Presenta: Banco República, nuestro banco país

Apoya: Cuadrería Aquarela

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Carolina De Cunto

Cuadro en el estudio:

Título: Mutación
Técnica: Acrílico y óleo pastel acuarelable sobre tela.
Medidas: 1,60 x 1,80 mt
Año: 2025

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Después de 27 años, el Banco República vuelve a convocar a artistas visuales con una nueva edición de su Salón de Artes Visuales. En conversación con Alicia Brassesco, curadora de las muestras de la Fundación Banco República y vinculada a la institución desde 1986, recorremos la historia de una iniciativa que fue clave para el vínculo del BROU con las artes y que dejó como legado un importante acervo artístico.

Con motivo de los 130 años del Banco, el Salón regresa en 2026 con pintura y escultura, premios de adquisición y el propósito de recuperar un espacio de creación, reconocimiento y encuentro con la comunidad artística uruguaya. Brassesco también comparte aspectos del trabajo de conservación y difusión del patrimonio artístico del BROU y las expectativas que genera este esperado regreso.

Las postulaciones están abiertas hasta el 22 de octubre de 2026 a las 23:59. Bases y formulario de inscripción: fundacionbrou.com.uy.

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La entrada Vuelve el Salón de Artes Visuales del Banco República después de casi 30 años; con Alicia Brassesco se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Carolina De Cunto:

Cuadro en el estudio:

Título: Mutación
Técnica: Acrílico y óleo pastel acuarelable sobre tela.
Medidas: 1,60 x 1,80 mt
Año: 2025

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Carolina De Cunto es arquitecta, artista visual y diseñadora uruguaya. Su vínculo con la creación y el arte comenzó en la infancia. Desde entonces se caracterizó por su creatividad y su interés por pintar, dibujar y todo lo relacionado con el diseño. De niña disfrutaba crear y coser la ropa de sus muñecas con retazos de tela que su abuela conseguía a través de una amiga modista.

En su casa, el arte siempre estuvo presente. Creció rodeada de los cuadros pintados por su abuelo paterno y, a través de él, la pintura formó parte de la vida familiar. Su padre fue la primera persona que vio pintar, una imagen que la marcó profundamente. Su historia familiar también estuvo ligada al trabajo hecho con las manos: su abuelo materno era carpintero y tenía su carpintería en el fondo de la casa; su abuelo paterno, además de pintar, fabricaba brochas de afeitar para hombre realizadas con crin de caballo que llegaron a ser muy reconocidas en su época. Fue siempre autodidacta, sumamente creativo y habilidoso.

Su abuela paterna era aparadora de calzado y, en parte inspirado por ella, su padre tuvo y continúa teniendo una fábrica de calzado. Ese universo de cueros, colores, oficios y saberes transmitidos de generación en generación dejó una huella profunda en ella y, con el tiempo, se convirtió en una parte esencial de su identidad.

Hace más de veinticinco años creó su propia marca, Carolina De Cunto, desde la cual comenzó a desarrollar un concepto que hoy define buena parte de su trayectoria: “arte para usar”. Junto con su equipo crea desde cero carteras, calzado y prendas de cuero. Diseña cada modelo, selecciona los materiales y acompaña todo el proceso de fabricación. Luego interviene cada creación con su arte, a través de un gesto personal y de técnicas que fue desarrollando y construyendo durante estos veinticinco años. Así, cada objeto se transforma en una obra única, intervenida y pintada a mano.

A lo largo de su trayectoria recibió el Premio Morosoli de Diseño en 2022; el Primer Premio Banque Heritage en MART Punta del Este 2026; el Primer Premio del BROU en Hecho Acá 2010; y la distinción Marca País Uruguay. También realizó colaboraciones con diseñadores internacionales, entre ellos la reconocida diseñadora española Ágatha Ruiz de la Prada, para quien creó colecciones especiales destinadas a acompañar sus desfiles en Uruguay y Estados Unidos.

