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Esta semana exhibimos obras de Analía Alfano:

Cuadro en el estudio:

Título:  Ocaso II 
Técnica: Óleo sobre lienzo 
Medidas: 70 x 90 cm
Año: 2026

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Analía Alfano se formó en los talleres de Sisto Pascale y Fernando Fraga, y cursó estudios de Diseño Gráfico en la Universidad ORT de Montevideo, además de realizar talleres en la Escola de Arte Da Vinci de Barcelona.

Su trabajo se desarrolla principalmente en pintura al óleo y acuarela, técnicas con las que ha participado en exposiciones y ferias de arte en Uruguay, Argentina, Brasil y Francia, entre ellas, Art Shopping en el Carrousel du Louvre de París, BADA Feria de Arte en Buenos Aires y Proyecto Arte en Montevideo.

Su obra fue seleccionada como semifinalista en The Almenara Art Prize 2024|25 en Córdoba y en el Target Prize 2025 en Madrid.

Sobre su obra:

En su propuesta, la paleta y la técnica trabajan en conjunto para transmitir una calma interior y una luz que busca reflejar en cada pieza. A través de su arte, Alfano invita al espectador a detenerse, respirar y conectarse con la belleza simple de la naturaleza y sus propios sentimientos.

Siempre le interesó la figura humana y en sus comienzos trabajó sobre la tercera edad y más recientemente con la figura femenina, tanto en óleo como en acuarela. En la serie "Luces", la figura y el agua dialogan de forma constante, el mar deja de ser un simple escenario para convertirse en un espejo imperfecto que refleja y transforma a la vez. A través de ondulaciones, distorsiones y transparencias, la imagen se vuelve inestable y emocional.

Su técnica se basa en capas sutiles, veladuras y gestos contenidos, existe en su trabajo una tensión entre el control y la fluidez que refuerza la idea de transformación. Las figuras femeninas que emergen sin disolverse parecen atravesar el agua como un estado, más que como un lugar físico. En esa transición, lo imperfecto y lo alterado se vuelven reveladores, funcionando como una forma de cuestionar la belleza establecida para dejar aparecer algo más verdadero e íntimo.

La entrada Presentamos las obras de Analía Alfano: el agua como reflejo y distorsión en la serie "Luces" se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

Entre la intuición y el trabajo consciente, describe su método como una insistencia paciente: grabar, probar, descartar, hasta que “aparece algo” y se abre un camino. El disco, pensado como una unidad, propone una experiencia continua donde los silencios, las transiciones y el clima son tan importantes como las canciones.

La invitación es simple: frenar, escuchar el disco de principio a fin y dejarse llevar por ese recorrido que va, justamente, de la sombra hacia la luz.

La entrada “Para mí componer es bajar data”: Juanma Cayota y su viaje de la sombra a la luz en Vámonos al Sol su segundo disco se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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 “La Conversación” con Daniela Bluth se renueva. A partir de este año, cada artista seleccionado protagonizará el ciclo durante dos semanas, compartiendo su obra con la audiencia durante más tiempo.

El ciclo alternará semanas de mesas temáticas, dedicadas a reflexionar sobre el universo de las artes plásticas, con la entrevista central al artista en estudio, donde seguiremos profundizando sobre su recorrido.

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En esta primera mesa temática abordamos el rol del taller como lugar de inspiración y refugio así como espacio colectivo para experimentar, equivocarse y aprender.

Nos acompañan los artistas Magdalena Díaz y Emilio Bolinches quienes coincidieron en que el taller no es solo un sitio de producción, sino un espacio colectivo, que cuando la inspiración falla, el simple acto de "barrer" puede ser el motor para reencontrarse con la creación.  A través de la charla, descubrimos cómo el espacio físico moldea directamente la obra: desde el entorno natural y los tres niveles del taller de Magdalena hasta la exposición constante al asfalto de Ciudad Vieja en el caso de Emilio.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Analía Alfano

Cuadro en el estudio:

Título:  Ocaso II
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 70 x 90 cm
Año: 2026

La entrada Donde nace la obra: el taller como refugio y laboratorio creativo junto a Emilio Bolinches y Magdalena Díaz se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Martín Boidi

Cuadro en el estudio:

Título:  Iäka
Técnica: Mixta y acrílico en tabla
Medidas: 90 x 83 cm
Año: 2025

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Martín Boidi es artista plástico y diseñador nacido en Canelones. Su obra nace en un territorio que descubre antes de empezar a dibujar: manchas, sombras, líneas sueltas que hablan y aprendió a escuchar desde su adolescencia hasta revelar figuras. Historias esperando ser encontradas.

