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Esta semana exhibimos obras de Iesel Clara:

Cuadro en el estudio:

Título: Mis 3 gracias.
Técnica: Mixta.
Medidas: 90 x 50 cm
Año:  2024

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Iesel Clara es Licenciada en Enfermería, especializada en cuidados intensivos y control de infecciones, durante años desarrolló su labor profesional vinculada al cuidado de la vida humana en toda su complejidad. Paralelamente, la pintura ha sido una constante en su trayectoria. Se formó en talleres con Emilio Bolinches, Carlos Prunell, Gerardo Ruiz en el Círculo de Bellas Artes, Gustavo Fernández y, actualmente, en el Taller Torres García.

Aunque siempre mantuvo un vínculo cercano con el arte, en los últimos años pudo profundizar especialmente en esta práctica. En ese camino descubrió la técnica asfáltica, que la cautivó y sobre la que continúa investigando y trabajando. Actualmente comparte esa pasión a través de talleres y continúa formándose en historia del arte y teoría del color. En su cuenta de Instagram difunde historias y curiosidades sobre los pigmentos, explorando cómo el color revela aspectos de distintas culturas y épocas.

Sobre su obra

Las obras que presenta buscan transmitir la idea de que la identidad no es una entidad fija, sino la multiplicidad de capas que conforman a cada persona: la suma de experiencias, vivencias e influencias que la han moldeado a lo largo del tiempo. Inspirada en la reflexión de Jean-Paul Sartre —“somos lo que hacemos con lo que hicieron de nosotros”—, utiliza capas y texturas para representar esa complejidad, invitando al espectador a reconocer y explorar sus propias capas.

Su trabajo se desarrolla a través de una técnica mixta que combina pintura asfáltica, acrílico y collage. La superposición de materiales y superficies busca reflejar visualmente la riqueza y profundidad de aquello que nos constituye.

La entrada Presentamos las obras de Iesel Clara: volver a pensarnos y crear sin margen de error se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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En este encuentro conversamos sobre el mercado del arte en Uruguay, cómo está conformado y qué papel cumplen los distintos actores que integran el ecosistema artístico nacional. Analizamos cómo circulan las obras en el país y cuáles son los principales canales que tienen los artistas para desarrollar sus carreras y comercializar su producción.

A lo largo de la charla abordamos qué estrategias, desde la tecnología hasta la sinergia entre distintos actores, pueden contribuir a la formación de nuevos públicos y coleccionistas jóvenes. Además, los desafíos y oportunidades que enfrenta el sector, las tendencias actuales del mercado, los criterios que inciden en la valorización de las obras y la importancia de generar espacios que promuevan la visibilidad de los artistas y fortalezcan su proyección tanto a nivel nacional como internacional.

Para hablar sobre el tema nos acompañan Juan Castells, director de la Casa de Remates Castells, y Laura Bardier, fundadora y directora de la feria internacional ESTE ARTE.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Diego Ribeiro

Cuadro en el estudio:

Título: Formas-Figuras.
Técnica: óleo sobre cartones corrugados superpuestos.
Medidas: 100 x 71 cm Año: 2016

La entrada ¿Cómo funciona el mercado del arte en Uruguay? junto a Laura Bardier y Juan Castells se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Diego Ribeiro:

Cuadro en el estudio:

Título:  Formas, se insinúan figuras.
Técnica:  Incastein con óleo sobre maderas superpuestas.
Medidas: 110 x 85 cm
Año:  2015

Es un bajo relieve, dado por la superposición de maderas que crea cierto volumen que destaca las formas. Se “dibuja” con el bajo relieve una estructura basada en líneas verticales interrumpidas por líneas horizontales u oblicuas, creando un ritmo armónico por la relación entre las líneas y planos entre sí. La mezcla de Incastein con óleo resalta con tonos la superficie monocroma. Se insinúan figuras, a veces reforzadas por maderas adosadas que entran en la armonía de la estructura. 

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Diego Ribeiro nació en Montevideo en 1949. En una familia donde el arte y la ciencia ocupaban un rol esencial.

Su padre, el pintor Alceu Ribeiro, discípulo directo de Joaquín Torres García, le aportó la pasión por la pintura movida por su fuerte vocación que moldeó su vida. Ser pintor era su identidad. Su familia materna, de médicos vocacionales destacados, le aportaron valores humanísticos y científicos, otra forma de vivir y de ser.