Sobre su obra

El arte estuvo presente de manera continua durante toda su vida. Pinta y asiste a talleres desde los quince años, cuando comenzó a formarse con Raúl Deliotti. Durante sus primeros años en la Facultad de Arquitectura concurrió al taller de Clever Lara. Actualmente continúa formándose como artista visual y explorando nuevos lenguajes. Desde 2025 cursa la Formación Permanente en Arte Contemporáneo del FAC, a cargo de Fernando López Lage. En octubre de ese mismo año comenzó un proceso de acompañamiento con Myriam Zini, orientado a profundizar la investigación y el desarrollo de su obra. También asiste al taller de
Sebastián Sáez.

Su trabajo se desplaza entre la pintura, el cuero y lo textil, incorporando en los últimos tiempos el bordado. En su obra aparecen la naturaleza, la memoria, los vínculos, la espiritualidad y la búsqueda de aquello que puede volver a unir a las personas en un mundo
cada vez más fragmentado. Sus obras parten de experiencias personales, de la naturaleza, la memoria, los vínculos y la
espiritualidad.

Le interesa combinar distintas capas, texturas y elementos que, en principio, pueden parecer fragmentados, pero que dentro de la obra comienzan a relacionarse. Busca generar preguntas y hablar de la posibilidad de encontrarse, de construir puentes y de volver a pensar en aquello que se comparte como parte de un mundo común.

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La entrada Presentamos las obras de Carolina De Cunto: el punto de encuentro entre arquitectura, diseño y arte contemporáneo se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Martín Piñeyro

Cuadro en el estudio:

Título: Adolescencia Deconstruida
Técnica: Acrílico sobre bastidor, con tinta china

Medidas: 1×1 mt
Año: 2025

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En este encuentro conversamos sobre la gestión de los museos públicos en Uruguay, abordando los desafíos cotidianos e institucionales que implica mantener vivas y dinámicas estas instituciones.

Hablamos sobre los procesos de creación e institucionalización de los museos, la gestión y ordenamiento de sus acervos, y la forma en que se estructuran las exposiciones conectando el patrimonio artístico con la creación contemporánea. También abordamos el rol de la arquitectura y la infraestructura edilicia, reflexionando sobre las exigencias de mantenimiento en edificios históricos, los desafíos de accesibilidad y la recuperación de diseños espaciales emblemáticos.

Además, conversamos sobre las estrategias para atraer y diversificar a los públicos a través de programaciones participativas y sobre la articulación de proyectos futuros dedicados al relevamiento e institucionalización del arte en Uruguay.

Para conocer más sobre este tema nos acompañaron Roxana Fabius, directora del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV), y Pablo Thiago Rocca, exdirector del Museo Figari.

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La entrada La gestión de los museos públicos en Uruguay: acervos, reformas y nuevos públicos; con Roxana Fabius y Pablo Thiago Rocca se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Martín Piñeyro:

Cuadro en el estudio:

Título: Adolescencia Deconstruida
Técnica: Acrílico sobre bastidor, con tinta china
Medidas: 1×1 mt
Año: 2025

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Martín Piñeyro, dibuja desde niño y, durante sus años de estudio, todo parecía orientarlo hacia la arquitectura, hasta que a mediados de la década de 1990 descubrió el dibujo publicitario. Se formó en esa disciplina y, desde entonces, ha mantenido un vínculo estrecho y sostenido con el mundo del diseño gráfico.

En 2003 fundó Creatorstudio, estudio desde el que ha desarrollado, durante más de dos décadas, proyectos de identidad visual y comunicación para clientes de Uruguay y del exterior. Paralelamente, ha participado activamente en la Cámara de Diseño de Uruguay, institución que llegó a presidir. Desde ese lugar impulsó la promoción del diseño como motor cultural y económico y contribuyó al fortalecimiento del ecosistema creativo nacional.