Se formó en la Escuela “Dr. Pedro Figari” que le brindó un lenguaje técnico amplio: pintura, escultura, serigrafía, dibujo. Más tarde incorporó el diseño gráfico y hoy se forma como docente en Comunicación Visual.

Sus primeros trabajos dialogaron con la música y con lo urbano: tapas de discos, afiches, flyers que hablaban de adolescencias intensas, introspecciones y paisajes nocturnos. Con el tiempo, la obra se volvió más orgánica, más matérico–poética: relieves, fibras, telas, maderas, pigmentos que construyen territorios propios.

Actualmente desarrolla “Sueños de la Tierra”, un proyecto donde la memoria ancestral, el paisaje interior y el Surrealismo Latinoamericano se entrelazan.

Sobre su obra:

Como artista,  su trabajo es una mezcla de sueños y naturaleza. Desde una perspectiva visual le interesa la energía de la tierra: sus raíces, el agua que corre, las capas de suelo que no vemos.

Su objetivo está en pintar paisajes como se sienten y no tal cual son. Con colores fuertes y muchas líneas curvas crea una especie de mapa emocional. En su serie “Sueños de la Tierra", conecta esto con algo más profundo: la memoria de nuestros pueblos originarios (Charrúa, Minuana, Guenoa). No desde la ilustración histórica, sino buscando “energía antigua que todavía vibra bajo nuestros pies”.

Sus cuadros son territorios vivos, le gusta pensar que invitan a perderse un rato en ellos y conectar con esa historia que la tierra todavía nos está contando.

La entrada Historias que esperan ser encontradas: Presentamos las obras de Martín Boidi se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Angelina de la Quintana.

Cuadro en el estudio:

Título: Pisando tierra
Técnica: Óleo sobre tela
Medidas: 80 x 100 cm
Año: 2018

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Angelina de la Quintana nace en Montevideo en 1935, hija de Dionisio de la Quintana y Angelina Casaretto. Su infancia y adolescencia transcurren en la ciudad de San José de Mayo, donde se dan sus inicios en la pintura de la mano del maestro Dumas Oroño. En 1951 ingresa al Taller Torres García, donde sucesivamente sigue las enseñanzas de Augusto Torres y Horacio Torres, José Gurvch, Julio Alpuy y Francisco Matto Vilaró.

En cerámica trabajó bajo la dirección de Josep Collell. Paralelamente a su trayectoria en la pintura, a partir de 1962 y hasta 1973 ejerce la docencia como profesora de pintura y dibujo en enseñanza media.

A lo largo de su carrera realizó exposiciones individuales y colectivas en Austria, España, Francia, Japón, Perú y Uruguay. Las pinturas de Angelina de la Quintana forman parte del acervo del Museo Gurvich, del Museo Blanes de Montevideo, de los Ayuntamientos de Barcelona y de Viena, y se encuentran en diversas colecciones privadas.

En 1973 se traslada con su familia a Europa, viviendo etapas en Alemania y España. Actualmente vive en Viena, Austria, donde radica hace décadas.

Sobre su obra:

La obra de la artista no responde a la progresión lineal, para constituirse como un flujo de recurrencias. En lugar de etapas cronológicas, su producción propone un diálogo entre lo abstracto y lo figurativo, donde paisajes, ciudades y figuras humanas reaparecen constantemente. En un ir y venir que permite visitar los mismos motivos desde nuevas posiciones y lenguajes. Entre este conjunto de presencias en tránsito se destacan las figuras que la artista denomina "migrantes", que se inspiran en su propio desplazamiento entre Uruguay y Europa.

La entrada Presentamos las obras de Angelina de la Quintana junto a la curadora de su más reciente exposición: “Lenguajes en tránsito: una obra abierta”  se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Alceu Ribeiro.

Cuadro en el estudio:

Título: Abstracción y/o Algún día saldrá sol
Técnica: Acrílico sobre tela
Medidas: 108 x 78 cm
Año: junio de 2013

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Alceu Ribeiro nace en Artigas donde vive hasta sus 19 años. Junto con su hermano Edgardo llegan becados a Montevideo en 1939, ingresando en el Taller Torres García, donde permanece hasta 1949, año de la muerte de su maestro. Recibe una sólida formación pictórica, de la práctica a la teórica, que lo adentra en el Universalismo Constructivo, al cual permanece fiel -como referente principal- durante toda su vida.

Participa en las actividades del taller, así como en Salones Nacionales y Municipales, donde obtiene varios premios. En 1949 funda su taller “El Molino”, donde pinta, enseña y tiene una rica actividad cultural. Dirige el taller hasta 1963. Pinta en las quintas de Mendizábal junto con Augusto Torres y Gonzalo Fonseca, entre la década de 1940 y 1950 aproximadamente.