Ambas familias -mundos- se relacionaban muy poco, siendo su tarea intentar unirlas en él. Tarea difícil y conflictiva. Estudió medicina y se especializó en psiquiatría y psicoanálisis, ejerciendo su profesión hasta que se jubiló.

A la vez aprendió pintura con su padre, años después con su tío Edgardo Ribeiro y con Walter Nadal. Su formación estuvo guiada por la escuela de Joaquín Torres García, cuyos valores estuvieron actuantes en su aprender a mirar analítico, desde sus dibujos iniciales hasta su iniciación en el constructivismo. Valores como estructura, proporción, ritmo y tono, tenían que estar en sus obras figurativas, sintéticas, no imitativas, hasta en las más estructuradas y abstractas.

Valores esenciales, donde el tema, lo anecdótico, era un pretexto para pintar, pero no un valor en sí. Su búsqueda se profundiza y cuestiona lo aprendido, busca nuevas referencias y también vuelve a consultar a la naturaleza. Un viaje a Europa le permite recibir la lección de los grandes maestros.

Acepta desafíos como realizar el camino inverso, buscando imágenes que simbolicen un tema psicoanalítico para afiches de congresos. La pintura la realiza por períodos, en conflicto con la medicina, adquiriendo un valor importante en su vida como segundo oficio. No se considera pintor, sino que pinta, porque su identidad no es ser pintor, como sí lo fue en su padre.

Dibuja y pinta, y hace unos años incorpora el pintar sobre tablas o cartones articulados entre sí en forma de bajo relieves, que le aportan simpleza y contundencia a sus obras construidas más abstractas. Además, realiza obras figurativas sintéticas. Ha expuesto en forma individual en 1994, en 2016 y en 2023, y en forma colectiva sobre todo desde que se integra a SUMART, Sociedad Uruguaya de Médicos Artistas, que le dio un lugar de pertenencia, de intercambio, de exposiciones; lugar muy estimulante.

Continúa pintando en busca de algo que valga la pena, que siempre parece estar cerca. 

La entrada Presentamos las obras de Diego Ribeiro: la zona de juego y la curiosidad por el otro se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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En este encuentro conversamos sobre las políticas públicas para las artes visuales y su papel en el desarrollo cultural del país. Analizamos cuáles son los desafíos que enfrentan las instituciones culturales y qué estrategias pueden contribuir a la formación de nuevos públicos.

A lo largo de la charla abordamos el vínculo entre la promoción artística y los derechos culturales, así como la implementación de políticas públicas para garantizar el acceso a propuestas culturales de calidad, apoyar la creación y fortalecer la circulación de las expresiones artísticas y bienes culturales dentro de Uruguay y la región.

Para hablar sobre el tema nos acompañan María Eugenia Vidal, en representación del Ministerio de Educación y Cultura, y Alejandro Denes, por parte de la Intendencia de Montevideo.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Guadalupe Ayala

Escultura en el estudio:

Título: S/T
Técnica: Escultura. Vajilla metálica antigua, vidrio de ventanilla de auto, resina Medidas: 35 cm x 25 cm x 30 cm Año: 2022

La entrada ¿Qué importancia tienen las políticas públicas en el desarrollo de las artes visuales? junto a María Eugenia Vidal y Alejandro Denes se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Guadalupe Ayala:

Escultura en el estudio:

Título:  S/T
Técnica:  Escultura. Vajilla metálica antigua, vidrio de ventanilla de auto, resina
Medidas: 35 cm x 25 cm x 30 cm
Año:  2022

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Guadalupe Ayala es artista visual, docente, politóloga, consteladora familiar. Practica Tai Chi desde hace 20 años, y hace 2 practica también Kum Nye. Emplea todos sus recursos a la hora de desarrollar un proyecto en cualquiera de sus campos de actuación. Le interesa mucho el contacto humano, reflexionar sobre su biografía y la historia del mundo. 

Viene de una familia dedicada a las ciencias y a lo invisible: su madre es postdoc en bioquímica y  su padre instaló los reactores nucleares de energía atómica en Argentina. Además se dedicaron a las artes y a la docencia. En su infancia pasaban noches mirando la vía láctea y encontrando satélites y los veranos e inviernos en las montañas de Bariloche o Córdoba. Vivió una vida de contemplación, silencio y pregunta.