Tras más de veinte años de trayectoria en el diseño, sintió la necesidad de reconectar con una dimensión más personal de la creación. Buscó un espacio alejado de las exigencias comerciales, donde la práctica artística estuviera guiada por la exploración de ideas, imágenes e inquietudes que lo habían acompañado desde siempre. En 2020 comenzó a asistir al taller de Gustavo Tabares, donde encontró una mentoría fundamental para consolidar esta nueva etapa de su recorrido. Allí profundiza en la pintura, el collage y la experimentación con diversos soporte

Sobre su obra

Para quienes nacieron a fines de la década de 1970, los años 80 forjaron un universo de imágenes que quedó grabado en la memoria visual: dibujos animados, publicidades, series, afiches de videoclubes de barrio, envoltorios de golosinas, música y cómics comprados en la feria. Con el tiempo comprendió que todo ese imaginario formaba parte de la cultura pop.

Su obra surge de un rescate constante de la memoria y la identidad, tanto personal como colectiva, y propone un diálogo entre ambas. Trabaja con una cultura pop híbrida, en la que conviven referencias globales con elementos profundamente uruguayos. Colores, personajes conocidos y otros menos difundidos, recuerdos, experiencias personales y símbolos cotidianos se articulan a través de diversas técnicas, como el collage, la pintura, la serigrafía, las herramientas digitales y el video.

Su práctica artística evoca ese “lugar feliz” asociado a la infancia y a la memoria emocional. A partir de ese universo visual, invita al espectador a reconocerse en imágenes que, al mismo tiempo, resultan íntimas y compartidas.

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La entrada Presentamos las obras de Martín Piñeyro: volver a los dibujitos y la televisión de los 80/90 a través del collage se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Edith Vega

Cuadro en el estudio:

Título: Mecanismos V
Técnica: Ensamblaje en maderas, óleo y betún de judea sobre soporte entelado en lino y algodón.

Medidas: 74 x 96 cm
Año: 2020

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En este encuentro conversamos sobre el vínculo entre arte y salud, y sobre las distintas formas en que la creación y la experiencia artística pueden influir en el bienestar y acompañar momentos difíciles.

Hablamos sobre el arte como una herramienta liberadora para expresar emociones, prestar atención al mundo de otra manera y darle forma a miedos y experiencias que muchas veces son difíciles de poner en palabras. También conversamos sobre el uso del arte y las artes visuales en ámbitos de salud, como el arte terapia y sobre el impacto que pueden tener propuestas artísticas en personas de distintas edades.

Reflexionamos además sobre cómo una obra se completa también con la mirada y el estado de ánimo de quien la observa. En un contexto actual atravesado por la inteligencia artificial y los robots, planteamos también el arte como uno de los espacios donde la singularidad y la expresión humana pueden manifestarse.

Para conocer más sobre este tema nos acompañaron Rasia Friedler, artista y psicóloga, y Enrique Sasson, artista y médico.

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Obras de Rasia Friedler:

Obras de Enrique Sasson:

La entrada ¿Qué lugar ocupa el arte en la salud? junto a Rasia Friedler y Enrique Sasson se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Edith Vega:

Cuadro en el estudio:

Título: Mecanismos V
Técnica: Ensamblaje en maderas, óleo y betún de judea sobre soporte entelado en lino y algodón.
Medidas: 74 x 96 cm
Año: 2020

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Edith Vega se ha identificado desde muy jovencita con la tarea de ser mamá. A lo largo de su vida ha desarrollado distintas actividades y roles, vinculados tanto a lo familiar como a su crecimiento individual. Estudió Ingeniería y posteriormente Filosofía en la Facultad de Humanidades, no permaneciendo por más de tres años en ninguna de estas carreras. También tuvo emprendimientos propios: primero un vivero, relacionado con su pasión por las plantas, y luego un emprendimiento de decoración y servicios para eventos, que llevó adelante durante muchos años y que además implicaban también para ella el desarrollo y la aplicación de la creatividad, la adaptación a diferentes medios y otros desafíos que hacían imposible que se aburriera dedicándose a esa actividad.

Hace aproximadamente quince años, por motivos de salud, tuvo que abandonar anticipadamente la actividad laboral. Esta circunstancia le ha traído diferentes limitaciones, pero no le ha impedido desarrollar una actividad de expresión creativa, que ha sido una gran terapia durante estos años. Actualmente se dedica a dar materialidad a sus impulsos creativos, explorando formas, texturas y colores.