En 1942 hace un viaje educativo a Perú y Bolivia junto con los hermanos Augusto y Horacio Torres. Dos años después pinta un mural en el Hospital Saint Bois, junto con su maestro y sus compañeros de taller.

Sobre su obra:

La obra que expuesta en el estudio refleja la prolongada elaboración personal del constructivismo. Es una estructura donde algunos elementos, aún anónimos, colaboran con el equilibrio de la obra abstracta. Luego vemos que algunos elementos adquieren un significado verbal, motivados por un hecho circunstancial (días nublados).

Lo sorprendente es que en la estructura, esas palabras adquieren un significado más amplio relacionados con la esperanza, la tranquilidad de espíritu y el seguir trabajando con entusiasmo. Esta obra fue pintada a cinco meses de su muerte.

La entrada Presentamos las obras de Alceu Ribeiro, unos de los referentes del Taller Torres García. Con su hijo, Diego Ribeiro y Lucio Cáceres se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Andrea Gelsi.

Cuadro en el estudio:

Título: “Otros mundos“
Medida: 120 x 100 cm
Técnica: Óleo y collage sobre tela
Año: 2023

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Andrea Gelsi es una artista nacida en Montevideo, formada en dibujo, pintura y collage en distintos talleres que marcaron el desarrollo de su lenguaje personal.

A lo largo de su trayectoria ha ido incorporando técnicas como la acuarela, el óleo y el collage, que utiliza como herramientas para expresar su mundo interno, su imaginación y su pensamiento.

Su obra se centra principalmente en la figura humana, con una mirada sensible que atraviesa retratos, escenas íntimas y recuerdos de la infancia, especialmente ligados a la playa. Estas imágenes dialogan con representaciones de multitudes, estadios, teatros y espacios públicos, donde las personas se reúnen por aquello que las une. A través de una paleta cromática suave, dominada por tonos pastel y transiciones fluidas, su trabajo propone una reflexión sobre la memoria, la emoción y los vínculos entre el pasado y el presente.

La entrada Retratos, escenas íntimas y recuerdos de la infancia: Presentamos las obras de Andrea Gelsi se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Natalia Brigoni.

Cuadro en el estudio:

Serie: Garabatum
Medida: 70 x 90 cm cada una
Técnica: marcador negro sobre papel
Año: 2025

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Natalia Brignoni es artista visual y licenciada en Diseño Gráfico. Su práctica artística se centra en la exploración de materialidades y narrativas a través de la pintura abstracta, el collage y la instalación, indagando en la subjetividad, las emociones y la memoria.

Es egresada de la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad ORT. Se formó como artista en los talleres de Ana Salcovsky, Guillermo Fernández, Hugo Alíes y Federico Brandt, complementando esta formación con un intenso recorrido autodidacta a lo largo de varios años.

Desde 2020 complementa su práctica artística acompañando procesos creativos grupales a través de programas y mentorías, desde donde invita a explorar una forma de creación más auténtica, libre y disfrutable, especialmente a través de la abstracción. Su práctica se nutre de un diálogo constante entre lo personal y lo compartido.

Sobre su obra

La obra de Natalia Brignoni explora la pintura abstracta, el collage y la instalación como lenguajes para abordar la memoria, la subjetividad y los estados emocionales. En sus collages, las cintas rasgadas, los cartones, los papeles y las capas de pintura superpuestas funcionan como huellas materiales de la memoria y del paso del tiempo.

Sus lienzos de gran formato se presentan como espacios abiertos y etéreos, proponiendo un diálogo contemplativo con el espectador e invitando a la reflexión y al movimiento interior.

Actualmente, su trabajo se enfoca en dos líneas principales: la transmisión de sus aprendizajes a través de programas y cursos, y el desarrollo de instalaciones inmersivas, un camino que le permite profundizar en los aspectos conceptuales de su obra y en la interacción directa con el público.

La entrada Pintura abstracta y collage: huellas materiales de la memoria y del paso del tiempo. Presentamos las obras de Natalia Brignoni se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Pablo Canale.

Cuadro en el estudio:

Título: Pink condominium
Tamaño: 100 x 70 cm
Técnica: acrílico y collage
Año: 2025

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La obra de Pablo Canale refleja paisajes en torno a sus viajes por el mundo, inspirado en los colores y una paleta brillante.

Sus obras transmiten gran pasión por los colores y mucha paz. En ocasiones abrumado por información que no escapa de la realidad sus obras reflejan tristeza e injusticia.

Durante su recorrido artístico, se ha especializado en la creación de collages elaborados a partir de origamis confeccionados con papel de revistas en desuso que encuentra en ferias barriales de diferentes países donde se encuentre.

Sus obras han sido presentadas en diversas ferias y muestras, donde ha logrado plasmar sus ideas y transmitir profundas emociones a través de cada pieza. 