En 2006 vino a Uruguay a hacer su maestría en Ciencia Política. Hizo una rápida carrera ascendente como artista. Estudió sobre constelaciones familiares en el Centro Bert Hellinger en donde actualmente es observadora de la actual edición y está realizando una formación internacional de abordaje Trifocal del Trauma con Verónica Molina. Elabora su cuerpo de obra como una película, algunas responden preguntas que otras instalaron o continúan una narrativa.  Realizó el magisterio de artes, el profesorado en escultura y la licenciatura en ciencia política en Argentina; y luego la maestría, las clínicas de obra, sus exposiciones más importantes y sus estudios espirituales y sistémicos en Uruguay. 

Es docente de artes en la UCU y tiene una niña de 9 años. En sus obras invita al espectador a usar su cuerpo, a sentir la obra, a vivir una experiencia de cierto desconcierto, fascinación y extrañeza. Siempre le interesó, lo supo después, crear belleza con lo roto, lo ruinoso, lo indefinido.

Sobre su obra:

Su trabajo parte de la selección de objetos que han sido utilizados: vajilla antigua, porcelanas y fragmentos que alguna vez formaron parte de la vida cotidiana. Le convoca el tiempo que contienen, la experiencia humana que permanece adherida a la materia. Trabaja mediante procesos lentos y repetitivos, adhiriendo uno a uno fragmentos de vidrio en un gesto cercano al bordado. Lo doméstico se desplaza, lo funcional pierde su uso, lo inerte adquiere consciencia y voluntad.

Surge una tensión entre lo cautivador y lo extraño, lo frágil y lo resistente. Vajillas refinadas y piezas de plata son invadidas por excrecencias vidriosas, fragmentos de ventanillas de auto que introducen una dimensión contemporánea atravesada por el impacto. Aparecen resonancias del tiempo, de los desplazamientos y de la violencia que atraviesa lo humano. Le interesa aquello que se mueve sin aparecer: fuerzas, tensiones, quiebres, repeticiones.

Creció en un entorno atravesado por la ciencia que observaba lo invisible y en contacto permanente con la naturaleza. Esto la formó en una sensibilidad especial hacia los fenómenos que ocurren sin ser plenamente capturables y que estructuran su práctica: hacer con lo visible que aparezca en la consciencia lo que no se ve. Sus obras proponen una experiencia corporal, espiritual, perceptiva. Una observación detenida donde el tiempo se ralentiza y el sentido se construye en la relación con quien observa.

La entrada Presentamos las obras de Guadalupe Ayala: la belleza que nace de lo ruinoso se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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En este encuentro conversamos sobre el mundo de la restauración, una disciplina donde se entrelazan la ciencia, la técnica, la historia, el arte y la sensibilidad estética. Abordamos el concepto de la conservación como un “paraguas” de protección que abarca desde la preservación preventiva del entorno hasta la conservación curativa y la restauración profunda.

A lo largo de la charla, descubrimos qué situaciones determinan la necesidad de intervenir una obra de arte. Analizamos la importancia de utilizar materiales que garanticen la reversibilidad del trabajo y cómo se aplican herramientas modernas, como la luz negra y las cámaras infrarrojas, para el diagnóstico preciso de las piezas. También conversamos sobre los criterios éticos de la profesión, debatiendo la diferencia entre el método museológico (que deja las lagunas o faltantes a la vista) y el método ilusionista (esencial en el arte sacro para mantener el soporte de la fe).

Para hablar sobre el tema nos acompañan los restauradores Diego Viglione y Gabriella Siccardi Pisano.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Martín Pelenur

Cuadro en el estudio:

Título: #3 (Serie Grillas)
Técnica: Acrílico sobre tela

Medidas: 100 x 100 cm
Año: 2024-2026

La entrada ¿Qué implica restaurar y conservar una obra de arte? junto a Diego Viglione y Gabriella Siccardi Pisano se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Martín Pelenur:

Cuadro en el estudio:

Título:  #3 ( Serie Grillas )
Técnica: Acrílico sobre tela
Medidas: 100 x 100 cm
Año: 2024-2026

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Martín Pelenur es artista visual y productor cultural. En 2013, fundó La Pecera, un espacio autogestionado en La Barra, Punta del Este, dedicado al desarrollo de las artes visuales en Uruguay. Desde la década del 2000, mantiene una sostenida trayectoria con numerosas exhibiciones individuales y colectivas, tanto en Uruguay como en el extranjero. Obtuvo el Premio Petrona (2024), Premio Nacional de Pintura Bartolomé Macció (2012) y Premio Paul Cézanne (2011), entre otros. Su obra ha sido respaldada por becas internacionales, como la del Goethe Institute en Berlín (2010).

