevideo.

Su obra fue seleccionada como semifinalista en The Almenara Art Prize 2024|25 en Córdoba y en el Target Prize 2025 en Madrid.

Sobre su obra:

En su propuesta, la paleta y la técnica trabajan en conjunto para transmitir una calma interior y una luz que busca reflejar en cada pieza. A través de su arte, Alfano invita al espectador a detenerse, respirar y conectarse con la belleza simple de la naturaleza y sus propios sentimientos.

Siempre le interesó la figura humana y en sus comienzos trabajó sobre la tercera edad y más recientemente con la figura femenina, tanto en óleo como en acuarela. En la serie "Luces", la figura y el agua dialogan de forma constante, el mar deja de ser un simple escenario para convertirse en un espejo imperfecto que refleja y transforma a la vez. A través de ondulaciones, distorsiones y transparencias, la imagen se vuelve inestable y emocional.

Su técnica se basa en capas sutiles, veladuras y gestos contenidos, existe en su trabajo una tensión entre el control y la fluidez que refuerza la idea de transformación. Las figuras femeninas que emergen sin disolverse parecen atravesar el agua como un estado, más que como un lugar físico. En esa transición, lo imperfecto y lo alterado se vuelven reveladores, funcionando como una forma de cuestionar la belleza establecida para dejar aparecer algo más verdadero e íntimo.

La entrada Presentamos las obras de Analía Alfano: el agua como reflejo y distorsión en la serie "Luces" se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

Entre la intuición y el trabajo consciente, describe su método como una insistencia paciente: grabar, probar, descartar, hasta que “aparece algo” y se abre un camino. El disco, pensado como una unidad, propone una experiencia continua donde los silencios, las transiciones y el clima son tan importantes como las canciones.

La invitación es simple: frenar, escuchar el disco de principio a fin y dejarse llevar por ese recorrido que va, justamente, de la sombra hacia la luz.

La entrada “Para mí componer es bajar data”: Juanma Cayota y su viaje de la sombra a la luz en Vámonos al Sol su segundo disco se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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 “La Conversación” con Daniela Bluth se renueva. A partir de este año, cada artista seleccionado protagonizará el ciclo durante dos semanas, compartiendo su obra con la audiencia durante más tiempo.

El ciclo alternará semanas de mesas temáticas, dedicadas a reflexionar sobre el universo de las artes plásticas, con la entrevista central al artista en estudio, donde seguiremos profundizando sobre su recorrido.

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En esta primera mesa temática abordamos el rol del taller como lugar de inspiración y refugio así como espacio colectivo para experimentar, equivocarse y aprender.

Nos acompañan los artistas Magdalena Díaz y Emilio Bolinches quienes coincidieron en que el taller no es solo un sitio de producción, sino un espacio colectivo, que cuando la inspiración falla, el simple acto de "barrer" puede ser el motor para reencontrarse con la creación.  A través de la charla, descubrimos cómo el espacio físico moldea directamente la obra: desde el entorno natural y los tres niveles del taller de Magdalena hasta la exposición constante al asfalto de Ciudad Vieja en el caso de Emilio.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Analía Alfano

Cuadro en el estudio:

Título:  Ocaso II
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 70 x 90 cm
Año: 2026

La entrada Donde nace la obra: el taller como refugio y laboratorio creativo junto a Emilio Bolinches y Magdalena Díaz se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Martín Boidi

Cuadro en el estudio:

Título:  Iäka
Técnica: Mixta y acrílico en tabla
Medidas: 90 x 83 cm
Año: 2025

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Martín Boidi es artista plástico y diseñador nacido en Canelones. Su obra nace en un territorio que descubre antes de empezar a dibujar: manchas, sombras, líneas sueltas que hablan y aprendió a escuchar desde su adolescencia hasta revelar figuras. Historias esperando ser encontradas.

Se formó en la Escuela “Dr. Pedro Figari” que le brindó un lenguaje técnico amplio: pintura, escultura, serigrafía, dibujo. Más tarde incorporó el diseño gráfico y hoy se forma como docente en Comunicación Visual.

Sus primeros trabajos dialogaron con la música y con lo urbano: tapas de discos, afiches, flyers que hablaban de adolescencias intensas, introspecciones y paisajes nocturnos. Con el tiempo, la obra se volvió más orgánica, más matérico–poética: relieves, fibras, telas, maderas, pigmentos que construyen territorios propios.

Actualmente desarrolla “Sueños de la Tierra”, un proyecto donde la memoria ancestral, el paisaje interior y el Surrealismo Latinoamericano se entrelazan.

Sobre su obra:

Como artista,  su trabajo es una mezcla de sueños y naturaleza. Desde una perspectiva visual le interesa la energía de la tierra: sus raíces, el agua que corre, las capas de suelo que no vemos.