Sobre su obra

Desde 2019 trabaja en la serie “Mecanismos”, precedida por trabajos abstractos en grafito, pastel, óleo y acrílico, y por trabajos de collage con materiales reciclados como vidrio, madera y textiles.

En “Mecanismos” realiza construcciones con maderas que ya han sido utilizadas, materiales que traen una historia consigo y que continúan expresando la belleza de las cosas naturales a pesar de su degradación. El empleo de estas maderas establece un paralelismo con la historia de las personas y las vivencias experimentadas.

La serie está realizada enteramente con maderas recicladas. Para los cuadros utiliza telas de lino y algodón como soporte para las pinturas y para la sujeción del ensamblaje invita a pintar con ella.

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La entrada Presentamos las obras de Edith Vega: su trabajo con la madera y la serie “Mecanismos” se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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En este encuentro conversamos sobre Crandon Extensión Cultural, una propuesta que comenzó este año y que busca generar espacios de formación, encuentro y disfrute para personas adultas y público senior. La iniciativa parte de la idea de que se puede seguir aprendiendo durante toda la vida y que la cultura y el arte pueden ser una puerta de entrada para explorar nuevos intereses.

Hablamos sobre la diversidad del público que participa, que no está compuesto únicamente por exalumnos del Crandon: también se acercan profesionales, jubilados y personas que buscan mantenerse activas, conocer gente y hacer cosas por fuera de sus actividades habituales.

Gloria Sánchez contó su experiencia como una de las talleristas de "Encuentros Creativos", donde se trabaja con distintas técnicas y materiales a partir de propuestas que funcionan como disparadores. La respuesta de los participantes llevó a profundizar los procesos y mostró también el valor emocional que pueden tener estas actividades.

Para conocer más sobre esta experiencia nos acompañaron Carlos Varela, director de Crandon Extensión Cultural, y Gloria Sánchez, docente y coordinadora de Arte del Instituto Crandon.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Macarena Polvarini

Cuadro en el estudio:

Título: Calma Turquesa
Técnica: Obra en acrílico

Medidas: Dos bastidores de 60×90 cm
Año: 2026

La entrada Crandon Extensión Cultural: una propuesta para seguir aprendiendo y acercarse al arte en la adultez, con Carlos Varela y Gloria Sánchez se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Macarena Polvarini:

Cuadro en el estudio:

Título: Reinicio N4
Técnica: Obra en acrílico
Medidas: Dos bastidores de 60×90 cm
Año: 2026

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Macarena cuenta con una trayectoria de más de dos décadas en el ámbito de la salud y cultiva una pasión por el arte y el deporte. Su principal objetivo es transmitir a sus hijos que nunca es tarde para dedicarse con pasión a aquello que se siente.

Su vínculo con la pintura comenzó desde niña, influenciada por su abuela, que pintaba paisajes, en cajas de ravioles. Durante sus primeros acercamientos intentó copiar paisajes, pero entendió que no se sentía identificada con esa forma de pintar. La visita al estudio de Enrique Medina fue importante para que comenzara a buscar un lenguaje propio. Así llegó a la pintura abstracta, con especial interés por el uso del color.

Encuentra su mayor motivación cuando las emociones están a flor de piel. Sus obras de los últimos dos años parten de situaciones y sentimientos personales. No realiza bocetos ni planifica las obras: elige una paleta de colores y pinta en el piso, sobre una sábana, siguiendo lo que siente en el momento.

Para Macarena, el arte es una forma de conectar y animarse a sentir, pero también un espacio que le da libertad frente a la estructura de su trabajo formal. Pintar también se convirtió en un momento que comparte con sus hijos, a quienes invita a pintar con ella. Actualmente quiere seguir explorando nuevas técnicas y materiales, como el relieve y el cuero.

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La entrada Presentamos las obras de Macarena Polvarini: sentimientos, color y pintura abstracta se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Cuando pensamos en patrimonio solemos pensar en edificios históricos, monumentos o infraestructuras emblemáticas. Sin embargo, hoy el patrimonio se entiende como un concepto mucho más amplio y dinámico, que también abarca obras de arte, paisajes, espacios públicos, patrimonio natural y las prácticas culturales que les dan sentido. Lejos de ser algo estático, el patrimonio se transforma con la sociedad y plantea el desafío de conservar su valor sin impedir que siga siendo parte de la vida cotidiana.