Ha participado en residencias artísticas como la Kates-Ferri Projects Residency (2022) y la NARS Foundation Residency (2021), ambas en Nueva York. Entre sus muestras más recientes se destacan “Bleeding Grids” en la Galería Arroniz (CDMX, 2024) y “Línea Merín” en el Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry (MACA) en Punta del Este (2022). Su práctica artística aborda la pintura como un medio de pensamiento, enfocándose en el trabajo procesual y seriado, a través de ejercicios, sistemas y procedimientos cíclicos. Pelenur entiende el acto de pintar como un experimento perpetuo que le permite explorar nuevas formas y conceptos.

Sobre su obra:

Su producción actual continúa una investigación sobre el acto de pintar, utilizando la estructura de la grilla como punto de partida. Esta funciona como una cartografía y, al mismo tiempo, como una forma de organizar el espacio y el tiempo. 

Recientemente, el artista retomó piezas iniciadas en 2022. Lo que comenzó como estructuras simples y ordenadas evolucionó hacia una nueva etapa donde aparecen una superposición de capas, transparencias y desplazamientos de la pincelada.  Más que transmitir un mensaje, su propuesta busca cuestionar las convenciones sobre la pintura,  situándose en el límite de lo que el artista define como la delgada línea entre el bien y el mal.

La entrada Presentamos las obras de Martín Pelenur: el arte como experimento continuo entre la grilla y el error se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Gustavo Talento:

Cuadro en el estudio:

Título:  Mi casa en el cabo polonio
Técnica: mixta, composición abstracta a partir de marca en placa de melamínico; madera, cartón, chapas, malla, alambre y resina
Medidas: 68 x 60 cm
Año: 2026

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Gustavo Talento nació en 1968. Los ambientes playeros dejaron una fuerte marca en él, en especial Punta Piedras y Lagomar; lugares distantes y diferentes donde respiraba libertad y felicidad. Allí encontraba no solo los materiales para crear, sino también a sus referentes familiares, constructores y creativos que, desde la nada, transformaban elementos en formas e imágenes.

Posteriormente, abrió puertas en mundos laborales vinculados a la administración y las finanzas. No obstante, su interés por componer formas y el hábito de recoger objetos abandonados se mantuvo presente. Hacia el 2012, comenzó a sentir que lograba una armonía estética merecedora de ser mostrada fuera de su casa y, en 2022, decidió dedicarse por entero a la creación.

Desde el inicio, la madera ha sido el medio recurrente en sus obras. Utiliza piezas de orígenes diversos, abandonadas e impregnadas de historias desconocidas. Al reciclarlas, les otorga una nueva vida y las integra en formas nuevas.

Sus obras son expresiones mayoritariamente abstractas que buscan generar recorridos visuales entre volúmenes, colores y texturas. Desde 2012, ha participado en diversas muestras colectivas y fue distinguido con el primer premio en el concurso por los 100 años del Sindicato Médico del Uruguay por su obra “1920”.

Actualmente, su taller se encuentra en el Bosque de Portezuelo, Punta del Este; un entorno rodeado de naturaleza que inspira y alimenta su proceso creativo.

Sobre su obra:

Construye con objetos de madera en desuso, piezas que encuentra y selecciona por su presencia, textura y potencial expresivo. De origen generalmente desconocido, en sus formas y desgaste hay algo que le emociona e invita a la transformación. En su taller, esas maderas comienzan un nuevo recorrido; las interviene con cortes particularmente imperfectos y aplicaciones de color que no buscan cubrir, sino dialogar con lo que ya traen impreso.

Sobre su proceso creativo, la imperfección es parte del lenguaje, y el color, una herramienta para revelar lo oculto o resaltar lo propio de cada fragmento. A estas intervenciones se suman el collage con papeles y cartones, que aportan capas, ritmos y texturas adicionales, y en ocasiones el uso de alambres, que conectan, tensan o irrumpen en el espacio, ampliando el universo matérico y expresivo de cada obra.

Para él crear con maderas es reencontrarse con el juego, con la intuición y con la posibilidad de dar nueva vida a lo descartado. Es un acto de atención y presencia, donde lo olvidado se convierte en forma y expresión. Cada obra propone un recorrido visual entre planos, volúmenes y texturas, generando una experiencia abstracta pero cercana.