Su objetivo está en pintar paisajes como se sienten y no tal cual son. Con colores fuertes y muchas líneas curvas crea una especie de mapa emocional. En su serie “Sueños de la Tierra", conecta esto con algo más profundo: la memoria de nuestros pueblos originarios (Charrúa, Minuana, Guenoa). No desde la ilustración histórica, sino buscando “energía antigua que todavía vibra bajo nuestros pies”.

Sus cuadros son territorios vivos, le gusta pensar que invitan a perderse un rato en ellos y conectar con esa historia que la tierra todavía nos está contando.

La entrada Historias que esperan ser encontradas: Presentamos las obras de Martín Boidi se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Angelina de la Quintana.

Cuadro en el estudio:

Título: Pisando tierra
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 80 x 100 cm
Año: 2018

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Angelina de la Quintana nace en Montevideo en 1935, hija de Dionisio de la Quintana y Angelina Casaretto. Su infancia y adolescencia transcurren en la ciudad de San José de Mayo, donde se dan sus inicios en la pintura de la mano del maestro Dumas Oroño. En 1951 ingresa al Taller Torres García, donde sucesivamente sigue las enseñanzas de Augusto Torres y Horacio Torres, José Gurvch, Julio Alpuy y Francisco Matto Vilaró.

En cerámica trabajó bajo la dirección de Josep Collell. Paralelamente a su trayectoria en la pintura, a partir de 1962 y hasta 1973 ejerce la docencia como profesora de pintura y dibujo en enseñanza media.

A lo largo de su carrera realizó exposiciones individuales y colectivas en Austria, España, Francia, Japón, Perú y Uruguay. Las pinturas de Angelina de la Quintana forman parte del acervo del Museo Gurvich, del Museo Blanes de Montevideo, de los Ayuntamientos de Barcelona y de Viena, y se encuentran en diversas colecciones privadas.

En 1973 se traslada con su familia a Europa, viviendo etapas en Alemania y España. Actualmente vive en Viena, Austria, donde radica hace décadas.

Sobre su obra:

La obra de la artista no responde a la progresión lineal, para constituirse como un flujo de recurrencias. En lugar de etapas cronológicas, su producción propone un diálogo entre lo abstracto y lo figurativo, donde paisajes, ciudades y figuras humanas reaparecen constantemente. En un ir y venir que permite visitar los mismos motivos desde nuevas posiciones y lenguajes. Entre este conjunto de presencias en tránsito se destacan las figuras que la artista denomina "migrantes", que se inspiran en su propio desplazamiento entre Uruguay y Europa.

La entrada Presentamos las obras de Angelina de la Quintana junto a la curadora de su más reciente exposición: “Lenguajes en tránsito: una obra abierta”  se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Alceu Ribeiro.

Cuadro en el estudio:

Título: Abstracción y/o Algún día saldrá sol
Técnica: Acrílico sobre tela
Medidas: 108 x 78 cm
Año: junio de 2013

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Alceu Ribeiro nace en Artigas donde vive hasta sus 19 años. Junto con su hermano Edgardo llegan becados a Montevideo en 1939, ingresando en el Taller Torres García, donde permanece hasta 1949, año de la muerte de su maestro. Recibe una sólida formación pictórica, de la práctica a la teórica, que lo adentra en el Universalismo Constructivo, al cual permanece fiel -como referente principal- durante toda su vida.

Participa en las actividades del taller, así como en Salones Nacionales y Municipales, donde obtiene varios premios. En 1949 funda su taller “El Molino”, donde pinta, enseña y tiene una rica actividad cultural. Dirige el taller hasta 1963. Pinta en las quintas de Mendizábal junto con Augusto Torres y Gonzalo Fonseca, entre la década de 1940 y 1950 aproximadamente.

En 1942 hace un viaje educativo a Perú y Bolivia junto con los hermanos Augusto y Horacio Torres. Dos años después pinta un mural en el Hospital Saint Bois, junto con su maestro y sus compañeros de taller.

Sobre su obra:

La obra que expuesta en el estudio refleja la prolongada elaboración personal del constructivismo. Es una estructura donde algunos elementos, aún anónimos, colaboran con el equilibrio de la obra abstracta. Luego vemos que algunos elementos adquieren un significado verbal, motivados por un hecho circunstancial (días nublados).

Lo sorprendente es que en la estructura, esas palabras adquieren un significado más amplio relacionados con la esperanza, la tranquilidad de espíritu y el seguir trabajando con entusiasmo. Esta obra fue pintada a cinco meses de su muerte.

La entrada Presentamos las obras de Alceu Ribeiro, unos de los referentes del Taller Torres García. Con su hijo, Diego Ribeiro y Lucio Cáceres se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.