Cada creación refleja aspectos esenciales de su identidad, integrando en sus formas y colores fragmentos simbólicos de su propia historia.

Ha participado en exposiciones internacionales en España, Italia, Francia, Punta del Este y Montevideo. Su obra ha recibido reconocimiento en múltiples eventos y certámenes artísticos, además de formar parte de exhibiciones tanto colectivas como individuales. Sus obras de carácter moderno se encuentran en diferentes lugares del mundo.

Su propósito como creador es continuar explorando nuevas formas de expresión y desarrollar obras que conecten íntimamente con las emociones de quienes las contemplan. 

Actualmente convive entre la gastronomía y el arte plástico.

La entrada Viajes como inspiración y los colores como lenguaje: Presentamos las obras de Pablo Canale se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Astrid Barfod.

Cuadro en el estudio:

Título: Gods Throw The Dice
Tamaño: 100 x 100 cm
Técnica: acrílico sobre bastidor
Año: 2025

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Artista uruguaya de origen sueco. Se formó con figuras destacadas como Clever Lara y Dante Picarelli, comenzando su práctica con un enfoque en la figura humana y un profundo interés por los procesos interiores de la mente.

Con el tiempo, su obra evolucionó hacia la abstracción, un giro que le permitió desarrollar un lenguaje más personal, capaz de trascender la forma para adentrarse en la memoria, la emoción y lo simbólico. A través de técnicas mixtas que combinan acrílico, tinta, óleo y collage, sus composiciones construyen un paisaje psicológico: estratificado, intuitivo y de una intensidad silenciosa.

La práctica de Barfod habita la tensión entre el orden y el caos, entre la estructura y la espontaneidad. Sus pinturas no buscan explicar, sino revelar – sugieren en lugar de declarar, invitando al espectador a una mirada más profunda y contemplativa.

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Sobre su obra:

Su arte parte de una intuición. En general no empieza con algo definido; casi nunca tiene una idea previa. Comienza con colores, formas y distintos materiales como acrílicos, óleos al agua, mixed media, y empieza por cualquier parte de la tela. A partir de ahí va construyendo algo que, para ella, tenga una armonía propia. Se deja llevar hasta acercarse a una zona que comienza a resultarle atractiva.

Desde hace un tiempo, sus trabajos la llevan a jugar con símbolos y, dentro de lo abstracto, con interferencias que hacen aparecer, cada tanto, elementos reconocibles. A veces solo para ella; a veces otros ven cosas diferentes. Los percibe como pequeños universos, un lenguaje propio donde surgen presencias y signos que no planifica, que aparecen incluso antes de pensarlos.

En ese proceso creativo siente algo parecido a un juego, un estado intermedio entre lo consciente y lo inconsciente. No busca explicar ni representar algo literal. Su disfrute está en dejarse llevar: en esa sensación de inmersión donde hasta su “yo” se diluye un poco. Es una especie de trance, momentos de felicidad absoluta donde desaparece la vida cotidiana y su automatismo.

Prefiere que su trabajo la lleve a ella y no al revés. Ese movimiento es como un silencio lleno de ideas que no maneja racionalmente. Si jugara con lo religioso —aunque no lo es— podría decir que ese estado habita por momentos lo infinito y lo eterno.

Pintar, para ella, es pensar con las manos: ordenar lo que aparece y darle un lugar a lo invisible. Y lo invisible, paradójicamente, es todo aquello que la forma y la contiene, aunque no pueda racionalizarlo. Como si una pequeña puerta al inconsciente se abriera por momentos. A eso se refiere cuando habla de trance.

Recomendaciones de la semana

Exposición "Proyecto Pharus. Poética de lo visible" en el Palacio Taranco

Es un proyecto que viene trabajando la artista argentina Matilde Marín desde 2005 cuando leyó una noticia que le llamó la atención: que los faros del mundo empezaban a desconectarse ante el avance del GPS. La exposición reúne fotografías y registros audiovisuales que reflexionan sobre la inmensidad de los paisajes, la fragilidad de las creaciones humanas y el sentido simbólico de estas luces que iluminan el camino.

En el marco de la noche de los museos, el viernes 12 a las 19:00hs, la artista va a hacer una visita comentada junto a Juan Antonio Varese.

Vigésima edición de la Noche de los Museos

Noche que ya es una clásico en que todos los museos del país abren sus puertas, y a las exposiciones se suman eventos de música, literatura, artes escénicas, presentaciones y encuentros. Para conocer los detalles, podes consultar los sitios web o las cuentas de Instagram de cada museo, y las redes de la Dirección Nacional de Cultura que organiza el evento.

La entrada Entre el orden y el caos, la estructura y la espontaneidad: Presentamos las obras de Astrid Barfod se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.