La entrada Presentamos las obras de Gustavo Talento: nuevas etapas creativas entre lo abstracto y lo lúdico se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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En este encuentro conversamos sobre la gestión detrás de las ferias de arte y los desafíos que enfrentan los artistas a la hora de mostrar su trabajo. De esta manera, exploramos cómo las ferias de contacto directo y las fotogalerías a cielo abierto han logrado romper la "barrera" de los espacios tradicionales. Permitiendo que el público se encuentre con el arte de forma cotidiana.

Asimismo, abordamos el crecimiento de propuestas como Proyecto Arte, que apuesta al vínculo entre el artista y el público, y la labor del Centro de Fotografía de Montevideo (CdF) en la profesionalización y democratización del acceso a la imagen en los barrios. Además, discutimos el rol de las redes sociales como vidriera, la importancia de la mediación cultural y cómo estas nuevas dinámicas están transformando la manera en que los uruguayos consumen y se relacionan con las artes visuales.

Para hablar sobre el tema nos acompañan Olga Armand Ugón, creadora y directora de la feria Proyecto Arte; y Daniel Sosa, director del Centro de Fotografía de Montevideo (CdF).

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Gustavo Talento

Cuadro en el estudio:

Título: Mi casa en el cabo polonio
Técnica: Mixta. Composición abstracta a partir de marca en placa de melamínico; madera cartón, chapas, malla, alambre y resina

Medidas: 68 x 60 cm
Año: 2026

La entrada Ferias de arte y espacios no convencionales de exhibición junto a Olga Armand Ugón y Daniel Sosa se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Federico Butler:

Cuadro en el estudio:

Título:  Identidad Pasajera 
Técnica: Mixta y collage digital
Medidas: 103 x 70 cm
Año: 2026

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Federico Butler es Artista Visual y Diseñador Gráfico. Su trayectoria comenzó en el mundo de las agencias de publicidad y  hace más de 20 años tiene su propio estudio de diseño. Es docente de Arte y Comunicación Visual en Bachillerato Artístico y dicta  talleres de pintura tradicional y arte digital en su propio Atelier.

Se especializó en pintura digital y ha dedicado más de una década a la investigación de esta disciplina. Fue organizador y panelista del 1er Congreso de Arte Digital en Uruguay (2023), además de realizar diversas muestras performáticas de pintura digital en vivo. 

A lo largo de su carrera, ha participado en ferias internacionales y múltiples muestras (individuales y colectivas) en Montevideo y el interior del país, explorando la abstracción y la figura humana. Se formó en la  UTU, Bellas Artes y participó muchos años en talleres particulares.

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Sobre su obra:

En su proceso de creación, el artista explora la convergencia entre los mundos físico y digital a través de técnicas mixtas que combinan acrílicos, tintas, pasteles y collage con pintura digital. Su enfoque se centra en las fronteras difusas entre lo real y lo virtual, lo físico y lo digital, razón por la cual ha desarrollado el concepto de "Arte Físgital". Esta propuesta resalta la dualidad entre lo tangible y lo intangible, investigando cómo estas dimensiones se entrelazan para dar lugar a nuevas realidades.

Transversalmente a toda su obra, aparece el concepto del "trabajo en capas". Para el artista, no somos seres planos, sino una acumulación de historias y experiencias que ocurren tanto en lo tangible como en lo digital. En sus piezas explora cómo nuestra memoria actual es híbrida: guardamos nuestros afectos en dispositivos mientras habitamos el mundo con el cuerpo. De este modo, la capa física representa la raíz y el rastro del gesto humano, mientras que la capa digital expande esa realidad hacia lo que no podemos tocar, pero sentimos como propio.

Define su proceso como una arqueología de la identidad contemporánea. Al superponer estas capas, busca revelar que nuestra esencia ya no distingue fronteras. Bajo su visión, somos esa mezcla: un relato que se escribe con las manos y se preserva en la red, una memoria que late en dos planos a la vez.

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La semana pasada

Cuadro en el estudio:

Nombre: Solo sus Manos

Técnica: Pintura Digital

Medidas: 100 x 70 cm

Año: 2023

La entrada Presentamos las obras de Federico Butler: capas, identidad contemporánea y el arte "físgital" se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.