En esta mesa conversamos sobre cómo compatibilizar la conservación patrimonial con el derecho de todas las personas a acceder y disfrutar de estos espacios. Dialogamos sobre la necesidad de intervenir los bienes patrimoniales para mantenerlos vivos y habitables, los desafíos que supone incorporar criterios de accesibilidad sin perder su identidad, y el papel que cumplen las instituciones, los recursos y la ciudadanía en su protección. 

También abordamos cómo acercar nuevos públicos, revisar los relatos que construyen los museos y promover una mirada más inclusiva sobre aquello que decidimos preservar como parte de nuestra memoria.

Participaron de la mesa Marcel Suárez, director de la Comisión del Patrimonio Cultural de la Nación, y Silvana Tanca, quien se desempeña en Gestión de públicos en el Instituto Nacional de Artes Escénicas.

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Estas semanas exhibimos en el estudios obras de Juan Martín Olivera

Cuadro en el estudio:

Título: La forma de lo roto
Técnica: Óleo sobre lienzo

Medidas: 70 x 90 cm
Año: 2026

La entrada ¿Es posible intervenir el patrimonio para hacerlo más accesible sin perder su valor histórico y simbólico? con Marcel Suárez y Silvana Tanca se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.

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Esta semana exhibimos obras de Juan Martín Olivera:

Cuadro en el estudio:

Título: La forma de lo roto
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 70 x 90 cm
Año:  2026

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Nació en Montevideo en 1980. Más allá de su faceta artística, desarrolla una carrera como abogado (socio de OLIVERA Legal y Negocios) y profesor de Derecho Comercial, Política de Empresa y Gobierno Corporativo (IEEM Escuela de Negocios). Obtuvo el título de Doctor en Derecho en la Universidad de Montevideo (2003), un Master en Derecho (LL.M.) en la Universidad de Chicago (2011), un posgrado en gestión de firmas de servicios profesionales en Harvard Law School (2013) y un Global Executive MBA en IESE Business School (2023).

Su arte encontró su cauce con una potencia arrolladora, como un tsunami, luego de dos batallas contra el cáncer, una profunda depresión y el impacto de la pandemia.

Le apasiona capturar la esencia de la vida a través de su estilo impresionista figurativo. Su camino artístico comenzó de manera autodidacta, pero en 2019 realizó una residencia de dos años en Barcelona, donde se sumergió en diversos talleres de arte, perfeccionando sus habilidades y ampliando sus horizontes creativos. Desde 2021 desarrolla su técnica bajo la tutela de reconocidos artistas como Philip Davies, Gerardo Acuña y Hugo Rossi.

Sobre su obra

Actualmente trabaja en la serie Arlequines, que nace de su interés por ese territorio de la realidad que se revela detrás de la máscara, de lo externo e inmediatamente perceptible. En estas obras, el personaje se convierte en una metáfora de la vida interior: de las contradicciones, las heridas y la capacidad de sostener la luz incluso después del dolor. Cada arlequín habita una tensión entre lo festivo y lo melancólico, entre la apariencia y la verdad.

Trabaja con óleo, desarrollando una búsqueda en la que el color, las sombras y la construcción de la imagen tienen un papel esencial. Le interesa que la materia pictórica no sea solo un recurso estético o decorativo, sino una forma de pensamiento y emoción. Busca obras donde convivan fuerza, sensibilidad, inquietud, incomodidad y transformación.

A través de su trabajo procura transmitir algo que resuene con una fibra íntima del espectador: un grito de reivindicación de la dignidad de quien ha atravesado la fractura y, aun así, permanece de pie; de la belleza que puede surgir de la complejidad; y de la potencia de una sensibilidad que no reniega de la herida, pero que tampoco renuncia a la esperanza.

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La entrada Presentamos las obras de Juan Martín Olivera: un retrato de las emociones humanas, a través de la serie Arlequines se publicó primero en Radiomundo En Perspectiva.